viernes, 13 de enero de 2017

Los estrenos en Sevilla de 13-01-2017



8 películas se estrenan el 13 de enero de 2017 en la cartelera cinematográfica de Sevilla. 3 producciones son estadounidense, dos francesas, una británica, una rusa y una española. Lamentamos que no haya tenido estreno en Sevilla la película española “Nacido en Siria” (Hernán Zin, 2016), un documental nominado a los Premios Goya 2016 al Mejor Documental, ambientado en la actual guerra civil que vive Siria. Y en cuanto a las recomendaciones, nos quedamos con cuatro.     
La ciudad de las estrellas (La, la, Land). (USA, 2016). Dir. Damien Chazelle. 
Tras el éxito obtenido con 'Whiplash', el director estadounidense Damien Chazelle vuelve a poner el foco en el mundo de la canción con el musical 'La ciudad de las estrellas: La La Land'. Escrita y dirigida por el propio Chazelle, el largometraje aborda la historia de Sebastian, personaje interpretado por Ryan Gosling, un pianista que sueña con abrir un local de jazz. En Los Ángeles, la ciudad que no descansa nunca, conocerá a Mia, una aspirante a actriz encarnada en Emma Stone. Sebastian caerá rendido a los pies de Mia y se enamorará perdidamente de ella. El nuevo largometraje musical de Damien Chazelle vuelve a concebir en la gran pantalla una cinta inspirada en grandes clásicos de la historia del cine como los protagonizados por Fred Astaire o Ginger Rogers, iconos míticos del cine musical. Además de a Gosling y Stone, en el reparto podemos ver además a J.K. Simmons, Finn Wittrock, Rosemarie DeWitt y el cantante John Legend. Ya ha cosechado 7 Globos de Oro 2016, incluido Mejor Comedia/Musical. Tras un brillante preludio llega una historia de amor bien contada, juguetona y cálida durante mucho tiempo, de un romanticismo creíble, nada empalagoso. Una deliciosa preciosidad que acaba de maquillarse con los Globos de Oro para empezar su carrera hacia los Oscar. Recomendada.


La tortuga roja. (Francia, 2016). Dir. Michael Dudok de Wit.
'La tortuga roja' es la primera coproducción internacional del reputado estudio de animación japonés, Studio Ghibli, junto con Wild Bunch y Arte France. Dirigida por el holandés Michael Dudok de Wit ('Padre e hija') y producida sin diálogos, gira en torno a la historia de un hombre que naufraga en una isla tropical y desierta. Alejado del mundo civilizado y confinado allí a su suerte, sobrevive en medio del mar como puede. Un día, navegando con su balsa, tiene un encuentro con una extraña tortuga roja, que resulta ser una bella dama con la que el protagonista terminará, por fin, de vivir en soledad. Una bella y lírica metáfora sobre las diferentes etapas que atraviesa la persona en la vida, retratada desde los sentimientos que provocan la suave y elegante animación junto con los sonidos del mar. 'La tortuga roja' se ha llevado el Premio Especial del Jurado en la sección "Una cierta mirada" del 69º Festival de Cannes y se ha proyectado en la sección "Perlas" del 64º Festival de San Sebastián. Esta película de animación cuenta, sin palabras y con una elección de encuadres que empequeñece al individuo frente a la imponencia del entorno, una historia mágica de amor, pero también funciona como serena alegoría del ciclo de la vida. Recomendada.


