La película Los niños salvajes,
dirigida por Patricia Ferreira, ha
sido la ganadora de la Biznaga de Oro al mejor largometraje en el 15º Festival
de Cine Español de Málaga, según el palmarés dado a conocer por el presidente
del jurado, el cineasta Gonzalo Suárez.
Los niños salvajes ha ganado también los premios al
mejor guión, para Patricia Ferreira y Virginia Yagüe; a la mejor actriz de
reparto, para Aina Clotet, y al mejor actor de reparto, para Álex Monner,
aunque en este caso "ex aequo" con Álvaro Cervantes por El sexo de los ángeles.
La triunfadora del certamen
malagueño es una película "que toma
partido por los adolescentes y es una defensa absoluta de los jóvenes y una
llamada de atención a los adultos", según afirmó la propia directora
en el Festival. “A pesar del título
-aclaró Ferreira- ni los niños son
salvajes, ni vienen de familias desestructuradas, ni son delincuentes comunes,
ni se drogan: es el término con el que los adultos nos referimos a los
adolescentes cuando los vemos actuar por las calles, a lo mejor porque hemos
olvidado lo que hemos sido y la necesidad que tuvimos de gritar y decir aquí
estamos".
Mientras, el premio al mejor
director ha sido para Imanol Uribe
por Miel
de naranjas, y el premio al mejor actor, para Antonio Dechent por A puerta fría, de Xavi Puebla,
película que también se ha alzado con el premio de la crítica.
El jurado ha otorgado su premio
especial a Carmina o revienta, ópera prima como cineasta del actor Paco
León, que también ha logrado el premio del público y el premio a la mejor
actriz, para su madre Carmina Barrios.
La Biznaga de Plata a la mejor
banda sonora original ha sido para Aziza
Brahim por Wilaya, de Pedro Pérez
Rosado; la de mejor fotografía, para Sergi
Gallardo por El sexo de los ángeles,
de Xavier Villaverde; la de mejor montaje, para Koldo Idígoras por The
Pelayos, y la de mejor guionista novel, para Remedios Crespo por Miel de
naranjas.
Además de estos premios, el
jurado ha concedido menciones especiales a la película Kanimambo, de Abdelatif
Hwidar, Carla Subirana y Adán Aliaga, y a Ángela
Molina en la categoría de mejor actriz de reparto por Miel de naranjas.
Junto a Gonzalo Suárez han
formado parte del jurado los actores Goya Toledo, Raúl Arévalo e Inma Cuesta,
la productora Isona Passola, el cineasta mexicano Iván Trujillo y el pintor
Enrique Brinkmann.
Por su parte, el jurado joven del
Festival de Málaga, formado por alumnos universitarios, ha concedido su premio
a Memoria
de mis putas tristes, adaptación de la novela homónima de Gabriel
García Márquez dirigida por el danés Henning Carlsen.
Destacar, por último, la Biznaga
de Plata al Mejor Cortometraje. En esta ocasión, recayó en Aquel no era yo, de
Esteban Crespo.
Enhorabuena a los premiados y
hasta el próximo año.
Os dejamos, con el trailer de la película ganadora. La esperaremos con impaciencia en la cartelera.
Título original: Salmon fishing in the Yemen. Dirección: Lasse Hallström. País:
Reino Unido. Año: 2012. Duración: 107 min. Género: Comedia romántica. Guión: Simon Beaufoy, basado en la
novela de Paul Torday. Producción: Paul
Webster. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Terry Stacey. Montaje: Lisa Gunning. Diseño de producción: Michael Carlin. Vestuario: Julian Day. Estreno en Reino Unido: 20 Abril 2012. Estreno en España: 20 Abril 2012.
El
doctor Alfred Jones (Ewan McGregor) trabaja en el Centro Nacional para el
Fomento de la
Piscicultura, donde realiza investigaciones sobre la
reproducción de los moluscos. Mohamed ben Zaidi bani Tihama (Amr Waked),
un acaudalado jeque yemení, se interesa por la introducción
del arte de la pesca con mosca en las montañas del norte de
Yemen. Jones rechaza inicialmente la oferta de dirigir el proyecto, pero
un asesor del primer ministro británico le obliga a aceptar con el fin de
mejorar la imagen del país en el mundo árabe. Así pues, el doctor Jones se ve
obligado a colaborar con una joven y atractiva representante del
jeque y lanzarse a la aventura.
