miércoles, 30 de noviembre de 2011

Polanski, visiones terroríficas de lo cotidiano



Siempre es un auténtico placer poder hablar de la obra de Roman Polanski, el cineasta vivo al que más valoro hoy en día. Este cineasta dirigió entre la década de los 60-70 una de las trilogías mas apasionantes, conocida como La Trilogía del Apartamento.
Allá por 1960, un tal Alfred Hitchcock revolucionó el cine de terror con su obra maestra “Psicosis” adentrándose de forma espeluznante en la mente trastornada del ser humano. Se había dejado atrás el miedo al peligro nuclear (metáfora de amenaza comunista incluida) y se hablaba de un terror cercano, cotidiano, que hizo estremecer a parte de la sociedad, dándole una nueva dimensión a un género que se encontraba bastante encasillado.
Cinco años después de la seminal obra del genial cineasta inglés, Roman Polanski siguió explorando dichos caminos con un soberbio filme que abriría esta trilogía, Repulsión (1965), película que le colocó definitivamente en el panorama internacional.




En 1968, haría su debut americano, con El bebé de Rosemary, fiel adaptación de una novela de Ira Levin, cuyo nefasto título en español (“La semilla del Diablo”) rompe por completo el suspense del mismo desde el principio. Una absoluta obra maestra estudiada al milímetro.
Por último, con “El quimérico inquilino”, que es otro espléndido trabajo basado en la novela homónima del singular Roland Topor, donde Polanski compartiría la labor de dirección con la de actor principal, pondría punto y final a esta magnífica trilogía.


 


En ella aparecen muchos de los elementos de su cine, como la sensación de aislamiento absoluto, la aparición del factor desestabilizador y los personajes encerrados en pequeños escenarios, creando esas atmósferas tan opresivas y claustrofóbicas que funcionan perfectamente como incubadoras de las obsesiones. El terror se nos presenta desde el interior de sus protagonistas y no desde el exterior.
Estas obsesiones se presentan de forma sugerente al espectador, a veces de manera clara como en “Repulsión”, donde no hay revelación alguna, al contrario que en el resto de su trilogía, donde se abrazan la realidad psicológica y el cuento fantástico, dotándole de una aplaudida ambigüedad. Polanski nunca dará su brazo a torcer, generando las más diversas lecturas sobre sus filmes, enriqueciéndolos de forma más que notable.
El astuto uso que hace el cineasta polaco del punto de vista, así como la sapiencia técnica a la hora de manejar las lentes, ayuda a incrementar esa sensación de trauma, locura y/o esquizofrenia, en la que nos encontraremos totalmente inmersos.

Trabajo presentado en el Taller de Cine por JESUS MAYORAL.

martes, 29 de noviembre de 2011

Un método peligroso, de David Cronenberg




Título original: A dangerous method. Dirección: David Cronenberg. Países: Reino Unido, Alemania y Canadá. Año: 2011. Duración: 99 min. Género: Drama. Guión: Christopher Hampton; basado en la novela “A most dangerous method” de John Kerr y la obra de teatro “The talking cure” de Christopher Hampton. Producción: Jeremy Thomas. Música: Howard Shore. Fotografía: Peter Suschitzky. Montaje: Ronald Sanders. Diseño de producción: James McAteer. Vestuario: Denise Cronenberg. Estreno en España: 25 Noviembre 2011.
Intérpretes: Keira Knightley (Sabina Spielrein), Viggo Mortensen (Sigmund Freud), Michael Fassbender (Carl Gustav Jung), Vincent Cassel (Otto Gross), Sarah Gadon (Emma Jung).

Sinopsis:
La historia de la turbulenta relación entre el joven psiquiatra Carl Jung (Michael Fassbender), su mentor Sigmund Freud (Viggo Mortensen) y Sabina Spielrein (Keira Knightley). A este trío se añade Otto Gross (Vincent Cassel), un paciente libertino decidido a traspasar todos los límites. Esta exploración de la sensualidad, de la ambición y del engaño llega a su momento cumbre cuando Jung, Freud y Sabina se reúnen antes de separarse definitivamente y acabar cambiando la dirección del pensamiento moderno.