La autopsia de Jane Due. (Reino Unido, 2016). Dir. André Øvredal.
En 'La autopsia de Jane Doe' dos forenses, padre e hijo, Tony y Austin Tilden (interpretados por Brian Cox y Emile Hirsh) tienen que investigar el cuerpo de una misteriosa mujer. La policía encuentra su cadáver enterrado bajo una tumba muy notoria. Pero una vez que los dos proceden a su trabajo, se dan cuenta que no se trata de un cuerpo cualquiera. La causa de su muerte no queda muy clara, y según avanzan en la autopsia, descubren nuevas y extrañas pruebas sobre el caso, hasta llegar la conclusión de que se trata de algo sobrenatural. Esta película de terror y suspense está dirigida por André Øvredal con el guión de Ian B. Goldberg y Richard Naing. Protagonizada por Emile Hirsch, Brian Cox, Ophelia Lovibond, Michael McElhatton o Jane Petty, entre otros, recibió el premio especial del jurado en el Festival de Sitges. 'La autopsia de Jane Done' es un extraordinario relato de terror latente. Toda la primera mitad, la que parece un examen minucioso de un cadáver para averiguar la causa de su muerte como si estuviéramos en una clase de la facultad de medicina, es escalofriante. Y no es tanto porque sugiera más que muestre (una de los fundamentos del terror), porque aquí se ve todo. Es terriblemente intranquilizador porque nada cuadra con la ciencia forense. Durante el proceso de estudio de este extraño cuerpo sin vida, los libros de medicina no sirven de nada. Todas estas extrañísimas excepciones a la regla crean un clima tenso como la piel del tambor (el silencio riguroso de una sala de cine a menudo puede ser revelador; en este caso, la platea era una tumba) que produce más escalofríos por el desenlace que nos vamos imaginando que por el que luego finalmente será. La segunda mitad, aunque digna, ya es más convencional. Recomendada.


Le fils de Joseph. (Francia, 2016). Dir. Eugène Green.
Vicente es un adolescente que ha sido criado por su cariñosa madre María, que nunca le ha revelado la identidad de su padre. Un día, el protagonista descubre que su progenitor es Oscar Pormenor, un editor egoísta y cínico que vive en París. Vicente trama un plan para vengarse de su padre, pero al encontrarse con él descubre un gran secreto que cambia su vida y la de su madre. Este drama francés, dirigido por Eugène Green, ha sido presentado en varios festivales de cine, como el Festival Internacional de Berlín, el festival de Karlovy Bary y en el festival de Nueva York. El reparto está formado por Victor Ezenfis, Natacha Régnier, Fabrizio Rongione, Mathieu Amalric, Maria de Medeiros, Julia Gros de Gasquet y Jacques Bonnaffé. Logra ser a la vez una reflexión sobre asuntos místicos y religiosos y una deliciosa comedia. Pese a estar trufada de desesperación y oscuridad espiritual, derrocha alegría y la inspira.  Recomendada.


Proyecto Lázaro. (España, 2016). Dir. Mateo Gil.
Presentada en la sección oficial a concurso en el Festival de Sitges 2016, 'Proyecto Lázaro' se centra en Marc -interpretado por Tom Hughes- un joven rico y ambicioso a quien diagnostican cáncer terminal. Incapaz de aceptar que tan solo le quedan unos meses de vida, decide criogenizar su cuerpo con la esperanza de encontrar una cura para él en el futuro. 70 años después, se convierte en el primer ser humano que sobrevive a una criogenización. Sin embargo, se da cuenta que el mundo no es como él se esperaba, y que la gente que debió dejar atrás en el pasado, sigue ahí, especialmente el amor de su vida, Naomi (Oona Chaplin), quien lo ha estado acompañando todo el tiempo. Esta película de ciencia-ficción está dirigida por Mateo Gil, el guionista de otras galardonadas cintas españolas como 'Abre los ojos', 'Mar adentro' o 'Ágora'. La ciencia ficción especulativa acostumbra a ser fría y distante, pero 'Proyecto Lázaro' es también bastante retórico y exageradamente contenido para los vaivenes filosóficos que cuenta. No Recomendada.


¿Tenía que ser él? (USA, 2016). Dir. John Hamburg.
La nueva comedia del guionista detrás de la trilogía de 'Los padres de ella', 'Zoolander' y 'Te quiero, tío', reunirá a Bryan Cranston y a James Franco y les convertirá en rivales. Un padre (Cranston) viaja junto a su familia a visitar a su hija que se encuentra en la universidad. Allí se encontrarán con que su querida hija está saliendo con un joven multimillonario (Franco). Entonces comenzará una rivalidad entre el padre y el novio por ganarse el cariño de la chica, que verá cómo ambos se encuentran enfrentados. 'Why Him?' es una película cómica dirigida por John Hamburg que cuenta además con las interpretaciones de Zoey Deutch, Megan Mullally, Keegan-Michael Key, Andrew Rannells y Zack Pearlman. Una película de esas simpáticas, llenas de tacos, que no va a ningún lado. El argumento es banal, su desarrollo plano y sus salidas de tono continuas. Se deja ver, pero sin más. No Recomendada.