Kristin Scott Thomas
Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: Destaca la
interpretación de Kristin Scott Thomas y su personaje, sobre el que descansa gran peso de la sátira
política. Muy bueno el tono de comedia que predomina en la primera mitad de la cinta.
Lo peor de la película: El romanticismo
y la fabulación con pretensiones trascendentes van desvirtuando la comedia. Las
incursiones terroristas en la trama también descolocan un poco. En este caso,
la mezcla de géneros, más que aportar originalidad, diluye la comicidad
lograda.
COLECCIÓN DE CORTOS PROYECTADOS EN
EL TALLER DE CINE
Título original: Les mistons.Dirección: François
Truffaut. País: Francia.
Año: 1957.
Duración: 17
minutos. Guión: François
Truffaut, según la novela de Maurice Pons. Producción: Les Films du Carrose.
Dirección de Producción: Robert
Lachenay. Fotografía: Jean
Malige, en B/N. Montaje:
Cécile Decugis. Música: Le Roux.
Intérpretes:
Bernadette Lafont, Gérard Blain, “los mocosos” y Michel François en la voz en
off.
Sinopsis: En pleno
verano de la Provenza,
una pandilla de “mocosos” (“les mistons”) andan secretamente enamorados de la
joven Bernadette. Contrariados por la llegada de un intruso, que comienza a
salir con la chica, deciden declararle la guerra a la pareja.
Consideraciones: Obtuvo el premio a la mejor dirección del Festival del Cine Mundial de Bruselas de 1958 con este cortometraje, el segundo que realizó. Con él convenció a la crítica
de la posibilidad de llevar nuevos aires al cine francés, como propugnaba desde
Cahiers du Cinéma, sirviendo de carta
de presentación para su siguiente trabajo, Los
cuatrocientos golpes. Estamos en los albores de la Nouvelle Vague.
Prestar atención: A
la sensación de libertad que desprende el corto, libertad proclamada por Truffaut
en su teoría sobre el cine de autor. Vemos las primeras pinceladas de lo que serán constantes
del director: el romance trágico, el punto de vista de los niños, el rodaje en
exteriores (Nîmes), la mirada nostálgica, el erotismo femenino en el sensual marco de
la naturaleza. Prestar atención también a las referencias cinematográficas que
aparecen: El Regador regado (1895), Roma, ciudad abierta (1945) de
Rossellini, del que Truffaut había sido ayudante de dirección, y Perros perdidos sin collar (1955) de
Jean Delannoy (los chiquillos destrozan el cartel de dicha película cuyo
director fue duramente criticado desde Cahiers
du Cinéma al ser representante del cine tradicionalista francés de los años
50, “cinéma de qualité”, academicista
y literario en exceso).
Bernadette Lafont
Cortometraje presentado por Joaquín Ritoré en el Taller de Cine.
CAPÍTULO
2. No invocarás el nombre de Dios en
vano.
Dirección: Krzysztof
Kieslowski.
Guión: Krzysztof Kieslowski
y Krzystof Piesiewicz. Fotografía: Edward Klosinskm. Música: Zbigniew Preisnen Sonido: Malgorzata Jaworska.
Dirección
Artística:
Halina Dobrowolska. Montaje: Ewa Smal. Producción: Ryszard Chutkowski
para la Televisión Polaca. Duración: 57'
Intérpretes:
Krystyna Janda (Dorota), Aleksander Bardini
(el médico), Olgierd Lukaszewicz (Andrzej), Artur Barcis (el joven), Stanislaw
Gawlik (el cartero), Krzystof Kumor (el ginecólogo), Macej Szary (el guarda),
Krystyna Bigelmajer (la secretaria), Karol Dillenius (enfermo), Ewa Ekwinska
(la señora Basia), Jerzy Fedorowicz (Janek), Piotr Siejka (médico), Aleksander
Trabczynski.
Sinopsis:
Medicina, juramentos, y el dilema moral más brutal de la serie. Estratosférica
actuación del viejo doctor. Dorota visita a Andrzej, su esposo moribundo, en el
hospital. Ella está embarazada de otro hombre. Consulta con el doctor si su
marido morirá. Ha tomado una determinación: si muere tendrá el bebé, pero si
vive, abortará. El médico se ve obligado a tomar una decisión. Le dice que su
marido morirá. Sin embargo, Andrzej sobrevive. Entonces, Dorota le dice a
Andrzej que van a tener un hijo y él piensa que es suyo.