Keira Knightley

Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: Michael Fassbender y Viggo Mortensen, muy naturales y comedidos, estupendo trabajo de actores. La preciosa música de Howard Shore y la fantástica ambientación de la película.
Lo peor de la película: La sobreactuación de Keira Knightley, sobre todo, en el primer cuarto de hora, inspirada en la “niña” del exorcista. ¡Que horror! La subtrama de Otto Gross sobra. Además, el ritmo decae en su tramo final.

Trailer de la película:

lunes, 28 de noviembre de 2011

Premonición, de Gilles Bourdos




Título original: Afterwards. Dirección: Gilles Bourdos. Países: Alemania, Francia y Canadá. Año: 2008. Duración: 107 min. Género: Drama, thriller. Guion: Michel Spinosa y Gilles Bourdos; basado en la novela “Et après…”, de Guillaume Musso. Producción: Olivier Delbosc, Christian Gagne, Christian Larouche y Marc Missonnier. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Mark Ping Bin Lee. Montaje: Valérie Deseine. Diseño de producción: Anne Pritchard. Vestuario: Mario Davignon. Estreno en Francia: 14 Enero 2009. Estreno en España: 25 Noviembre 2011.
Intérpretes: John Malkovich (Dr. Kay), Evangeline Lilly (Claire), Romain Duris (Nathan), Pascale Bussières (Anna), Reece Thompson (Jeremy), Bruno Verdoni (doctor), Glena Braganza (Rachel).

Sinopsis:
A los ocho años, Nathan tuvo una experiencia cercana a la muerte e inexplicablemente volvió a la vida. Veinte años después es un abogado brillante en Nueva York, herido tras un doloroso divorcio, que se refugia en su trabajo, lejos de su ex mujer Claire y la hija de ambos. Es en este momento cuando un misterioso doctor entra en su vida. El doctor Kay dice que puede prever cuándo algunas personas van a morir. Nathan descubrirá el motivo de su vuelta a la vida.

Romain Duris y Evangeline Lilly

Calificación: 5, Mediana.
Lo mejor de la película: Ver actuar a un gran actor como Malkovich siempre es interesante, aunque en esta película no tiene mucho que hacer. La música de Alexandre Desplat digna de mención. Se trata de un producto meramente discretito. ¡Qué suerte tienen los franceses que casi todas sus películas se estrenen en España, aunque sea con dos años de diferencia cómo ésta! ¿Ocurrirá lo mismo en Francia con las películas españolas?
Lo peor de la película: Que no avanza con un ritmo adecuado, o será que la historia no es lo suficientemente interesante. Algunos momentos parsimoniosos, pelín empalagosos, simplemente sirven para escuchar la agradable música de Desplat.

 Trailer de la película:

domingo, 27 de noviembre de 2011

Si no nosotros ¿quién?, de Andres Veiel




Título original: Wer wenn nicht wir. Dirección y guion: Andres Veiel. País: Alemania. Año: 2011. Duración: 124 min. Género: Drama. Producción: Thomas Kufus. Música: Annette Focks. Fotografía: Judith Kaufmann. Montaje: Hansjörg Weissbrich. Diseño de producción: Christian M. Goldbeck. Vestuario: Bettina Marx. Estreno en Alemania: 10 Marzo 2011. Estreno en España: 25 Noviembre 2011.
Intérpretes: August Diehl (Bernward Vesper), Lena Lauzemis (Gudrun Ensslin), Alexander Fehling (Andreas Baader), Thomas Thieme (Will Vesper), Imogen Kogge (Rose Vesper), Michael Wittenborn (Helmut Ensslin), Susanne Lothar (Ilse Ensslin).

Sinopsis:
A principios de los sesenta, Bernward Vesper y su compañera de universidad Gudrun Ensslin viven una apasionada historia de amor en la sofocante atmósfera de la Alemania Occidental de provincias. Muy sensibles a la inquietud de la época, la fogosa pareja se pregunta sobre el papel que tuvieron sus respectivos padres durante el III Reich. Creen profundamente en el poder de la palabra escrita y fundan una editorial dedicada a publicar trabajos políticos controvertidos: «Si no somos nosotros, ¿quién? Si no es ahora, ¿cuándo?» Pero su descontento con el mundo que les rodea influye en su relación. A finales de los sesenta, Gudrun se une a la causa proviolenta del rebelde Andreas Baader, y Bernward arriesga su salud mental tomando drogas psicodélicas en un intento de escribir la novela que cambiará el mundo. Una película basada en la historia verdadera de una época explosiva.

