viernes, 23 de junio de 2017

Los estrenos en Sevilla de 23-06-2017



6 películas se estrenan el 23 de junio 2017 en la cartelera cinematográfica de Sevilla. Dos producciones son estadounidenses, una española, una canadiense, una alemana y una coproducción austriaca-española. Se queda sin editar esta semana en Sevilla la película española “La película de nuestra vida” (Enrique Baró, 2016) y la india “Tubelight” (Kabir Khan, 2017). De lo estrenado, poca cosa que recomendar.  


Maudie, el color de la vida. (Canadá, 2016). Dir. Aisling Walsh.
La realizadora irlandesa Aisling Walsh dirige la película biográfica “Maudie, el color de la vida” protagonizada por Ethan Hawke y Sally Hawkins. Se trata de la historia real de la pintora canadiense Maud Lewis, cuyas limitaciones físicas, debido a una artritis reumática, no la impidieron ser una célebre artista, considerada pionera del Arte Naïf. La película ha participado en numerosos festivales de cine, como Telluride, Sidney, la sección oficial de la Berlinale y el Festival de Cine de Toronto, donde fue recibida con grandes elogios en su premiere internacional. Con este material biográfico de partida y dos actores (Sally Hawkins y Ethan Hawke) abocados a uno de esos trabajos de composición que obligan a quebrar la gestualidad natural, Maudie podía haber resultado un trabajo rutinario, lacrimógeno y manipulador, pero la directora irlandesa Aisling Walsh y su reparto afrontan el proyecto con una sensibilidad y una energía fuera de patrones. Lo que parece importar aquí, amén del contraste entre una cualidad lumínica de maestro flamenco y el estallido cromático de la pintura, es la resonancia emocional de cada pequeño momento y la elocuencia del gesto. Recomendada.


Hermanos del viento. (Austria-España, 2015). Dir. Gerardo Olivares y Otmar Penker.
Con algo de retraso llega a las salas de cine españolas, “Hermanos del Viento”, una coproducción hispano austriaca codirigida por los directores Otmar Penker y Gerardo Olivares. Su protagonista Manuel Camacho, nominado al Goya a Mejor Actor Revelación en 2010 por su papel en “Entrelobos”, vuelve a ponerse a las órdenes del director español Gerardo Olivares. El resto del reparto está formado por Jean Reno, Tobias Moretti y Eva Kuen. El hilo conductor de la película reside en la profunda amistad existente entre el águila y el niño, cuyas vidas estarán conectadas para siempre. Lo mejor de “Hermanos del Viento” es la escasez de diálogos que dan paso a sorprendentes secuencias rodadas de animales interactuando en su hábitat, las espectaculares tomas aéreas donde la cámara sigue la estela del vuelo del águila como si fuera otra ave más, los emocionantes y bellos momentos de Abel en el nido desde su nacimiento hasta que es expulsado por su hermano y las hermosas vistas de los Alpes Nevados. El dicho de una imagen vale más que mil palabras queda magníficamente reflejado en la película con cada aparición de Abel y su familia delante de la cámara, sin hablar, son capaces de transmitirnos tantas emociones y sensaciones, y decirnos tantas cosas... Una película muy familiar con un bello mensaje sobre la conservación y el respeto por la naturaleza. Recomendada (con reservas).


