Holy Spider (Araña sagrada) (Ali Abbasi, 2022)

 

Título original: Holy Spider. Dirección: Ali Abbasi. País: Dinamarca. Año: 2022. Duración: 117 min. Género: Thriller, Drama.

Guión: Ali Abbasi, Afshin Kamran Bahrami (basado en una historia de Jonas Wagner). Música: Martin Dirkov. Fotografía: Nadim Carlsen. Producción: Profile Pictures, ONE TWO Films, Nordisk Film Production, Wild Bunch, Why Not Productions, arte France Cinéma.

Mejor Actriz (Zar Amir-Ebrahimi) en el Festival de Cine de Cannes 2022. Mejor Actriz (Zar Amir-Ebrahimi) en el Festival de Cine Europeo de Sevilla (SEFF 2022). Nominada a Mejor Película en los Premios del Cine Europeo 2022.

Fecha del estreno: 13 Enero 2023 (España).

 

Reparto: Zar Amir-Ebrahimi, Mehdi Bajestani, Arash Ashtiani, Forouzan Jamshidnejad, Mesbah Taleb, Alice Rahimi, Sara Fazilat, Sina Parvaneh, Nima Akbarpour, Firouz Agheli.

 

Sinopsis:

Irán, 2001. Una periodista de Teherán se sumerge en los barrios con peor reputación de la ciudad santa de Mashhad para investigar una serie de feminicidios. Pronto se dará cuenta de que las autoridades locales no tienen ninguna prisa por resolver el asunto. Los crímenes son obra de un solo hombre, que asegura purificar la ciudad de sus pecados y que ataca a prostitutas por la noche.

 

Comentarios:

Esta película la dirige un señor iraní llamado Ali Abbasi. Vive en Dinamarca. La producción también es de allí. Se ha rodado en Jordania. Sería una utopía que los ayatolás le hubieran permitido rodarla en Irán. Tampoco se pueden encontrar referencias poéticas, costumbristas y sociales que caracterizan al cine que se realiza en este país. Tiene vocación de thriller. Europeo o estadounidense. Su estilo narrativo entretiene y lo que cuenta es tremebundo. Sobre todo, porque no es una ficción. Lo que cuenta ocurrió realmente. En 2001 y en la ciudad santa de Mashhdad, símbolo de la religiosidad suprema. En ella, un tipo que se desplazaba en moto se cargó a 16 mujeres, estrangulándolas con los pañuelos que llevaban estas, sin que hubiera violación ni rituales especialmente macabros. Las mataba por ser putas y drogotas, muy tiradas todas ellas, buscándose la supervivencia en los rincones más oscuros y sórdidos de la ciudad. Este asesino contumaz y selectivo no tenía sentido de culpa. Se consideraba un justiciero, un exterminador del mal, representado por las fornicadoras impías. Asesinaba en nombre de la moral, de la religión, con la intención de acabar con el pecado. Qué miedo las religiones.

A diferencia de tantas películas memorables, incluidas Seven y Zodiac, dos obras maestras firmadas por David Fincher, aquí nos muestran el rostro del matarife desde el principio, no se demora el misterio de su identidad. El pavo no tiene nada de fascinante. Es un marido y padre modélico, salvo algún pequeño arrebato que demuestra que algo funciona muy mal en su perturbada cabeza. Lo más terrible es que la opinión popular justifica o exalta sus crímenes, el Jack el destripador persa es entronizado en las calles como el necesario y anhelado redentor social. Y el gobierno, la policía y la justicia hechos un lío sobre cómo actuar con él. Será una periodista muy incómoda, que pide respeto para su oficio y su peligrosa condición de mujer, la que se empeñe en cazar a ese popular sicópata que asesina pensando en el Altísimo.