Fotograma de Dekalog Dwa
Reflexiones:
Segundo de los diez capítulos que Kieslowski
realizó para la televisión pública polaca entre 1989 y 1990 sobre los Diez
Mandamientos.
La historia se desarrolla en un barrio de
Varsovia de grandes bloques de hormigón en el que se desenvuelven todas las
historias relacionadas con las Sagradas Escrituras.
En esta ocasión, el argumento se centra en el
Mandamiento “No invocarás el nombre de dios en vano”. En este capítulo, se
cruzan las vidas de dos vecinos del mismo bloque, un doctor (Aleksander
Bardini), y una mujer músico, llamada Dorota Geller (Krystyna Janda), una mujer
profundamente sumida en una gran tristeza ocasionada por el dilema que se le
presenta en el momento en que su marido está ingresado en un hospital esperando
la muerte. Ella tiene el corazón dividido entre dos hombres: por una parte, su
marido, y por otra un amigo con el que le ha sido infiel y del que se ha
quedado embarazada. Ella se carcome por dentro debido a una profunda duda:
abortar esperando la recuperación de su marido o tener al hijo y marcharse con
su amante sabiendo que su marido es unenfermo terminal.
El problema es: si el marido vive, el niño
muere; y si el marido muere, el niño vive. Entonces ella habla con el médico y
se lo explica, y éste quiere a toda costa que no aborte. Ahí veo al médico como
si fuera Dios, porque el médico días antes sabía que el marido iba mejorando;
no obstante, le dijo que estaba peor, que no abortara. Una decisión muy
complicada para cualquier ser humano. Aquí el médico está tomando el nombre de
Dios en vano, porque sólo Dios –para los creyentes- es el único que sabe cuándo
morirá.
La película está llena de símbolos, con poco
o ningún diálogo; refleja muy bien la Polonia postcomunista, con sus miserias,
dudas y esperanzas. Uno de los símbolos más claros que Kieslowski emplea es el
insecto saliendo del vaso, agarrándose a la cuchara: para mí es un canto a la
vida. Y el vaso de café que ella tira intencionadamente es el aborto, la
muerte.
Cuando ella va al hospital a ver a su marido,
en otra sala hay un enfermero que la está observando, que no tiene nada que ver
con los personajes centrales de la historia,sale en ese momento y no vuelve a aparecer; bajo mi punto de vista
parece como si fuera el ojo de Dios.
La racionalidad de sus personajes nunca
alcanza para abarcar la complejidad del problema, la resolución siempre
contiene al misterio, algo que opera por fuera de cualquier tipo de
racionalidad o planificación. Así como el problema surge de lo contingente, en
su solución opera lo misterioso. Lo que los personajes aportan es la
persistencia, el deseo; el acto vital de sostenerse en la oscuridad, de no
darse por vencido.
Para finalizar, el marido sale del hospital
recuperado “milagrosamente” y va a ver al médico y le comenta que su mujer está
esperando un hijo, ajeno totalmente a la realidad de este hecho. Aquí
Kieslowski nos plantea la utopía de un amor único (Dios único), el azar en la
paternidad biológica (origen de la vida) y sobre todo la prepotencia de la
ciencia (el hombre como centro de la creación), desnuda la fragilidad de
cualquier postulado, tanto físico como racional, a través de una simple
historia tan cotidiana como compleja.
Como colofón, cito una frase bíblica: “Todo pecado y blasfemia será perdonado al
hombre; mas la blasfemia contra el espíritu no será perdonada” (Mateo, XII,
31, 32).
Trabajo
presentado en el Taller de Cine por Toñi Pascual Álvarez.
Aleksander Bardini (el médico)
Reflexiones:
Vemos perfectamente reflejado en este capítulo
del Decálogo que nada podemos hacer ante la casuística y el comportamiento de
la naturaleza que se rige por un azar que escapa de nuestro control.
El ser humano piensa que es dueño de su
destino y creemos que sabemos cómo somos y cómo funcionamos y que podemos
intuir lo que pasará.