La casa de la esperanza. (USA, 2017). Dir. Niki Caro.
Películas como “Paraíso”, del ruso Andréi Konchalovski o “El hijo de Saúl”, del húngaro László Nemes, nos hace pensar que aún quedaban resquicios, tanto éticos como estéticos, para abordar temas en principio tan agotados como el nazismo y el Holocausto judío, tratados del derecho y del revés, con explicitud y sutileza, con necesaria pertinencia e incontenible asiduidad. Una reflexión en la que es necesario insistir ahora que llega “La casa de la esperanza”, película de la neozelandesa Niki Caro acerca de un hecho real en la Varsovia invadida por el ejército alemán, y que acaba confirmando la teoría, y el valor de las películas de Konchalovski y Nemes, aunque sea justo por lo contrario: la insignificancia ética y cinematográfica, narrativa e histórica, de un relato que, aun verídico en su eje central, luce desteñido y melindroso, con unas ansias clásicas a destiempo que solo se revelan vulgarmente académicas y desdramatizadas. “La casa de la esperanza”, basada en un exitoso libro de Diane Ackerman, parece más una clase urgente para niños de siete años sobre deportación y exterminio, sobre invasión y resistencia en el gueto de Varsovia, que un análisis verdadero, congruente y capaz, de un hecho histórico de esencial importancia. Alrededor de la figura del matrimonio Zabinski, cuidadores del zoológico de la ciudad en tiempos de la invasión nazi, que llegaron a convertir las instalaciones, ya sin animales a causa de los bombardeos, en lugar de ocultamiento para judíos y en símbolo de obstinación y valentía frente a la barbarie, la película de Caro parece una dulzona producción de hace 70 años que haya atravesado un inconcebible túnel del tiempo. Que el análisis de los comportamientos exteriores y las conciencias interiores de los seres humanos implicados en los hechos sea dolorosamente inabarcable, tanto en el lado oprimido y exterminado como en el de los criminales que lo ejecutaron, lo que sigue abriendo la esperanza para futuros acercamientos de verdadera complejidad, provoca que sea aún más palpable el fracaso de una película a la que no sostiene ni el aura de estrella clásica de Jessica Chastain. Mal contada (la sistemática de guarecimiento y evasión no pasa de lo incomprensible), y peor concebida en tono y recursos, quizá se resuma en dos secuencias que Caro, la directora de “Whale Rider” y “En tierra de hombres”, filma con aspiraciones de turbación: el inverosímil conformismo del jerarca nazi enamorado de la señora Zabinski, atusándole el pelo y lavándole las manos en una fuente, y el atrevimiento lírico con las cenizas volantes, producto de la salvaje quema de los edificios del gueto. No Recomendada.


Selfie. (España, 2017). Dir. Víctor García León.
'Selfie' es la historia de Bosco. Su padre es un ministro del gobierno al que acaba de detener la policía: está imputado por corrupción, malversación de fondos públicos, blanqueo de capitales y 18 delitos económicos más. La historia de Bosco abarca desde que es expulsado de su lujoso chalet en la Moraleja hasta que okupa una casa de Lavapies. Desde que su novia perfecta le abandona, hasta que comienza un romance con una trabajadora social ciega. Desde que le expulsan de su exclusivo máster de dirección de empresas hasta que pasea asustado por las calles de su nuevo barrio... 'Selfie' es una película de Víctor García León que relata con un tono cómico las causas y las consecuencias que desencadenó la crisis económica en España. Protagonizado por Santiago Alverú, Macarena Sanz, Javier Carramiñana, Alicia Rubio y Pepe Ocio, el largometraje ilustra la realidad de muchos españoles desde la recesión de 2008, incluidos los casos de corrupción, blanqueo de dinero y manipulación de fondos públicos. La película, que cerró la sección oficial del Festival de Málaga, relata una parte de la historia reciente de la sociedad española alternando situaciones cómicas y dramáticas, un estilo característico de las producciones de García León como en 'Más pena que Gloria' y 'Vete de mí'. Los primeros minutos pueden hacer gracia, y el actor Santiago Alverú pone todo de su parte, pero la crítica a la corrupción imperante es algo zafia y el juguete se avería demasiado pronto. No Recomendada.


Wonder Woman. (USA, 2017). Dir. Patty Jenkins.
Diana es la princesa de las Amazonas, y vive una vida tranquila y apacible en una recóndita isla alejada de la civilización. Durante toda su vida se ha estado entrenando para convertirse en una guerrera invencible, y aunque ella no lo sabe, pronto tendrá que dar uso de ese gran poder para salvar el mundo: un buen día, un piloto estadounidense se estrellará en la costa de la isla, avisando a las guerreras Amazonas de que una terrible guerra está destruyendo el mundo exterior. Diana, atenta a todo ello, queda devastada, y decide idear un plan para poner fin a esta amenaza, convirtiéndose en Wonder Woman. Con ayuda del piloto Trevor se pondrán manos a la obra para detener al mal que está consumiendo el planeta. Y durante este transcurso de tiempo, comenzará a descubrir todos los poderes que oculta en su interior. Protagonizada por Gal Gadot y Chris Pine, esta nueva versión de la superheroína de DC llega 75 años después de su estreno en los cómics, de mano de la directora Patty Jenkins. La cinta nace en un universo cinematográfico DC dominado por los testoterónicos modelos de Nolan y Snyder, dos pesos pesados de la falsa importancia, y, junto al intento algo tímido de hacer justicia al ideario de Moulton Marston, sí marca la diferencia en algo esencial: su apuesta por la ligereza. He aquí una película, pues, que se somete a ciertas servidumbres –el clímax final con sus enfáticas imágenes ralentizadas a lo Snyder-, pero no se avergüenza en ningún momento de ser un tebeo. Y un tebeo antiguo, además, con espíritu de vieja película de aventuras, afortunadas ideas en sus secuencias menos espectaculares –la presentación de los personajes de Sameer y Charlie- e incluso inesperadas sorpresas camp, como la que llega de la mano de una Elena Anaya que se diría recién extirpada de “La piel que habito” (2011). No deben perdérsela los fans del comic. No Recomendada.