Underworld: Guerra de sangre. (USA, 2016). Dir. Anna Foerster.
Anna Foerster dirige 'Underworld: Blood Wars', un film de acción y terror que viene a continuar la saga protagonizada por Kate Beckinsale, la vampira Selene, que deberá defenderse en esta ocasión de ataques brutales de los dos clanes, el de los Lycans y el de los Vampiros que la traicionaron. Con sus únicos aliados, David (Theo James) y Thomas su padre (Charles Dance), ella debe detener la guerra eterna entre Vampiros y Lycans, aunque signifique tener que hacer un último sacrificio. Material de serie B devaluado a metralla con estética de videojuego, ejecutada de manera mecánica, sin atisbo de alegría ni impulso dionisíaco. No Recomendada.




Orm en el reino de las nieves. (Rusia, 2014). Dir. Aleksey Tsitsilin. 
Los trolls de 'Orm en el reino de las nieves' han abrazado su recién adquirida libertad con toda la pasión posible. Al haber sido una pieza clave de la derrota de la Reina de las Nieves, Orm se ha convertido en un héroe, pero parece que eso no es suficiente para él. El protagonista de la secuela de 'La Reina de las Nieves' decide empezar a desvirtuar la historia para hacerla más espectacular, diciendo que fue él quien acabó con la Reina, y por eso está destinado a casarse con la princesa y heredar una fortuna. Sin embargo, sus mentiras le llevarán a un viaje repleto de peligros en el que se dará cuenta de que la amistad, la felicidad o el amor son cosas que no pueden conseguirse a través de tretas o engaños. Película de animación de trazo rudimentario que explora valores morales y educativos como la sinceridad en el contexto de los cuentos de hadas. Con suficiente acción y desparpajo visual para entretener y encandilar a los más chicos, finalmente se reduce a una sencilla moraleja que no justifica tanta voltereta, y que lamentablemente tiene el impacto emocional de un cubo de hielo. No Recomendada.

miércoles, 11 de enero de 2017

En torno a Azcona.

Un artículo de José Melero Bellido. 




En este breve artículo se pretende subrayar algunas de las características que, a juicio de sus estudiosos, conforman lo más personal, original y valioso de la producción de Rafael Azcona.

A su juicio el realismo azconiano constituye una de las claves de sus novelas y guiones. Ahora bien, su realismo, el de un escéptico esencial, se sustenta únicamente en lo que percibe por sus sentidos, siempre muy atentos; se quiere significar así que el realismo de Azcona no parte de un fondo o un sistema conceptual de referencia sino, según él, de asociaciones.

Aunque siempre se habla de su individualismo, Azcona no es un ser aislado en lo absoluto, sino que su realismo entronca con una tradición cultural poderosa, la de un lector empedernido y autodidacta que ama la tradición de la picaresca y otras corrientes contrarias al discurso franquista, oficialista triunfante.

Su realismo no nace de una inquietud política sino vital, no se apoya como otros escritores de su generación en una conceptualización social donde habita un conjunto de gente humilde adornada con luces de bondad, de amor, de autenticidad. No, sus pobres no son referentes morales o éticos, pertenecen, como todos sus personajes, a ambientes concretos, sin artificio, pues Azcona jamás habla por referencias. La visión del mundo que tiene Azcona no es maniquea ni moralista. Nadie es mejor ni peor que nadie, todos somos egoístas por turnos.

Una última apostilla: el realismo, en la concepción de Rafael Azcona, se queda en nada sin una cierta exageración, cuestión esta que, como se verá, es clave en nuestro autor.

Si se ha hablado de la ausencia del sentido moral de los personajes, hay que añadir que tampoco están presentes en ellos los sentimientos, salvo para relativizarlos o desvalorizarlos. Y ello es así porque esos personajes son incapaces de experimentar pasiones, son pobres diablos atrapados por la vida, otra de las claves de su producción.

La ausencia de cualquier noción religiosa, incluso en la hora de la muerte, es algo notable en Azcona teniendo en cuenta el nacionalcatolicismo reinante. Para sus personajes, la muerte es, sin mayor trascendencia, el final; para ellos el verdadero problema es resolver el día a día y para lograrlo confían más en su astucia que en la providencia. Este rasgo de su obra se acentúa con su colaboración con directores agnósticos como Ferreri o Berlanga.