Holy Spider ofrece imágenes inéditas en los argumentos del cine que habla de la vida en Irán. Cosas tan naturales como que la gente se viste y se desnuda, algunas mujeres maquillan sus ojos y sus labios. Incluso aparece una pareja follando. Tengo claro que esta película no podrá ser exhibida allí. La visión que ofrece de ese país es consecuentemente sombría. Y los que se opongan al fanatismo lo tienen muy crudo. Con peligro no ya de que les enchironen, sino que les pueden condenar a muerte por razones espúreas. Y las mujeres lo tienen muy chungo. Ellas encabezan protestas en las que se juegan la existencia. A una dama la mataron en una comisaría. Su delito terrorista, y de ahí el fulminante castigo, consistía en que llevaba mal puesto el hiyab. Es alucinante que pueda ocurrir semejante barbarie. Y hay que tener mucho valor para seguir reclamando derechos cuando la factura por ello es tan salvaje. (Carlos Boyero)

Recomendada.

La vida de los demás (Mohammad Rasoulof, 2020)

 

Título original: Sheytan vojud nadarad. Dirección: Mohammad Rasoulof. País: Irán. Año: 2020. Duración: 150 min. Género: Drama.  

Guión: Mohammad Rasoulof. Fotografía: Ashkan Ashkani. Música: Amir Molookpour. Producción: Cosmopol-Film, Europe Media Nest, Filminiran.

Oso de Oro a la Mejor Película en el Festival de Berlín 2020. Mención Especial del Jurado de la Seminci de Valladolid 2020.

Fecha del estreno: 24 Junio 2021 (España)

 

Reparto: Ehsan Mirhosseini, Shaghayegh Shoorian, Kaveh Ahangar, Alireza Zareparast, Salar Khamseh, Darya Moghbeli, Mahtab Servati, Mohammad Valizadegan, Mohammad Seddighimehr, Jila Shahi, Baran Rasoulof, Zhila Shahi.

 

Sinopsis:

Cuatro historias sobre la fortaleza moral y la pena de muerte que cuestionan hasta qué punto la libertad individual puede expresarse en un régimen despótico.

 

Comentarios:

Hacer cine en Irán es una profesión de riesgo, como andar por el alambre o limpiar fachadas colgado de un arnés, y el director Mohammad Rasoulof, como tantos otros, hace allí sus películas entre sobresaltos, condenas, prisión y libertades condicionales. Su última película, ‘La vida de los demás’, ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín y es un frontal desafío a uno de los aspectos más despreciables del régimen despótico de Irán, la facilidad con la aplican la pena de muerte y la obligatoriedad con la que convierten en verdugos ocasionales a sus ciudadanos en prestación de militares de reemplazo.

Rasoulof organiza su mensaje crítico y moral en cuatro historias independientes, aunque con un hilo interno que las ata, el de cuatro personas que han de gestionar o ya han gestionado su ineludible compromiso de ‘darle la patada’ a la banqueta que soporta al reo con la soga al cuello.

Son relatos complejos, donde se observan más dilemas que los de la aceptación o la disidencia o las consecuencias que traen una u otra. Como buen cineasta iraní, Rasoulof, su cámara, le dedica más tiempo y ojo a que se cuele en su narración lo ordinario y rutinario que a la intriga, y cada una de sus historias tiene un resorte moral, un dispositivo sorpresa, pero para llegar a él apura la paciencia de acciones -conducir, comerse una pizza, limpiar la casa, conversar en una habitación o mirar por una ventana- que la narrativa más convencional resuelve en un pispás… Es una película ardua, escarpada, larguísima, pero también profunda, reveladora y meritoria. (Oti Rodríguez Marchante)

Recomendada.

Nader y Simín, una separación (Asghar Farhadi, 2011)

Título original: Jodaeiye Nader az Simin. Dirección: Asghar Farhadi. País: Irán. Año: 2011. Duración: 123 min. Género: Drama.  

Guión: Dana Idisis. Fotografía: Mahmuoud Kalari. Música: Sattar Oraki. Montaje: Hayedeh Safiyari. Diseño de producción: Keyvan Moghaddam. Producción: Asghar Farhadi.

Oscar 2011 a la Mejor Película de habla no inglesa. Globo de Oro 2011 a la Mejor Película de habla no inglesa, Oso de Oro a la Mejor Película en el Festival de Cine de Berlín 2011. Mejor Película Extranjera en los Premios César 2011.