Robby y Tobby en el viaje fantástico. (Alemania, 2016). Dir. Wolfgang Groos. 
Robby y Tobías Findteisen, alias Tobby, son dos grandes amigos tan normales como cualquier otro. Bueno, no tan normales, ya que Robby es, en realidad, un robot ROB 344 alienígena al que todos llaman Robby. El pequeño robot cayó del espacio, y así fue como ambos se hicieron amigos. Juntos, deseosos de vivir grandes aventuras, construyen junto con más amigos el Aeroguatutú, un vehículo especial que es capaz de ir por tierra, mar o aire. Sin embargo, las cosas no serán tan sencillas como ellos piensan. Unos hombres de una empresa de tecnología andan detrás de Robby, ya que es el único robot que puede sentir. La película de animación está basada en la novela infantil alemana de aventuras de Boy Lornsen, publicada en 1967 y que tuvo un gran éxito. Huyan para no verla. No Recomendada.

lunes, 19 de junio de 2017

Jaen Austen: "Sentido y Sensibilidad". Una modernidad de 200 años

Este año 2017 se celebra el bicentenario de la muerte de Jane Austen (1775-1817). Esta gran novelista británica que vivió durante el periodo histórico de la regencia tiene una corta obra literaria, apenas 8 novelas y varias pequeñas obras de juventud, pero 6 de sus novelas están consideradas de las mejores de la literatura inglesa.
                    


Austen actualmente se ha convertido en un fenómeno de masas, y este relanzamiento de su obra ha sido fundamentalmente debido a las adaptaciones para cine y para televisión de sus novelas, siendo esto especialmente cierto en el mundo de habla hispana, pues ha sido difícil conseguir ediciones en castellano de su obra y gracias al ‘boom’ de adaptaciones realizadas a mediados de la década de los 90 su obra comenzó a difundirse y reconocerse más.  En 1940 el éxito de una película basada en Orgullo y Prejuicio, que fue lanzada en España como Más fuerte que el orgullo, hizo que se recuperasen en nuestro país varias de las novelas de la escritora, aprovechando el tirón cinematográfico, pero fue en los años 90 cuando comenzó la austenmanía tal y como hoy la conocemos, ya que alrededor de las versiones fundamentalmente del cine se ha creado un verdadero mercado de publicaciones y “merchandising”, viajes con rutas austenianas y sociedades de seguidores de la autora en todos los países, que organizan actividades alrededor de la obra escrita y adaptada de la autora.
 

El mayor salto ocurrió en 1995, con la película Sentido y Sensibilidad” de Ang Lee, que obtuvo numerosos premios y reconocimientos, incluyendo el Óscar por mejor guion adaptado para Emma Thompson y otras 6 nominaciones más. En ese mismo año la BBC estrenó una miniserie de 6 episodios de Orgullo y prejuicio, considerada hasta la actualidad la mejor adaptación de la obra de Austen. A ellas siguieron otras adaptaciones de las demás novelas, de 1995 a 1999, dos versiones de época y una moderna de Emma y una versión de Mansfield Park, que no fue muy exitosa e hizo pensar que el interés del público por la obra de Austen había terminado. Más de una década transcurrió desde el primer ‘boom’, hasta que surgió una nueva oleada de adaptaciones, encabezada por la versión de 2005 de “Orgullo y Prejuicio, que fue bastante bien recibida por la crítica cinematográfica y con nominaciones a los Óscar. A ella se sumaron 3 nuevas cintas para televisión  en el 2007, dos miniseries BBC -una en el 2008 y otra en 2009-, y dos películas biográficas, una muy ficticia para cine y otra más realista de televisión. Este segundo ‘boom’, que continua en la actualidad, ya que en 2016 se ha estrenado “Amor y Amistad” una adaptación de la novela Lady Susan, ha hecho que nuevas generaciones conozcan y se interesen en la obra de la escritora y su obra se mantenga de tremenda actualidad interesando a público de todas las edades. Sus obras siguen adaptándose a formatos más modernos y hay versiones de Orgullo y Prejuicio, Sentido y Sensibilidad, Emma y Persuasión en formato de videoblog.