En este episodio del Decálogo tenemos a dos
personajes que son vecinos aunque no tienen una estrecha relación. Él, médico
de profesión, cuenta entre sus pacientes con el marido moribundo de ella,
personaje que se encuentra en un conflicto ya que está embarazada de su amante.
Lo que une a estos dos personajes es la necesidad de ella de saber que su
marido va a morir para seguir adelante con el embarazo o no.
Tenemos en este episodio dos fuertes dilemas:
Carlota que ama
a dos hombres, su marido, enfermo terminal y estéril y, su amante, un
músico de éxito del que espera un hijo.
El Doctor que
intenta salvar vidas aunque nada pudo hacer por la de su propia familia.
Igualmente encontramos una serie de símbolos
que nos llevan al mensaje de la película por ciertos recovecos: un ficus que
poco a poco es podado hasta que se destruye, un vaso de agua que ella tira al
suelo y se hace añicos. Estos dos primeros símbolos parecen indicar que el
marido morirá como vaticina el médico pero…
Por otro lado, un insecto atrapado en un vaso
consigue escapar por una cuchara cuando parecía del todo improbable. Con un
maravilloso plano detalle de cámara subjetiva descubrimos el mensaje final de
la película: el marido habla con el médico y le dice “He vuelto de ahí. Vamos a tener un bebé”. Es decir, que el médico
se equivocó y el marido no falleció, la mujer no abortó aunque tenía la cita
para hacerlo y el marido aceptó tener un bebé aun a sabiendas de que no era
suyo.
Cuando el médico contesta a la pregunta que
le hace ella “¿Usted cree en Dios?”
le dice “Tengo un dios que supongo que a
mí me basta” ella le recrimina diciéndole “¿Privado? Pues vaya pidiendo la absolución”. No podemos invocar el
nombre de Dios en vano.
Trabajo presentado en el Taller de Cine por
Ana Salas Cardona.
Krystyna Janda (Dorota)
Os dejamos con una secuencia, en la que Dorota
visita a su vecino, el doctor que tiene como paciente a su marido, Andrzej,
ingresado en el hospital. Dorota quiere arrancarle alguna información al médico
sobre el estado de Andrzej. Por otro lado, conviene conocer que, dos años
atrás, Dorota había atropellado con su coche el perro del médico. La verdad es
que la reacción del médico a la llamada de Dorota no es muy amable, al menos,
en estos primeros instantes del capítulo. Fijémonos.
Título original: The Hunger Games.Dirección:
Gary Ross. País: USA. Año: 2012. Duración: 142 min. Género: Ciencia-ficción, drama. Guión: Gary Ross, Suzanne Collins y Billy Ray; basado en la
novela de Suzanne Collins. Producción: Nina Jacobson y Jon Kilik. Música: James Newton Howard. Fotografía: Tom Stern. Montaje: Stephen Mirrione y Juliette Welfling. Diseño de
producción: Philip
Messina.
Vestuario: Judianna
Makovsky. Estreno en USA: 23 Marzo 2012. Estreno en España: 20 Abril 2012.
Intérpretes: Jennifer Lawrence (Katniss Everdeen), Josh
Hutcherson (Peeta Mellark), Liam Hemsworth (Gale Hawthorne), Elizabeth Banks
(Effie Trinket), Woody Harrelson (Haymitch Abernathy), Wes Bentley (Seneca
Crane), Donald Sutherland(presidente
Snow), Lenny Kravitz (Cinna), Stanley Tucci (Caesar Flickerman), Isabelle
Fuhrman (Clove), Toby Jones (Claudius).
Sinopsis:
Lo que en el pasado fueron los Estados
Unidos, ahora es una nación llamada Panem: un fastuoso Capitolio ejerce un
control riguroso sobre los doce distritos que lo rodean y que están aislados
entre sí. Cada distrito se ve obligado a enviar anualmente un chico y una chica
entre los doce y los dieciocho años para que participen en los Hunger Games,
que son transmitidos en directo por la televisión. Se trata de una lucha a
muerte, en la que sólo puede haber un superviviente. Katniss Everdeen, una joven
de dieciséis años, decide sustituir a su hermana en los juegos; pero para ella,
que ya ha visto la muerte de cerca, la lucha por la supervivencia es su segunda
naturaleza.