Fecha del estreno: 7 Octubre 2011 (España)

 

Reparto: Peyman Moaadi (Nader), Leila Hatami (Simin), Sareh Bayat (Razieh), Shahab Hosseini (Hodjat), Sarina Farhadi (Termeh)..

 

Sinopsis:

Nader  y Simin son un matrimonio iraní con una hija. Simin quiere abandonar Irán en busca de una vida mejor, pero Nader desea quedarse para cuidar a su padre, que tiene Alzheimer. Ella le pide el divorcio y se muda a vivir con sus padres. Nader no tiene más remedio que contratar a una mujer que cuide a su padre. Una negligencia de la asistenta provoca un conflicto de grandes dimensiones..

 

Comentarios: 

Asghar Farhadi hace cine puro, del bueno; ese tipo de cine que te permite disfrutar de una experiencia única porque te sientes capaz de colocarte dentro del mundo de ficción que te ofrecen durante unos minutos. Nader y Simin, una separación es el ejemplo claro.

Aunque a algunos les parezca imposible, el cine iraní es extraordinario y, afortunadamente, se ha convertido en una herramienta con la que nos podemos acercar a una cultura, a un tipo de vida, que creemos muy lejana cuando, en realidad, es muy parecida a la nuestra. Farhadi es uno de los mejores realizadores iraníes y el que muestra su país con mayor naturalidad y detalle.

Nader y Simin, una separación (Jodaeiye Nader az Simin (A separation), 2011) es una película que habla sobre lo cotidiano, sobre cómo la vida puede cambiar con un gesto o una palabra, sobre los prejuicios, los estereotipos y la falta de comunicación en las sociedades actuales de todo el mundo. Porque, lo cierto es que puede cambiar el continente y quedar intacto el contenido. Y, por ello, una sociedad retratada sin dejar de trazar los contornos de los miedos, los lastres, las frustraciones o los complejos, retrata a las demás. Aquí encontramos una de las grandezas del cine de Asghar Farhadi: es universal. Ya lo dejó claro con A propósito de Elly y repitió con esta película.

Nader y Simin, una separación nos cuenta como es Teherán; una ciudad normal y corriente en la que suceden cosas normales y corrientes. Y utiliza un vehículo narrativo muy original que es el proceso de separación de los protagonistas dando forma de juicio a ese camino tan enrevesado y, de paso, a la película en su totalidad. El padre de él sufre alzheimer. Ella quiere salir de Irán en busca de una nueva vida. Él no quiere abandonar al anciano. Y ella deja la casa para regresar a la de sus padres buscando la reacción de su marido. Él contrata a una mujer ultrarreligiosa para cuidar del anciano y, así, poder seguir trabajando a diario. Y ocurre algo que cambia a todos de forma radical.

Todo ello se narra con una economía de medios absoluta. Tanto económicos como técnicos. Una economía que abarca, por supuesto, los materiales narrativos. La cámara parece no existir, la naturalidad con que ocurren las cosas es inmensa, los encuadres precisos, los diálogos van de lo inquietante a lo sorprendente, la tensión narrativa es la misma de principio a fin y muy alta. Las interpretaciones de Peyman Moaadi (Nader) y Leila Hatami (Simin) son maravillosas. Sareh Bayat (Razieh) lo mismo.

Y, mientras, la cinta avanza sin obligarnos a juzgar (porque la cámara tampoco lo busca), descubrimos que en el universo de Nader y Simin se elige entre el padre y la madre, entre el corazón y la razón (el corazón de él y la razón de ella); descubrimos una clase social acomodada y flexible con los aspectos religiosos y otra pobre atenazada por las cosas de Dios. Nos colocan delante de una disyuntiva: Irán sí o Irán no. El punto de vista cambia con rapidez y las elipsis se ordenan con maestría ayudando a entender a un espectador que no juzga lo que ve sino que lo comprende. En realidad, nos cuentan desde el proceso de separación lo que representa la separación en el seno de las sociedades.

La fotografía es espléndida y la firma Madmoud Kalari. Busca en todo momento la naturalidad, la luz neutra y el retrato de unos personajes de los que llegamos a conocer hasta el más mínimo detalle. Nader y Simin, una separación es una magnífica película, una ventana desde la que se puede ver la naturalidad de otra cultura, un enorme juicio en el que se mantiene una distancia adecuada, en él se puede observar (a través de una gigantesca lupa) la tradición y la modernidad. Por tanto, es una película más que necesaria. (Gabriel Ramírez)

Recomendada.