Sentido y Sensibilidad es de las primeras cintas que favorecieron ese gran lanzamiento de Jane Austen y colaboro en popularizar su obra. Esta es su primera novela llamada inicialmente Elinor y Marianne publicada en 1811 y en ella podemos apreciar ya las claves de su obra: la mujer como protagonista y su papel en la sociedad, el detenimiento en las pequeñas cosas de la vida cotidiana, unos personajes que enriquecen sus obras y que son totalmente asimilables a nuestra vida actual: padres egoístas, madres chismosas, ricos orgullosos, clérigos poco caritativos, etc., la descripción de su ambiente social, la burguesía territorial inglesa o la nobleza más baja e insignificante (la llamada gentry) todo ello escrito con una cuidada prosa, en tercera persona y con una ironía presente en todas sus obras.

Ang Lee realizo una maravillosa adaptación de la novela, nos ha presentado de forma delicada y fiel la historia de una familia británica que al perder al padre se convierte en un pequeño mundo femenino, la madre y las hermanas Dashwood, que ha perdido el patrimonio familiar y por ello se ven obligadas a abandonar las comodidades y adaptarse a una situación económica bastante más humilde. Asistiremos a todo tipo de situaciones sociales, desde la convivencia cotidiana en el hogar, invitaciones de vecinos, meriendas campestres, paseos, bailes…desarrolladas tanto en el pequeño mundo provinciano como en el sofisticado ambiente de la ciudad. Todo ello permite vivir el proceso de enamoramiento de las dos hermanas mayores, Elinor discreta pero profundamente enamorada de uno de los cuñados de su hermanastro (La Sensatez o el Sentido) y Marianne, apasionada y expresiva al máximo, enamorada de un joven tan lanzado y alocado como ella (La Sensibilidad). 

Los diálogos en la forma corresponden a su época, pero en el fondo tratan los temas más importantes en las relaciones humanas: amor, respeto, amistad, familia. El guion escrito por Emma Thompson, una gran admiradora de Jane Austen, adapta muy bien la obra original, ha sabido dar algunos matices nuevos y reducir lo necesario para que la historia se vea actualizada. Ang Lee ha conseguido que no sea solo una película de época, pues es moderna, incluso tras los años transcurridos, con unos personajes vivos, actuales, con los que el espectador se puede identificar y a pesar de estar contada de forma lenta, te mantiene atenta hasta el final.

A nivel visual se caracteriza por una cuidadísima estética en la elección de los encuadres,  una puesta en escena sobria y elegante, evitando subrayados innecesarios, contando la historia desde la distancia, por eso nos proporciona unas imágenes de exteriores y de interiores de gran belleza. Abundan los planos generales pausados y las panorámicas, destacando la fotografía de Michael Coulter, y la interpretación de los actores, todos ellos actores británicos de primera fila, pero destaca fundamentalmente Emma Thompson y Kate Winslet y el propio Alan Rickman. La ambientación y el vestuario están cuidados al detalle, la música de Patrick Doyle es preciosa, siempre situada en un plano por debajo de la historia, el director la utiliza para realzar momentos estelares, elegida con mucho acierto. Y a pesar de ser un drama con momentos de tensión casi hasta el final, el sentido del humor británico nos hará sonreír algunas veces.  