August Diehl, Alexander Fehling y Lena Lauzemis

Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: Interesante historia presentada en la Sección Oficial de la última edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla (SEFF´11). Se llevó el Giraldillo de Plata al Mejor Actor: August Diehl. La realidad nos demuestra que su trabajo es merecedor del premio. La historia de la banda terrorista Baader Mein­hof durante los años 60 ha sido llevada al cine en varias ocasiones, basta recordar la cinta “RAF: Facción del Ejército Rojo”, que vimos el año pasado en SEFF´10. Pero lo interesante de la historia de Andres Veiel es que pone el acento en los aspectos humanos de los protagonistas y no en los hechos terroristas de la banda.
Lo peor de la película: Demasiadas imágenes de archivo (aunque cumplen su función) propias de un documentalista como Veiel. Algunos desnudos innecesarios. Un poco más de ritmo y todo mejor explicado.   

Trailer de la película:

viernes, 25 de noviembre de 2011

George Cukor, en el Taller de Cine


 

¡¡¡Por fin!!! La próxima semana en nuestro Taller de Cine abriremos el monográfico sobre este interesantísimo director.

George Cukor forma parte del listado de  directores del Sistema de los Estudios, que podía adjudicársele un estilo personal, elaborado, al margen de ser un perfecto “artesano” de películas, como se les exigía a los directores en la época dorada de Hollywood.
Los comienzos de Cukor en el teatro fueron el prólogo ideal para su posterior desembarco en Hollywood cuando el sonoro se hallaba en su génesis. Estuvo en nomina de varias Compañí­as: Paramount, RKO y luego la Metro, dejando huella en todas ellas. Famosa fue su amistad con el productor David O. Selznick, lo que le acercó a Lo que viento se llevó, si bien el proyecto se frustró.
Cukor supo adaptarse como nadie al sistema de estudios, lo que le proporcionó medios suficientes para llevar a cabo proyectos de calidad y le mantuvo en primera lí­nea durante décadas, hasta que  el sistema se tambaleo, y como le paso a otros directores, tuvieron que buscar su sitio dentro del nuevo mercado.
El estilo Cukor tuvo su clave en una absoluta adaptación al libreto y por la dirección de los actores que le apartaba casi de los aspectos técnicos, los cuales recaí­an en sus ayudantes de confianza, lo que no quería decir que no le interesara el producto final.
Fue siempre muy cuidadoso con la ambientación y el vestuario, reminiscencias de su formación teatral inicial, por la que también puso especial cuidado en los diálogos.


Cukor supo como nadie llevar a cabo la tradición hollywoodiense de adaptar cinematográficamente los éxitos de que proporcionaba Broadway.

 

Para ir abriendo boca, os dejamos con una secuencia de la película “Un rosotro de mujer” (1941) donde consiguió una de las mejores interpretaciones de la gran  Joan Crawford.


jueves, 24 de noviembre de 2011

Proverbio chino, de Javier San Román


COLECCIÓN DE CORTOS PROYECTADOS EN EL TALLER DE CINE



Título original: Proverbio chino. Dirección: Javier San Román. País: España. Año: 2005. Duración: 9 minutos. Producción: Nephilim Producciones. Guión: Javier San Román. Fotografía: Ángel Amorós. Música: Gecko Turner. Dirección Artística: Eduardo Vallejos y Raúl García.
                       
Intérpretes: Sergio Calderón, Chi Chiu, Fang Xing Ming, Eva Pallarés, Alba Gárate, José María Sacristán y Juan Khung.

Sinopsis: Sergio quiere trabajar de camarero en un restaurante chino, pero el mundo no parece estar preparado para algo tan revolucionario. La respuesta está en el proverbio que encontrará en una galleta china.

Consideraciones: Nominado a los Premios Goya 2008 en la categoría de Mejor Cortometraje de Ficción. Es la segunda pieza de la trilogía Mundo Mestizo que comparte la temática de la inmigración.

Prestar atención a: La grafía de los títulos de crédito. El tratamiento de un tema social desde la comedia. El acierto de la música. El final esperanzador: los jóvenes más liberados de los prejuicios.