Nahid (Ida Panahandeh, 2015)

 

Título original: Nahid. Dirección: Ida Panahandeh. País: Irán. Año: 2015. Duración: 126 min. Género: Drama.

Guión: Ida Panahandeh, Arsalan Amiri. Música: Majid Pousti. Fotografía: Morteza Gheidi. Producción: Documentary & Experimental Film Center.

Sección “Una cierta mirada” del Festival de Cine de Cannes 2015. Sección Oficial del Festival de Cine de Valladolid (SEMINCI 2015).

Fecha del estreno: 16 Mayo 2015 (España).

 

Reparto: Sareh Bayat, Pejman Bazeghi, Navid Mohammad.

 

Sinopsis:

Nahid es una joven divorciada que vive sola con su hijo de diez años en una ciudad del norte de Irán junto al Mar Caspio. Conforme a las normas que rigen la sociedad iraní, la custodia de un hijo le corresponde al padre, aunque en este caso su exmarido se la ha cedido a condición de que no se vuelva a casar. La relación entre Nahid y otro hombre que la ama apasionadamente y desea casarse con ella complicará su situación como mujer y como madre.

 

Comentarios: 

Bajo unos cielos encapotados que podría haber invocado Nuri Bilge Ceylan, Nahid, una madre iraní recién divorciada de su esposo toxicómano y que libra una incesante batalla por la supervivencia y por la custodia de su hijo, encuentra a orillas de una playa, videovigilada y desapacible, el frágil territorio para construir una nueva relación. Nada será fácil: las presiones sociales, familiares y económicas, las derivas de un hijo en quien quizá anide la potencialidad de los pecados del padre, y las diferencias de clase con su nuevo amante sumarán obstáculos en este relato que, sin estridencias, desvela, a través de un viacrucis cotidiano y concreto, la claustrofobia existencial de ser mujer bajo el régimen iraní y su herencia cultural sustentada sobre el poder del patriarcado.

La claridad, la contundencia y la eficacia narrativa de la propuesta de la debutante Ida Panahandeh remiten a otro reciente logro del cine iraní que, a través de un asunto particular, lograba ofrecer un ambicioso corte en sección de la sociedad del país: Nader y Simin, una separación, de Asghar Farhadi, en cuyo reparto también participó la espléndida Sareh Bayat, que aquí ocupa el centro del discurso, encarnando a una figura que no busca suscitar la compasión del espectador y que incurre, a menudo, en decisiones controvertidas por puro imperativo superviviente. Una sociedad opaca no parece el mejor territorio para la transparencia individual. Nahid también mantiene cierta cercanía con la española Techo y comida, pero sus maneras son bastante más sofisticadas y suponen una imaginativa apropiación de esa tendencia reflexiva del neorrealismo iraní de última generación que parece pensar a fondo cada uno de sus encuadres, considerar qué es lo que se deja fuera de cuadro. Fuera del relato, incluso.

En Nahid hay un radical manejo de las elipsis que la cineasta maneja con precisión y, también, una encomiable capacidad para representar escenas lacerantes sin caer en ninguna tentación melodramática: la secuencia de la agresión al padre en los lavabos de un campo de futbol, como represalia por una deuda de juego, resulta modélica en cuestiones de ética de la representación. Que la cineasta sepa, más tarde, reformularla como premonición de una situación pareja vivida por el hijo, revela su buen sentido de la construcción narrativa en esta ópera prima sin pasos en falso. (Jordi Costa)

Recomendada.

Los archivos del Pentágono (Steven Spielberg, 2017)

 

Título original: The Post. Dirección: Steven Spielberg. País: USA. Año: 2017. Duración: 116 min. Género: Drama.

Guión: Liz Hannah, Josh Singer. Música: John Williams. Fotografía: Janusz Kaminski. Montaje: Michael Kahn, Sarah Broshar. Vestuario: Ann Roth. Producción: Steven Spielberg, Kristie Macosko Krieger, Amy Pascal.