Han pasado mas de 20 años ya desde el estreno de esta película, pero a pesar del tiempo transcurrido la obra no ha envejecido, mantiene su interés, su belleza y sigue siendo completamente recomendable.



viernes, 16 de junio de 2017

Los estrenos en Sevilla de 16-06-2017



7 películas se estrenan el 16 de junio 2017 en la cartelera cinematográfica de Sevilla. Tres producciones son estadounidenses, una española, una portuguesa, una filipina y una canadiense. Mala racha de estrenos veraniegos. Muy poca calidad. Además, nos dejan sin editar en Sevilla muchas películas más interesantes que las que se estrenan. Por ejemplo, el drama “Júlia ist” (Elena Martín, 2017); o la película colombiana basada en hechos reales acontecidos durante la década de los 70 “La mujer del animal” (Víctor Gaviria, 2016). Tampoco encuentra hueca en la cartelera sevillana la película de Georgia “La vida de Ana” (Nino Basilia, 2016). Cosas increíbles que pasan en nuestra ciudad: Lo peor (lo más comercial) se estrena y lo mejor se nos escapa y hay que irse a verlo a Madrid. Nos da pena no recomendar nada, pero la cosa pinta muy muy mal. Vale, vale, nos quedamos sólo con dos estrenos.

Cartas de la guerra. (Portugal, 2016). Dir. Ivo Ferreira.
Guerra Colonial entre 1971 y 1973 en Angola. António es un joven soldado que sobrevive como puede en esta cruenta batalla sin fin. Su manera de sobrevivir es enviando cartas a su joven esposa, Maria José, en la que le narra las crónicas de su día a día y los de sus demás compañeros y lo difícil que es aguantar entre tanto dolor y muerte. El joven tiene ilusiones y sueños pese a vivir una guerra, António quiere convertirse es médico y sueña en convertirse en escritor, estas epístolas le ayudan a no olvidar su anhelo, contando lo que vive. Basada en la novela epistolar 'D'este viver aqui neste papel descripto' del célebre escritor portugués António Lobo Antunes y presentada en la Selección Oficial de la 66ª edición del Festival Internacional de Cine de Berlín y elegida por la academia de Portugal para representar al país en los 89º Premios Oscar. Amor y perfecto entendimiento hacia el universo del autor, con una estética tan potente como veraz, con un blanco y negro magnífico. Ferreira adapta a Lobo con personalidad propia, inteligencia y poesía. Recomendada.


Chavela. (USA, 2017). Dir. Catherine Gund y Daresha Kyi.
En “Chavela”, documental de Catherine Gund y Daresha Kyi, las canciones de la artista –con juegos de rotulación empleados para reforzar el sentido del discurso- y una entrevista inédita realizada en los noventa sirven de hilo conductor en un retrato a varias voces que intenta integrar, en una misma figura, realidad y mito. Las documentalistas no dudan en “imprimir la leyenda”, pero sin que eso anule el hecho. Contraviniendo las palabras de Chavela Vargas –que, al comienzo de la entrevista, sugiere hablar solo de su futuro-, la película propone un recorrido cronológico desde su transgresora irrupción en la escena de la canción mexicana –donde su singularidad era tolerada como representación- hasta su triunfal resurrección artística, en un discurso que pone justo énfasis a las complicidades que fue encontrando esta fuerza de la naturaleza convertida en agente provocador. El resultado es un completo y responsable retrato de una personalidad creativa realmente única. Recomendada.


Ignacio de Loyola. (Filipinas, 2017). Dir. Paolo Dy y Cathy Azanza.
Película biográfica que narra la historia del creador de la Orden de los Jesuitas, Ignacio de Loyola. Ignacio de Loyola fue un soldado que recibió la llamada de Dios y decidió luchar contra los demonios que tenía dentro de él. El film se centra en la famosa Batalla de Pamplona, sus luchas contra la depresión que casi le llevaron al suicidio, su juicio ante la Inquisición, y su última defensa. La co-producción entre Filipinas y España está dirigida por Paolo Dy y Cathy Azanza, y el guion está firmado por los propios Dy y Atanza. El reparto está compuesto por Andreas Muñoz, Javier Godino, Julio Perillán, Gonzalo Trujillo, Isabel García Lorca, Lucas Fuica, Mario de la Rosa, Jonathan D. Mellor, Rick Zingale, Tacuara Casares, Ben Temple, Imanol Reta, Javier Tolosa, Samuel Pérez, Javier Abad y Aitor Beltrán. La película se centra, acertadamente, en la juventud de Íñigo y no pretende contar toda su vida ni la fundación de la Compañía de Jesús. Una vez presentado el carácter fogoso y aventurero en la primera parte, en la segunda muestra su decisión de seguir los pasos de Jesucristo, y algunas de las dificultades que encontró. La incomprensión/oposición de su familia, o el examen de sus ideas por la inquisición. Un joven poco conocido, Andreas Muñoz, hace un notable retrato de san Ignacio. El resto del reparto es convincente, no suena a falso, tal vez esos trajes -cosidos a mano en filipinas- tengan algo que ver; también ayuda la banda sonora de Ryan Cayabyab. No obstante, la narrativa tiene sus altibajos, tal vez porque la fuente literaria original pesa mucho; la falta de presupuesto se hace sentir dramáticamente en la épica defensa, auténtico esfuerzo por emular el cine épico de aventuras, pero reducidos a un par de trucos informáticos y simples decorados de cartón piedra. Bastantes carencias pero con capacidad para enganchar a algunos espectadores. No Recomendada.