(Presentado por Luis Martínez en el Taller de Cine).


Sergio Calderón y Chi Chiu



miércoles, 23 de noviembre de 2011

37º Festival de Cine Iberoamericano de Huelva


La 37ª edición del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva se está celebrando del 19 al 26 de noviembre de 2011.

En el Festival más antiguo de Andalucía, se entregan los premios Colón de Oro y de Plata, y los galardones 'Ciudad de Huelva', que este año han recaído en el productor Julio Fernández (una de las grandes figuras de la industria cinematográfica española y un importante lazo de unión entre el cine de España y Latinoamérica) y en la Academia Española de Cine, que cumple 25 años.

En la gala de inauguración se proyectó la cinta “Palabras encadenadas” de Laura Mañá y se le entregó el premio a Julio Fernández, quién agradeció la entrega de este premio "emocionado y orgulloso de contar con la presencia de grandes amigos", indicando además que en estos momentos "tan duros" es importante recordar que es "el momento de recuperar las ilusiones y emociones, donde la solidaridad y el optimismo tiene que servir de empuje para devolver la confianza a los jóvenes , que son el futuro". Julio Fernández estuvo acompañado de compañeros y amigos de profesión como la actriz Goya Toledo o los directores Jaume Balagueró, Paco Plaza y Laura Mañá.

Este año la Sección Oficial a concurso está compuesta por 11 largometrajes para optar al Colón de Oro, procedentes de Argentina, Colombia, Venezuela y Chile, con dos largometrajes, aunque también estarán presentes Brasil, México y Puerto Rico, con un largometraje a concurso cada uno.

-          Juan y Eva (2011), de Paula de Luque. Argentina.
-          El gato desaparece (2011), de Carlos Sorín. Argentina.
-          Todos tus muertos (2011), de Carlos Moreno. Colombia.
-          Karen llora en un bus (2011), de Gabriel Rojas. Colombia.
-          El rumor de las piedras (2011) de Alejandro Bellame. Venezuela.
-          La hora cero (2010), de Diego Velasco. Venezuela.
-          El año del tigre (2011), de Sebastián Lelio. Chile.
-          Violeta se fue a los cielos (2011), de Andrés Wood. Chile.
-          Eu receberia as piores notícias dos seus lindos lábios (2011), de Beto Brand y Renato Ciasca. Brasil.
-          Aquí entre nos (2011), de Patricia Martínez de Velasco. México.
-          América (2011), de Sonia Fritz. Puerto Rico.



 


Los componentes del jurado son la montadora Carmen Frías, el productor mexicano Jorge Sánchez, el periodista Fernando Delgado, la actriz argentina Malena Solda y el director Pedro Pérez.

El Festival cuenta con otras secciones como la informativa “Rábida”, que ofrecerá los títulos más importantes del cine iberoamericano actual; la de “Medio Ambiente”; la “Infantil y Juvenil”, la de “Panorama Andaluz” y otras sesiones especiales. Asimismo, el Iberoamericano contará un año más con la Semana de Cine Iberoamericano en el Centro Penitenciario o la cena en beneficio de Unicef.

El Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, que echa a andar bajo un cartel dedicado a Colombia, proyectará un total de 115 títulos de 20 nacionalidades distintas en 202 pases durante la semana de duración del certamen.

Suerte a todos y a disfrutar del buen cine iberoamericano.

martes, 22 de noviembre de 2011

Banda Sonora de... Bailando con lobos




La gran triunfadora de los Óscar en 1990 al conseguir siete estatuillas correspondientes a mejor película, director, guión adaptado, fotografía, sonido, montaje y banda sonora original. Un western épico dirigido en interpretado por Kevin Costner.

Aunque en un principio se habló de la posibilidad de que su música le fuese encomendada a Ennio Morricone (al parecer desestimó el asunto) y Basil Poledouris (que un año antes había escrito un magistral score del oeste para La paloma solitaria), el productor del filme Jim Wilson envió a Barry el guión en enero de 1989. Barry, que se estaba recuperando de diversas operaciones que a punto estuvieron de acabar con su vida, aceptó el reto y, durante seis meses, escribió una hora y media de música. Además, para otorgar más credibilidad a la percusión de los sioux contactó con auténticos indios para conocer la música utilizada en sus ritos.