Nominada al Oscar 2017 a Mejor Película y Mejor Actriz Protagonista (Meryl Streep). Nominada a 6 Globos de Oro 2017 incluidas Mejor Película y Mejor Director.

Fecha del estreno: 19 Enero 2018 (España).

 

Reparto: Tom Hanks (Ben Bradlee), Meryl Streep (Kay Graham), Michael Stuhlbarg (Abe Rosenthal), Alison Brie (Lally Graham), Bruce Greenwood (Robert McNamara), Carrie Coon (Meg Greenfield), Bradley Whitford (Arthur Parsons), Jesse Plemons (Roger Clark), Bob Odenkirk (Ben Bagdikian), Sarah Paulson (Tony Bradlee), David Cross (Howard Simons), Matthew Rhys (Daniel Ellsberg), Zach Woods (Anthony Essaye), Tracy Letts (Fritz Beebe), Pat Healy (Phil Geyelin), John Rue (Gene Patterson), Rick Holmes (Murray Marder), Philip Casnoff (Chalmers Roberts).

 

Sinopsis:

En junio de 1971 The New York Times y The Washington Post tomaron una valiente posición en favor de la libertad de expresión, informando sobre los documentos del Pentágono y el encubrimiento masivo de secretos por parte del gobierno, que había durado cuatro décadas y cuatro presidencias estadounidenses. En ese momento, Katherine Graham, primera mujer editora del Post, y el director Ben Bradlee intentaban relanzar un periódico local en decadencia. Juntos decidieron tomar la audaz decisión de apoyar al The New York Times y luchar contra el intento de la Administración Nixon de restringir la primera enmienda... Historia basada en los documentos del Post que recogían información clasificada sobre la Guerra de Vietnam.

 

Comentarios:

Denominaban al periodismo el cuarto poder y la historia demuestra que el fango, la corrupción, la mentira y el abuso son ancestrales y fraternales acompañantes del poder. La lógica induce a sospechar que el periodismo también debe de compartir a veces esas lacras, aunque proclame continuamente y sin sonrojo que su esencia y su meta son la investigación de la verdad, la independencia, la libertad de expresión, la objetividad, la denuncia de la injusticia, en fin... esas cosas tan edificantes, solemnes y bonitas. Cuando el cine se ha ocupado de él, algunos descreídos geniales como el escritor y antiguo periodista Ben Hecht, y los directores Howard Hawks y Billy Wilder, se empeñaron con las divertidas y memorables Luna nueva y Primera plana en mostrar el reverso canalla del periodismo, la manipulación como norma, la mezquindad, el todo vale con tal de vender el producto, sus alianzas con la conveniencia. Y, cómo no, el impresionante Welles de Ciudadano Kane, inspirándose en el personaje del magnate de la prensa William Randolph Hearst, hizo un retrato complejo y terrorífico de alguien que encarnó poder absoluto, capaz de propiciar una guerra o destrozar la reputación y la existencia de cualquiera, inocente o culpable, que no aceptara sus órdenes.

Y, por supuesto, existen notables películas, que exaltan las hazañas de un oficio que puede ser tan necesario como peligroso. Algunas basadas en hechos reales, sin necesidad de recurrir a las libertades que ofrece la ficción. Una de ellas es Todos los hombres del presidente, en la que Pakula narraba con rigor y suspense la histórica investigación que hizo con enorme riesgo y mérito The Washington Post para sacar a la luz el sórdido caso del Watergate, el acoso y derrumbe de su urdidor, ese político marrullero y siniestro llamado Richard Nixon, alias “Dick el Tramposo”.

Steven Spielberg, ese lujo del cine, alguien que se mueve con legendario talento en todo tipo de géneros, no había abordado nunca el periodismo. Lo hace con deslumbrante solvencia en Los archivos del Pentágono, la investigación que inició The New York Times y posteriormente The Washington Post sobre otro capítulo en la historia universal de la infamia. Fue la filtración de unos continuos informes internos del Pentágono que revelaban el conocimiento absoluto y cínico de varios presidentes de Estados Unidos (si, incluido el enaltecido y santificado John Kennedy) de que desde sus comienzos la guerra de Vietnam estaba definitivamente perdida, lo cual no impidió en nombre del estratégico enfrentamiento a un nuevo foco del comunismo, que sacrificaran la vida de cincuenta y ocho mil soldados estadounidenses y millón y medio de vietnamitas, incluida ingente población civil.