Señor, dame paciencia. (España, 2017). Dir. Álvaro Díaz Lorenzo.
'Señor, dame paciencia' es una comedia familiar centrada en Gregorio, un banquero madrileño muy conservador y con un carácter fuerte. Tras la muerte de su mujer, Gregorio tendrá que cumplir su última voluntad: viajar con sus hijos y sus parejas a Sanlúcar de Barrameda (Cádiz) para esparcir sus cenizas en el río Guadalquivir. El protagonista tendrá que superar sus prejuicios y aceptar a su variopinta familia. Su hija Sandra está casada con un catalán de pura cepa, que quiere que su hijo vaya a un colegio bilingüe inglés-catalán. Su hija Alicia está saliendo con un hippy que está en contra de la sociedad capitalista, y su hijo Carlos acude al viaje acompañado por su novio, un senegalés asentado en el País Vasco. “Señor dame paciencia” es una mezcla de comedia y drama, y a pesar de que trata de dar más peso al primer género, es de la parte dramática de la que se puede sacar más provecho. Porque en la parte cómica nos volvemos a encontrar con un humor facilón que queda resumido en una sucesión de chistes poco originales que parecen metidos con calzador. Hacer chistes sobre tópicos no justifica no trabajar las bromas, y aquí parece una vaga función de buscar la risa fácil. Además, hay personajes e historias que no trascienden más allá de su imagen (claro ejemplo el de Andrés Velencoso y Bore Buika). La imagen, la luz y los paisajes sí que logran iluminar una producción que brilla poco, y el pueblo de Sanlúcar de Barrameda queda mejor parado que la propia película. Con una casa que parece de exposición, y que se covierte en un personaje más de la trama. Y una furgoneta, al más puro estilo de “Pequeña Miss Sunshine”, de la que esperábamos más presencia al aparecer en los propios carteles promocionales. Con “Señor dame paciencia” estamos ante una historia que no sorprende, ni cuenta nada nuevo; unos personajes que ya hemos visto muchas veces, y un guión que nos lleva a un desenlace poco trascendental. Si el público no va en busca de algo diferente o sorprendente puede llegar a entretener, pero quizás la solución no sea hacer lo mismo una y otra vez, sino explorar nuevas formas de comedia y traer a la cartelera productos atractivos y novedosos que ayuden a nuestro cine patrio. No Recomendada.


París, puede esperar. (USA, 2016). Dir. Eleanor Coppola.
Eleanor Coppola, esposa de Francis Ford, enorme retratista del tormento cinematográfico de su marido durante el rodaje de Apocalypse now, documentalista esporádica y esposa a tiempo completo, ha decidido debutar en la ficción cinematográfica a los 81. Y además, con una película evidentemente autobiográfica, con numerosos paralelismos con sus propias vidas, la suya y la de Francis, en la que ha volcado puntuales interioridades y lamentos, pero en la que acaban despuntado los detalles más superficiales por encima de los trascendentes. “París puede esperar” es una comedia dramática ligera que, en el fondo, ha preferido ser gastronómica y turística en lugar de existencial y social. Era una opción, y es la suya, pero nunca la más interesante. Partiendo de aquel gran documental sobre el infierno de jugar a retratar Vietnam para convertirse en Vietnam, “Corazones en tinieblas” (1991), conformado por Eleanor a partir de documentos filmados en el rodaje de “Apocalypse now”, y también de los primeros minutos de “París puede esperar”, donde los álter ego de ambos cónyuges interactúan en el Festival de Cannes, no es difícil deducir su papel en la vida del director de “El padrino”. Otro sostén inigualable y casi invisible, sin pedir nada a cambio. Y todo lo que tiene que ver con esto en la película es bien interesante, a pesar de que la puesta en escena de Eleanor sea entre convencional y tosca, y se haya hecho acompañar de una espantosa banda sonora de Laura Karpman. “París puede esperar” es una película de carretera de trayecto físico evidente, incluso algo reiterativo, y trayecto moral bastante más dudoso, en la que una esposa fiel y un amigo de su esposo, playboy al viejo estilo (clásico, dirán algunos espectadores; caduco, decadente y patético, dirán otros), recorren el camino entre la Costa Azul y París en medio de una sobredosis de turismo gastronómico. Y ese es el problema: que a Eleanor se le ha ido la mano con la guía de viajes culinaria, en lugar de ahondar en las entrañas de un personaje al que, a pesar de todo, y como siempre, pone calor, clase y talento Diane Lane. No Recomendada.