Una de las virtudes más acusada de Rafael Azcona es la capacidad para reflejar en sus ficciones el caos de la realidad, una visión coral y simultánea de la misma sin caer en la dispersión. Comparte esta característica con Berlanga, la clave está en los detalles y la habilidad que, a través de ellos, maneja para relativizar la acción supuestamente principal y mostrarnos la otra cara de la realidad. Ni que decir tiene que la traducción cinematográfica de este procedimiento es el famoso plano secuencia de Berlanga, que procede de los diálogos fabricados por Azcona.

Aunque luego se vuelva sobre el tema, adelantemos que los personajes de Azcona persiguen un objetivo concreto e inmediato que unas veces le definen y otras le obsesionan, como D. Anselmo Olmedillo que solo piensa en el cochecito para superar la soledad, o Plácido en pagar la letra del motocarro sin que nadie parezca escucharle.

Una de las mayores virtudes de Azcona es que, al igual que sus personajes, sus ficciones no pueden ser encajadas en compartimentos estancos, no son tragedias ni comedias. Su habilidad consiste en hacer trasparentes ambas de manera que a través de una se vea la otra: donde hay una comedia sucede siempre un drama y donde una tragedia puede explotar una comedia.

Quizá lo más peculiar de Azcona sea la manera en que va a utilizar el humor y las tradiciones literarias, mezclándolas en las dosis adecuadas, en la construcción de sus ficciones. Mediante el humor deforma la realidad, tanto los temas tratados como las situaciones y ambientes, por ejemplo todo lo relacionado con la muerte. Este humor y el costumbrismo al que recurre le permite salvar la censura, es decir, el sainete se convierte en el punto de partida desde el cual salta hacia lo grotesco y trágico a partir de El pisito. Recompone así la tragedia grotesca utilizando la otra gran tradición, el esperpento y manejando en consecuencia ambas tradiciones con gran maestría. En El pisito no hay espacio para el ternurismo ni redención de unos personajes cuya mentalidad les lleva a lo grotesco, lo patético y hasta lo esperpéntico. Plácido y El verdugo ahondan en el camino emprendido, sus personajes son todavía más negativos y mezquinos, por mucho que comprendamos sus motivaciones, lo esperpéntico está más presente que lo sainetesco picaresco.

Conviene precisar: Azcona no crea una galería de tarados o subnormales que alienten argumentos disparatados, sino que parte de lo más cotidiano para alcanzar las proximidades de lo absurdo desde la radicalización de unas necesidades u obsesiones. La cima del método puesto en pie por Azcona-Berlanga es El verdugo: el costumbrismo de los personajes y ambientes se conjunta sabiamente con la dimensión trágica del hombre normal atrapado por la tela de araña de las necesidades vitales que forzosamente restringe su libertad.

La caracterización de los personajes azconianos ha permitido a los más allegados de sus comentaristas, como Bernardo Sánchez Salas, abonar el término descojonación, toda una teoría sobre el sentido final de su obra.

Es el propio Rafael quien lo define con las siguientes palabras aproximadamente:


El estado ideal del hombre es estar sentado. En moviéndose comienzan los problemas. El problema de la humanidad es que vamos a los sitios, hacemos cosas y decimos lo primero que nos viene. Ahí comienza la descojonación, esa especie de conspiración orbital sobre el individuo. La descojonación es el fastidio y el caos tal como pregona por boca de un personaje de El anacoreta -Fernando Tobajas- cuyo programa vital se basa en la renuncia a la exterioridad (excepción de los desagües). ¿Por qué vamos a ningún lado, ni siquiera al cine? El cine es una cosa a prohibir en una sociedad bien organizada porque, aparte de que te deja idiota, te devuelve a la sociedad hecho una piltrafa. Se sale sólo para líos y desengaños, para ingresar en la descojonación. Haces el bachillerato, te casas y adiós. Sales y, como mucho, a trabajar, a luchar, a abrirse camino. Fuera te espera la familia y el Estado y tienes que decidir cosas a todas horas.


El mundo se divide en dos: quienes prefieren encerrarse en el retrete y  otros que prefieren ir por ahí con el retrete a cuesta (de El Anacoreta): una imagen explica la literalidad del concepto: en El cochecito una reata de individuos tocados con una taza de wáter y trozos de tubería a manera de lanza desfilan silbando la marcha del Puente sobre el rio Kwai. Alonso Quijano, llamado Quijote por lo ridículo, pertenece también al segundo grupo, al de los retretes.