Son admirables la precisión, el dinamismo, la claridad y el tono que utiliza Spielberg para narrar esta complicada historia, su tenso y brillante homenaje no solo a los profesionales que alguna vez otorgaron sentido y razón al periodismo más irremplazable, el que hurga en los engaños del poder político, sino también a la aparentemente grisácea dama que jugándose todo lo que poseía consiguió que la gente fuera consciente de esa mentira tan trascendente y celosamente guardada. Esa señora es la dueña del periódico. Y a diferencia del mítico, audaz y posibilista editor Ben Bradlee, ella parece débil, heredó el cargo de su padre y de su suicida marido, tiene mucho miedo y no parecen sobrarle el coraje y la determinación, abogados y consejeros (el Post acaba de salir a Bolsa) intentan persuadirla de que frene la publicación de la noticia, tiene todo en contra, desde el Estado a los jueces, su ruina será total si fracasa. Spielberg hace emotivo y apasionante con su arte el insólito triunfo de los buenos, de los que defendieron cuestiones tan importantes como inaplazables. Todo resulta creíble en esta película excelente. Y Meryl Streep está más allá del elogio. Esta actriz inyecta veracidad a cualquier personaje que interprete. Y sus registros son inacabables. Puede ser (no parecer) lo que dé la gana. (Carlos Boyero)

Recomendada.

AzulOscuroCasiNegro (Daniel Sánchez Arévalo, 2006)

 

Título original: AzulOscuroCasiNegro. Dirección: Daniel Sánchez Arévalo. País: España. Año: 2006. Duración: 105 min. Género: Drama.

Guión: Daniel Sánchez Arévalo. Música: Pascal Gaigne. Fotografía: Juan Carlos Gómez. Producción: Tesela P.C.

3 Premios Goya 2006 (Mejor Dirección Novel, Mejor Actor Secundario y Mejor Actor Revelación). Premio Especial del Jurado del Festival de Cine de Málaga 2006.

Fecha del estreno: 31 Marzo 2006 (España).

 

Reparto: Quim Gutiérrez (Jorge Mateo), Marta Etura (Paula), Daniel Muriel (Gonzalo), Antonio de la Torre (Antonio Mateo), Raúl Arévalo (Israel), Héctor Colomé (Andrés), Ana Wagener (Ana), Eva Pallarés (Natalia).

 

Sinopsis:

AzulOscuroCasiNegro es un estado de ánimo, un futuro incierto, un color que, según el prisma con que se mire, cambia. Jorge ha heredado el trabajo de su padre después de que éste sufriera un infarto cerebral. Sin embargo, lucha contra un destino que parece inevitable. En los últimos años se ha esforzado por hacer su trabajo, cuidar de su padre y estudiar una carrera. Ahora su empeño es encontrar otro trabajo. A través de su hermano Antonio, conoce a Paula, con quien entablará una extraña relación que impulsará a Jorge a dejar de sentirse responsable de todo y a tener en cuenta sus propios deseos, obviando lo que los demás esperan de él. Entonces todo podría ser diferente… o no.

 

Comentarios:

El cortometraje de Daniel Sánchez Arévalo “Física II” cuenta el penoso enfrentamiento entre un joven, Jorge, que pretende estudiar y abrirse paso en la vida y su más bien acobardado padre, cuya mentalidad no le da más que para desear que su hijo herede la portería que él regenta. El arranque preciso de esta AzulOscuroCasiNegro, su debut en el largometraje, es exactamente ese enfrentamiento final de padre e hijo, y el desarrollo posterior da cuenta, con todo detalle, del infierno que se desencadena entre ambos. Sánchez Arévalo mostrará el día a día de esa relación, la forma siniestra que la vida asumirá para ambos. Y todas las postergaciones que el joven (que sigue siendo, como en el corto, el eficaz Quim Gutiérrez) sufrirá.