Jennifer Lawrence
Calificación: 5, Mediana.
Lo mejor de la película: El comienzo es esperanzador, pero poco a poco se
va desinflando, hasta caer en el último tercio completamente tedioso. Y es que
142 minutos son muchos minutos de película. En el haber, su protagonista
principal, Jennifer Lawrence, y unos
secundarios maravillosos que, a veces, nos da vergüenza ajena verlos disfrazado
en esta película, como Stanley Tucci o Toby Jones, por citar sólo dos. La
música, del gran Newton Howard, enfatiza mucho las imágenes.
Lo peor de la película: La larga duración del filme lo hace tedioso y el
final, preparado para una secuela. Ya tenemos con “Los juegos del hambre” un nueva saga cinematográfica, tipo “Crepúsculo”.
¡A comer palomitas!
Título original: Cairo time. Dirección y guión: Ruba Nadda. Países: Canadá, Irlanda y Egipto. Año: 2009. Duración: 90 min. Género: Drama, romance. Producción: Daniel Iron y David Collins. Música: Niall Byrne. Fotografía: Luc Montpellier. Montaje: Teresa Hannigan. Diseño de
producción: Tamara
Conboy.
Vestuario: Brenda
Broer. Estreno
en Canadá: 9 Octubre
2009.
Estreno en España: 13
Abril 2012.
Intérpretes: Patricia Clarkson (Juliette Grant), Alexander Siddig
(Tareq Khalifa), Elena Anaya (Kathryn), Amina Annabi (Yasmeen), Tom McCamus
(Mark), Mona Hala (Jameelah), Fadia Nadda (Hanan).
Sinopsis:
Breve e inesperada historia de amor de una
mujer casada, Juliette (Patricia Clarkson), editora de una revista de moda, que
viaja a El Cairo para reunirse con su marido y pasar unas vacaciones de tres
semanas. Sin embargo, ante la imposibilidad de estar con ella por motivos de
trabajo, su marido Mark (Tom McCamus) envía a su amigo de confianza, Tareq
(Alexander Siddig), para hacerle compañía. Tareq la guía a través de los
lugares, sonidos y costumbres únicos de la ciudad egipcia y surgen sentimientos
inesperados que conducen, por sorpresa, a un despertar de la emoción en
Juliette.
Patricia Clarkson
Calificación: 5, Mediana.
Lo mejor de la película: Las estupendas estampas que podemos ver de El
Cairo. Muy recomendada para los amantes de Egipto. La música y la fotografía
son muy correctas.
Lo peor de la película: La historia romántica que nos cuenta Nadda nos
parece muy poco novedosa. El tema de la mujer madura que encuentra un nuevo amor
de la noche a la mañana, resucitando sentimientos y aventuras propias de la
adolescencia, lo hemos visto muchas veces en el cine. Basta recordar la
excelente “Breve encuentro” de David Lean o la estupenda “Los puentes de
Madison” de Clint Eastwood. Aquí la novedad, es el paisaje exótico de fondo, en
plena capital egipcia. La película descansa básicamente en el personaje de
Juliette, produciéndonos un importante empacho de Patricia Clarkson. El
personaje que interpreta Elena Anaya queda desfigurado, no aporta nada a la
historia y es absolutamente prescindible en el argumento.
In cold
blood
(1967) es una película que presentaba un duro alegato contra la pena capital,
basada en la novela de Truman Capote sobre el caso real de dos asesinos. Esta
película le proporcionó a Richard Brooks, director y guionista, sendas
nominaciones al Óscar, además de otra para la banda sonora compuesta por Quincy Jones.
Tomando un cálido jazz como referencia, Jones
consiguió una innovadora partitura, sensible y atmosférica, con experimentales
sonidos complejos de identificar que incluyen licencias vocales realmente
sorprendentes. Desde el órgano agobiante de “Murder scene” hasta el jazz dinámico de “Lonely Bottles”, la música acaba integrándose de tal forma en la
historia que termina convertida en una amalgama de efectos cada vez más obsesivos.
Fotograma de "A sangre fría"
Para acompañar los recuerdos de uno de los
criminales, escribió el sugestivo “Perry´s
theme”, mientras que “Clutter family
theme” es una dulce melodía que hace referencia a la felicidad de la familia
antes de ser masacrada. También la banda sonora incluye una bellísima canción
mexicana, “Nina”, interpretada en
español por Gil Bernal.