El Quijote es la más sublime de las descojonaciones imaginadas, es la historia de una obsesión que, para Azcona, es lo único que nos salva. La obsesión es un método de resistencia y, en definitiva, de subversión. Frente al mundo, el héroe de Azcona no dispone más que un blindaje: una obsesión extravagante: el cochecito de paralítico para D. Anselmo, el límite inflando globos para el Mario de L'uomo del cinque palloni, una herencia quimérica para los frailes de Suspiros de España (y Portugal).

La ortopedia, la infancia y la muerte son tres instancias y estancias -la infancia es más “estancia” que las demás- liberadoras y subversivas para las criaturas de Rafael Azcona.

También la muerte, que es una forma suprema de estar quieto (por eso a los muertos no se han de tocar ¡nene!).  La autodestrucción, la muerte, es el acto supremo de subversión cultural  y de resistencia a la descojonación / civilización en algunas historias de Azcona.

Las historias que Azcona ha contribuido a contar están protagonizadas por resistentes a los que ni siquiera el amor puede sacar de sus casillas. El amor es un cómplice de la descojonación, un cebo que acaba institucionalizándose. Por eso Azcona se plantea por qué no conformarse con el sexo inocente, irresponsable, inconsecuente, sin efectos secundarios.

Los resistentes se refugian en zulos de naturaleza diferente: un retrete, un sótano, un comedor, una prima, una silla de ruedas o una guerra; y adoptan formas ortopédicas y de la infancia, alimentadas por una droga: la memoria.

Pongamos ejemplos. Entre los resistentes ortopédicos está Fernando Tobajas, resistente al cubo, o sea inscrito en la cubicación del cuarto de baño en El anacoreta, D. Anselmo que con su cochecito para ortopédicos se asegura poder huir,  D. Antonio Cano, amnésico en su silla de ruedas y custodiado mientras permanezca así porque sólo él atesora las claves de la caja fuerte y de la cuenta suiza (El jardín de la delicias), o el marqués de Leguineche al que no le queda más trono que su cochecito y su manta sobre las rodillas.


Y qué decir de los de la infancia, la estancia por excelencia, la “casona”: su imagen, sonidos objetos, los fantasmas asociados constituyen el espacio compartido por Azcona y Saura en títulos como La madriguera, El jardín de las delicias, Ana y los lobos o La prima Angélica. La infancia es el teatro que los personajes reconstruyen mediante la memoria en un escenario que es la casa donde sitúan su obsesión, huyendo de la descojonación que supone el tiempo presente. Lo característico de esta experiencia de los dos cineastas es la densidad inédita con que los personajes se adentran en ese teatro virtual, en ese bucear en la infancia que se convierte en un juego peligroso pues no se trata de verla sino interactuar con ella como actores.

Y finalmente está la resistencia organizada, las dos familias de okupas que se hacen fuertes. Los Leguineche que se atrincheran en el Palacio de Linares para hacerse un hueco en la descojonación nacional y la pandilla de sandungueros radicales, capitaneados por Antoñita Colomé que se apropian de una casa/museo para hacerse una revolución, en Pasodobles. O sea, aristócratas y villanos van a lo mismo: a por su palacio de invierno al margen de las fuerzas del orden, sean familiares o policiales.
 

Rafael Azcona ha sido fiel a su ideario como atestiguan sus amigos e invoca Fernando Fernán Gómez -“Rafael, Juan (Estelrich), que no salgáis, que no salgamos, nunca de nuestro retrete”- en el final del prólogo a la edición de El anacoreta. Rafael va a los sitios donde cree que debe ir, pero lo que no hace es comparecer, figurar, estar. Respecto al cine solo se moviliza los sábados por la tarde. No deja de trabajar que es una forma de espantar el tiempo y un requisito para comer. Y todo ello porque está convencido de que hay que salir lo menos posible y de no dejarse ver casi nunca. Porque no trae nada bueno, porque no trae nada.


Para terminar este acercamiento a nuestro autor, debemos hablar de su concepción de la mujer, y de la pareja como algo imposible.

La mujer no suele ser protagonista casi nunca en las obras de Azcona y su visión, en general, es negativa. Se ha subrayado su misoginia sobre todo en las colaboraciones con Berlanga y son pocas las veces en que la mujer se muestra como víctima de los hombres (Odette en Los ilusos o la mujer mono en La dama Scimmia).