No es usual que un debutante apueste con tanta fuerza por una misma trama. Tal vez peripecia biográfica, tal vez personal obsesión, el filme respira autenticidad tanto en la descripción de la relación padre-hijo como en la posterior, y un poco más alambicada, entre el muchacho y un hermano recluso, novia incluida. Y como el filme es, a fin de cuentas, un discurso sobre el peso castrante de la autoridad paterna, Sánchez Arévalo trufa toda la vivencia con un relato paralelo, el del amigo del protagonista, Israel (Raúl Arévalo), y sus también muy peculiares relaciones con su progenitor.

No parece que la elección de esta segunda trama aporte demasiado al filme, pero siempre se agradece la generosidad de la inspiración, aunque llegue un poco torcida. Porque Sánchez Arévalo hace algo que debería hacer siempre cualquier debutante: se arriesga por su historia, se la juega junto con sus personajes, no teme ponerlos en las situaciones más tensas y siniestras si le ayudan a llegar a un final que, según como se lea, puede ser tan desolador como el comienzo y que deja un regusto amargo, aunque estimulante. Debut prometedor, excelente pulso narrativo, compromiso: qué más podemos pedir. (Casimiro Torreiro)

Recomendada.

Black Beach (Esteban Crespo, 2020)

 

Título original: Black Beach. Dirección: Esteban Crespo. País: España. Año: 2020. Duración: 110 min. Género: Thriller, Drama.

Guión: Esteban Crespo, David Moreno. Música: Arturo Cardelús. Fotografía: Ángel Amorós. Producción: David Naranjo Villalonga, Lazonafilms, Macaronesia Films, Scope Pictures, Producciones Africanauan S.L.

6 nominaciones a los Premios Goya 2020. Sección Oficial del Festival de Cine de Málaga 2020.

Fecha del estreno: 23 Agosto 2020 (España).

 

Reparto: Melina Matthews (Susan), Candela Peña (Ale), Emilio Buale (León Ndong), Raúl Arévalo (Carlos), Paulina García (Elena).

 

Sinopsis:

Carlos, un alto ejecutivo a punto de convertirse en socio de una gran empresa, recibe el encargo de mediar en el secuestro del ingeniero de una petrolera americana en África. El incidente está poniendo en peligro la firma de un contrato millonario.

 

Comentarios: 

En el más común de los mundos, un hombre de acción es un salvaje, un ser sin conciencia al que le mueven los apetitos más básicos. Y lo que vale para el ser humano, sirve igual para el cine. Al cine de acción sólo anima, en efecto, el más simple de los deseos: ganar dinero. Pues bien, Esteban Crespo no está del todo de acuerdo. Es más, Crespo es un spinozista cabal que, como el filósofo judío, está convencido de que las pasiones no han de ser por fuerza consideradas vicios, sino fuerzas para potenciar o disminuir la acción. Hay que comprender, nos dirían los dos, el poder de los apetitos del cuerpo y del alma para moderarlos. Y llegados a este punto, ahí está Black Beach, una película de acción, pero consciente de que se puede correr, saltar y hacer estallar cosas, pero sin perder la cabeza, con las ideas claras. Es más, con conciencia.

El filme cuenta la historia de un alto ejecutivo (es decir, malo) que antes fue miembro de una ONG (es decir, bueno). Una vez más, Raúl Arévalo vuelve a demostrar que lo de actor se le queda corto. Él puede ser lo que se proponga. Un buen día, nuestro héroe (que también tiene algo de villano) recibe el encargo de mediar en el secuestro de un ingeniero de una petrolera estadounidense en África. Lo que sigue es una aproximación (modesta, pero efectiva) al universo de Bourne, o incluso de Graham Greene, en el que las intrigas, las carreras, los disparos y las escenas filmadas con dron lo ocupan casi todo, pero no lo más importante. Crespo, como ya hiciera en el corto nominado al Oscar Aquel no era yo, demuestra su facilidad para hacer mucho con lo justo y sin perder de vista que lo que sigue a la acción no es tanto la reacción como la conciencia. Hemos llegado. (Luis Martínez)

Recomendada (con reservas).