Baywatch: Los vigilantes de la playa. (USA, 2017). Dir. Seth Gordon.
Remake de la popular serie de los años 90 protagonizada por socorristas que se encargan de la seguridad de una playa en Santa Mónica. En esta ocasión, el estricto socorrista de la vieja escuela Mitch Buchannon (Dwayne Johnson) deberá trabajar mano a mano con Matt Brody (Zac Efron), un divertido y libidinoso ex nadador olímpico joven, al que le gusta ir contra la autoridad y saltarse las normas. Juntos formarán equipo y descubrirán una trama de delitos locales que amenazan el futuro de la bahía con su destrucción a manos de un poderoso empresario del petróleo. A ellos se les unirá el resto de vigilantes de la playa. La película está dirigida por Seth Gordon, quien se pone al frente de la adaptación al cine de la mítica serie de los 90. Protagonizada por Dwayne Johnson junto a Zac Efron, cuenta además en su reparto con Priyanka Chopra, Alexandra Daddario, Kelly Rohrbach y dos estrellas de la serie original: Pamela Anderson y David Hasselhoff. Si hay algo que se le puede reconocer a esta nueva versión de ‘Los vigilantes de la playa’ es la honestidad. Con tan solo sus primeros 15 minutos de metraje, la película ya nos deja claro que aquí no hay nada que rascar. Chistes sobre gordos, absurdas demostraciones de músculo, culos a cámara híper lenta y varios minutos dedicados a un gag de un pene encajado en un tablón. Todo ello para dar comienzo a una película que, aun así, logra encontrar a cada minuto nuevas formas de resultar ridícula. Es cierto que hay varios momentos que logran sacarnos alguna sonrisa. Siendo, en su mayoría, aquellas ocasiones en las que la historia deja de tomarse en serio a sí misma, y se dedica a hacerse una auto parodia. Sin embargo, estos momentos suponen la excepción al tono general de la película. Y nos hacen preguntarnos qué podría haber sido de esta versión si hubiera apostado de lleno por reírse de sí misma. Nadie debería esperarse demasiado de la nueva ‘Los vigilantes de la playa’. Ni el material original era bueno, ni lo que nos habían mostrado hasta ahora nos daba la más mínima esperanza. Solo nos queda esperar hasta que la saga se ahogue, y confiar en que nadie intente volver a rescatarla. No Recomendada.


Cosecha amarga. (Canadá, 2017). Dir. George Mendeluk. 
Situada en pleno crecimiento del poder de Stalin en Rusia, este drama bélico basado en hechos verídicos nos acerca a la resistencia Ucraniana frente a la tiranía de la Unión Soviética a través de un romance entre un joven que decide luchar por su país y su amada que continuará con la resistencia. Con la promesa de volver a reunirse, ambos lucharán no sólo contra la guerra, sino contra el mayor enemigo al que se enfrentó Ucrania en 1933: el hambre. La terrible verdad que escondió Rusia para continuar en el poder a través de explotar los recursos alimenticios de Ucrania se revela en esta película histórica con personajes que lucharán por preservar la libertad, pero por encima de todo, lucharán por el amor. Protagonizada por Barry Pepper, Max Irons, Richard Brake, Tom Austen, Samantha Barks y Terence Stamp. Una lección torpe de historia ucraniana donde política, romance, fe y hambruna se mezclan en una sola albóndiga deforme. No Recomendada.