La mayoría de las veces la mujer es un personaje dominador y falso que emplea todas sus artes en destruir los sueños del hombre. El caso de Petrita (El pisito) es ilustrativo aunque no sea totalmente negativo: Azcona nos muestra sus razones, por supuesto egoístas, pero completamente comprensibles: ya no es joven, la vida se le va escapando, se va haciendo tarde para casi todo y por eso lucha por el piso y por una relación que en el fondo sabe que ya no tiene sentido. Por eso no le importan las razones de su novio que es un hombre totalmente incapaz de hacer nada, de luchar como ella.

Castradoras son todas las mujeres que aparecen en las películas de Berlanga para las que realiza sus guiones Azcona a partir de la Carmen de El verdugo, un personaje redondo, frágil y al mismo tiempo autoritario: su arma es la dulzura, pero una dulzura calculada para atrapar a un hombre, chantajeándolo. Castradoras también las mujeres de filmes posteriores: crítica indudable a la mujer en ¡Vivan los novios! en que el hombre se nos muestra como un esclavo desde el principio hasta el fin, primero de su madre y, cuando muere, de su esposa. Guionista y director llegan al extremo: una mujer de plástico puede llegar a tener más poder sobre la voluntad del hombre que él mismo, aunque en este caso tal mujer representa algo más que la denuncia del personaje femenino (Tamaño natural).

El universo femenino es estudiado más a fondo a partir de Una storia moderna: L´ape Regina, una historia en que la mujer desea al hombre tan solo como medio para llegar a la maternidad, olvidándose totalmente de él una vez conseguida; reiteración de una idea recurrente: el hombre como instrumento en manos de mujeres mucho más fuertes que él. 

El triunfo definitivo de la mujer como símbolo de destrucción triunfa definitivamente en Il seme dell´uomo, una película casi de ciencia ficción en la que una pareja de supervivientes lucha: Cino para asegurar la descendencia teniendo un hijo y Dora para la aniquilación definitiva. El inesperado triunfo de esta se produce cuando Cino hace explotar involuntariamente una mina justo en el momento feliz de conocer el embarazo de Dora.

Fotograma de "El pisito"

viernes, 6 de enero de 2017

Los estrenos en Sevilla de 06-01-2017



Comenzamos el nuevo año con 8 películas que se estrenan el 6 de enero de 2017 en la cartelera cinematográfica de Sevilla, teniendo en cuenta que algunas de ellas adelantaron varios días su estreno debido a las festividades. Lamentamos que no haya tenido estreno en Sevilla la película mexicana “Desierto” (Jonás Cuarón, 2016), enviada como representante mexicana a los Oscar. Esperemos que pronto caiga su estreno por nuestra ciudad. Interesantes películas pueblan en estos momentos la cartelera, por lo que vamos a recomendar esta misma semana un total de cuatro producciones.      
Silencio. (USA, 2016). Dir. Martin Scorsese. 
Martin Scorsese dirige este drama histórico ambientado en la segunda mitad del siglo XVII y protagonizado por Liam Neeson, Andrew Garfield y Adam Driver. Una historia acerca de la misión inherente a la creencia de todo religioso y las dificultades que rodean a este deber que puede llegar a afectar a un hombre de Dios hasta el punto de renunciar por completo a su fe. El film narra las desventuras de un misionero que ha abandonado su creencia como consecuencia de la persecución y tortura sufrida en Japón, país al que se desplazan dos jóvenes jesuitas con la intención de encontrar al tercero en desgracia. Esos hombres de fe vivirán entonces en sus propias carnes la violencia con la que los japoneses reciben a los cristianos en su país. La película se basa en el un libro de Shusaku Endo llamado Silencio. Scorsese ofrece una elegante, profunda y dolorosa 'confesión' religiosa entre la razón y la fe. Una de las más elegantes e intensas películas hasta la fecha del director. Recomendada.