Steven Spielberg siempre la tuvo como una de
sus bandas sonoras de referencia, sobre todo para ayudar a describir las ya de
por sí impactantes imágenes creadas por Brooks.
Quincu Jones nunca volvió a realizar un
trabajo de esta complejidad, decantándose después por comedias (Flor de cactus) y ligeras películas de
atracos (Dolores).
Recordemos uno de los cortes más bello de este score. Nos quedamos unos
minutos con el tema “Clutter family theme”.
Título original: De tu ventana a la mía. Dirección: Paula Ortiz. País: España. Año: 2011. Duración: 101
min. Género: Drama.
Guión: Paula Ortiz. Música: Avshalom Caspi. Fotografía: Miguel Ángel Amoedo. Montaje: Irene Blecua, Javier García
Arrendondo. Vestuario: Arantxa
Exquerro, Guillén Doz. Diseño de
producción: Jesús Bosqued. Producción
ejecutiva: Kike Mora, Puy Oria, Raúl García, David Matamoros, Montxo
Armendáriz. Producción: Amapola
Films, Oria Films.
3 nominaciones a los
Premios Goya 2011. Mejor Nueva Dirección en la Seminci 2011. Mejor Música en el
Festival Internacional de Shanghai 2012.
Fecha del estreno: 9 Marzo 2011
(España)
Reparto: Maribel Verdú (Inés),
Leticia Dolera (Violeta), Luisa Gavasa (Luisa), Roberto Álamo (Paco), Fran
Perea (Pedro), Pablo Rivero (Manuel), Cristina Rota (Isabel), Carlos
Álvarez-Novoa (tío Fernando), María José Moreno (tía), Luis Bermejo (Valentín),
Julián Villagrán, Ramón Barea (Marín), Álex Angulo (médico).
Sinopsis:
Tres mujeres, de edades y
épocas distintas, que han fracasado en el amor, tienen que afrontar la vida en
un ambiente cerrado y hostil. Son mujeres que no pudieron elegir su camino y
tuvieron que vivir una vida soñada, imaginada, recordada, cosiendo junto a su
ventana.
Comentarios:
A la zaragozana Paula
Ortiz no se le pueden negar ni la ambición, ni el arrojo a la hora de afrontar
su primer largometraje: De tu ventana a la mía adopta la forma de tríptico de
amores contrariados, conjugado en tres tiempos que cristalizan en otras tantas
claves estéticas. La formación filológica de la cineasta invita a pensar en la
película como vocacional equivalente cinematográfico de un libro de relatos
entretejidos, con el denominador común del amor contrariado y la fuerza y la
capacidad de supervivencia de los personajes femeninos como motor narrativo.
De tu ventana a la mía despeja todas las
dudas razonables sobre la capacidad y la elocuencia de una mirada debutante:
Ortiz, candidata al Goya a mejor dirección novel, sabe contar en imágenes y
logra armonizar los diversos registros y niveles narrativos de su propuesta con
transiciones elegantes y precisas.
Es en el material sobre
el que Paula Ortiz levanta su ejercicio virtuoso donde se detectan las
debilidades del conjunto: una suerte de summa de los tópicos que nutren buena
parte de esa narrativa contemporánea que empaña de sentimentalismo neokistch su reivindicación de lo
femenino como receptáculo del dolor y la exclusión, pero también como fuente de
una sabiduría vital que, al parecer, lo masculino jamás podrá rozar ni con la
punta de los dedos. Así, De tu ventana a
la mía descubre su verdadera naturaleza de objeto formalmente deslumbrante
que se levanta sobre una posible falacia cultural muy del signo de los tiempos.
El extraño ambiente de
western Las Bárdenas de la historia
de Inés (Maribel Verdú), a principios de los cuarenta, gana la partida en
cuestiones de intensidad y fuerza visual, frente a la afectación rococó del
relato de la sobreprotegida y lánguida Violeta (Leticia Dolera), en los años
veinte, y el delirante juego metafórico entre cáncer y Transición que malogra
la sobriedad de la odisea de emancipación sentimental que vive, a mediados de
los setenta, Luisa (Luisa Gavasa). (Jordi Costa)