Sólo el fin del mundo. (Canadá, 2016). Dir. Xavier Dolan.
Gran Premio del Jurado en Cannes 2016. El aclamado y famoso director Xavier Dolan, una de las promesas del cine canadiense, vuelve con 'Sólo el fin del mundo'. Dolan ha dirigido películas de gran valor cinematográfico como 'Yo maté a mi madre', 'Laurence Anyways' o 'Mommy'. Tras doce años de ausencia, un joven escritor regresa a su pueblo natal para anunciar a su familia que pronto morirá. Vive entonces un reencuentro con su entorno familiar, una reunión en la que las muestras de cariño son sempiternas discusiones, y la manifestación de rencores que no queremos dejar salir, aunque delaten nuestros temores y nuestra soledad. Adaptación de una obra de teatro de Jean-Luc Lagarce. La película está protagonizada por Léa Seydoux, Nathalie Baye, Gaspard Ulliel, Vincent Cassel, Marion Cotillard, Antoine Desrochers y Sasha Samar. Es el ejemplo de cómo el cineasta madura con un relato de fatalidades sin abandonar su peculiar exhibicionismo y contundencia narrativa. Dolan se reafirma con una adaptación de Jean-Luc Lagarce y lo hace como lo que es: un provocador único. La crítica mayoritariamente la ha machacado, pero seguimos apostando por el talento de este joven director. Recomendada.


Train to Busan. (Corea del Sur, 2016). Dir. Yeon Sang-ho.
Presentada en la sección oficial (fuera de concurso) del Festival de Cannes 2016. Obtuvo el premio a mejor director y mejores efectos especiales en el Festival de Sitges 2016. El ocupado y divorciado ejecutivo Sok-woo (Yoo Gong) y su hija Soo-ahn van a tomar un tren de alta velocidad que debe llevarles desde Seúl a la ciudad de Busan, en el extremo sur del país. Sin embargo cuando se hallan en plena estación se desata una invasión de zombies que siembran el caos y abordan el tren. Confundidos, asustados y sin conductor los pasajeros del tren, ya en marcha, tendrán que hacer frente a la amenaza que asola el país. La película está escrita y dirigida por Yeon Sang-ho, conocido por otros títulos como 'Seoul Station' o 'The Fake'. Tiene entre su reparto a Gong Yoo, Ma Dong-seok, Ahn So-hee, Kim Soo-an, Jung Yu-mi, Kim Eui-sung, Choi Woo-sik, Jung Kyung-mi, Shim Eun-kyung y Choi Gwi-hwa. Desde la extraordinaria 'La noche de los muertos vivientes' (1968), ninguna película de zombies (y, dicho sea de paso, tampoco ninguna serie televisiva) había alcanzado las cotas de excelencia de esta producción surcoreana. La película es capaz de ir poniendo a prueba su impecable punto de partida en set-pieces de imbatible brillantez. Recomendada.


Mimosas. (España, 2016). Dir. Oliver Laxe.
Premio de la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes 2016. Premio Especial del Jurado en el Festival de Sevilla. La película se desarrolla en el Tánger actual. La "Asociación de Guías de Tánger", un grupo constituido mayoritariamente por falsos lazarillos, es acogida por el café Las Mimosas. Shakib, uno de ellos, debe guiar a Nabil, un caravanero, quien debe atravesar las montañas del Alto Atlas junto a una pareja de maestros sufís, un anciano, Sheikh Salahudin, y su esposa, Noor. La última voluntad del anciano Sheikh es ser enterrado junto a sus seres queridos en Sijilmasa. Sin embargo, el anciano muere mientras cruza junto a una caravana las cumbres del Atlas marroquí. Cuando el resto de viajeros se niega a seguir transportando el cadáver de Sheikh, Ahmed y Said, quienes afirman conocer el camino hasta Sijilmansa, se ofrecen a llevar el cuerpo del anciano hasta allí. Simultáneamente, Shakib tendrá que hacer de ángel de la guarda e ir a las montañas con la misión de ayudar a los viajeros a llegar a su destino en un mundo paralelo. Un relato en tres tiempos y desarrollado en dos universos comunicantes que habla, en clave acusadamente personal, del poder transformador de la fe. Un mensaje cifrado en una poética de alcance universal. En palabras de su director durante su estancia en el Festival de Sevilla: “no queráis entender la película, dejaros llevar por sus imágenes”. Recomendada.


Contratiempo. (España, 2016). Dir. Oriol Paulo.
Nominada a Mejor Montaje en los Premios Gaudí 2016. Después de su ópera prima para el cine “El cuerpo”, Oriol Paulo nos ofrece este nuevo thriller. Adrian Doria, un joven empresario, despierta un día en la habitación de un hotel junto al cadáver de su amante. Acusado de asesinato, decide contratar los servicios de Virginia Goodman, la mejor preparadora de testigos del país. En el transcurso de una noche, asesora y cliente trabajarán para encontrar una duda razonable que le libre de la cárcel. Protagonizada por Mario Casas, Bárbara Lennie, José Coronado, Ana Wagener, Francesc Orella y Paco Tous. Muchas críticas negativas, una película de misterio eficaz y llena de capas yuxtapuestas, pero también de incongruencias y giros de guión imposibles. Resulta demasiado confusa. No Recomendada.


Frágil equilibrio. (España, 2016). Dir. Guillermo García López.
Dos nominaciones a los Goya 2016, incluyendo Mejor Documental. En este documental se entrelazan tres historias de tres continentes distintos. Una de ellas, muestra a dos ejecutivos japoneses de Tokyo cuya vida se encuentra encerrada en el trabajo, una comunidad subsahariana que sueña con pasar la valla de Melilla para llegar al Primer Mundo, y varias familias españolas cuyo proyecto de vida se ha venido abajo por la crisis, la especulación bancaria y los desahucios en viviendas. Esta historia, además, será narrada por el ex presidente uruguayo José Mujica. Rodada en Uruguay, Japón, España, Marruecos, México, Hong Kong, Estados Unidos, Qatar, Reino Unido y Chile, este documental trata de grandes temas del mundo actual: crisis, neoliberalismo, globalización, consumismo, supervivencia, alienación, libertad, amor, muerte. Una historia del presente que mira hacia el futuro. Casi compone una película de ficción por lo increíble de su ámbito y la destreza al mostrárnoslo. Nos reservamos para recomendarla. No Recomendada.


De-Mentes criminales. (USA, 2016). Dir. Jared Hess.
Un conductor de un vehículo blindado trabaja transportando millones de dólares para otras personas. Su monótona vida sólo tiene un atisbo de emoción: trabajar con su coqueta compañera Kelly Campbell (Kristen Wiig), quien pronto trastocará todos sus planes. Junto a un grupo de delincuentes de medio pelo liderados por Steve Chambers, planean el robo de 17 millones de dólares. Con un equipo de inexpertos, los rastros que irán dejando serán más que evidentes, por lo que sólo habrá una cosa más difícil que organizar el robo: escapar con el botín. De forma cómica, hace llegar a la gran pantalla un acontecimiento real que tuvo lugar en 1997, convirtiéndose en uno de los robos más grandes y disparatados de la historia de Estados Unidos. Interpretada por Zach Galifianakis, Owen Wilson, Kristen Wiig y Jason Sudeikis. Trece años después de 'Napoleon Dynamite', Jared Hess privilegia el 'slapstick' facilón y los chistes de retrete en su nueva película. Que falta de respeto al espectador de comedia.  No Recomendada.


Monster Trucks. (USA, 2017). Dir. Chris Wedge.
Dirigida por Chris Wedge (saga 'Ice Age'), 'Monster Trucks' junta a un reparto encabezado por Lucas Till, Jane Levy, Barry Pepper, Amy Ryan, Rob Lowe, Danny Glover, Thomas Lennon y Holt McCallany en una aventura que mezcla acción con fantasía. Lucas Till es Tripp, un joven que se enfrenta a su último año de instituto en un pueblo pequeño, del que está deseando largarse. Para matar el tiempo, decide empezar a construir un Monster Truck, pero le falta lo más importante: un motor que esté a la altura. Su suerte cambiará cuando aparezca por el pueblo un monstruo, surgido de un yacimiento de petróleo cercano. Lejos de ser peligroso, el monstruo se convierte en un inesperado amigo para Tripp, y más sorprendentemente, en el motor perfecto para su coche, dotando al vehículo de capacidades increíbles. Pero, evidentemente, habrá quienes mostrarán mucho interés por el monstruito de Tripp. Por suerte el monstruo le tiene a él y a sus amigos para plantarles cara en esta especie de 'E.T.' motorizado. 'Monster Trucks' está distribuido por Paramount Pictures. No estamos ante un film aburrido, pero sí falto de carburante y carburación: las persecuciones son poco emocionantes, las criaturas carecen de gracia y no resultan simpáticas y hasta los villanos son un cero absoluto. Una monótona mezcla de acción en imagen real y animación digital que nunca encaja su engranaje de forma atractiva. No Recomendada.