Su banda sonora está dominada por el poderoso “John Dunbar Theme”, repetido hasta la saciedad en el filme y mitificado a partir de esos momentos, hasta el punto de ser elogiado por Juan Pablo II. En la secuencia de la cacería de búfalos, la música de Barry es diferente a la que aparece en el CD. N el 2006 se editó un nuevo compacto incluyendo este tema tal y como suena en la película, además de música inédita hasta el momento.

Nosotros, hoy vamos a escuchar de nuevo el famosísimo “John Dunbar Theme” y si os gusta la música de John Barry, fallecido el año pasado, os aconsejo que visitéis otra entrada de nuestro blog, donde encontrareis más música de él.

Espero que os guste.   


lunes, 21 de noviembre de 2011

Habemus Papam, de Nanni Moretti




Título original: Habemus Papam. Dirección: Nanni Moretti. Países: Italia y Francia. Año: 2011. Duración: 102 min. Género: Comedia dramática. Guión: Nanni Moretti, Francesco Piccolo y Federica Pontremoli. Producción: Nanni Moretti, Jean Labadie y Domenico Procacci. Música: Franco Piersanti. Fotografía: Alessandro Pesci. Montaje: Esmeralda Calabria. Diseño de producción: Paola Bizzarri. Vestuario: Lina Nerli Taviani. Estreno en España: 4 Noviembre 2011.
Intérpretes: Michel Piccoli (Papa), Jerzy Stuhr, Renato Scarpa (cardenal Gregori), Franco Graziosi (cardenal Bollati), Camillo Milli (cardenal Pescardona), Nanni Moretti (psicoanalista), Margherita Buy (exmujer del psicoanalista).

Sinopsis:
El recién elegido pontífice sufre un ataque de pánico justo antes de aparecer en el balcón de San Pedro en el Vaticano para saludar a los fieles, que han esperado pacientemente la decisión del cónclave. Sus consejeros, incapaces de convencerle de que es el hombre adecuado para el trabajo, buscan la ayuda de un reconocido psicoanalista (y ateo). Sin embargo, el miedo a la responsabilidad que ha recaído sobre él es algo a lo que debe enfrentarse solo.

Secuencia de "Habemus Papam", con Nanni Moretti en primera línea

Calificación: 5, Mediana.
Lo mejor de la película: El primer encuentro entre el psicoanalista (Nanni Moretti) y el nuevo papa. Una secuencia repleta de sentido del humor, donde Moretti (también guionista y director de la cinta) se maneja muy bien. La canción que suena durante algunos minutos de Mercedes Sosa, “Todo cambia”, un claro mensaje que Moretti lanza a la Iglesia, a la que considera una institución cerrada y hermética.
Lo peor de la película: Con el paso del metraje se desinfla la historia, ni siquiera la puede salvar un magnífico Michel Piccoli errando por las calles de Roma.

Trailer de la película:


domingo, 20 de noviembre de 2011

Anonymous, de Roland Emmerich



Título original: Anonymous. Dirección: Roland Emmerich. Países: Reino Unido y Alemania. Año: 2011. Duración: 132 min. Género: Drama, histórico. Guión: John Orloff. Producción: Roland Emmerich, Robert Léger y Larry Franco. Música: Harald Kloser y Thomas Wander. Fotografía: Anna J. Foerster. Montaje: Peter R. Adam. Vestuario: Lisy Shristl. Estreno en España: 11 Noviembre 2011.
Intérpretes: Rhys Ifans (Edward De Vere, conde de Oxford), Vanessa Redgrave (reina Isabel I), Joely Richardson (joven reina Isabel I), David Thewlis (William Cecil), Xavier Samuel (conde de Southampton), Sebastian Armesto (Ben Jonson), Rafe Spall (William Shakespeare), Edward Hogg (Robert Cecil), Jamie Campbell Bower (joven conde de Oxford), Sam Reid (conde de Essex), Derek Jacobi (prologuista).

Sinopsis:
Ambientada en el nido de serpientes político de la Inglaterra isabelina, la película especula sobre el tema que ha intrigado a académicos y mentes brillantes como Mark Twain, Charles Dickens y Sigmund Freud: ¿quién escribió en realidad el corpus literario atribuido a William Shakespeare?  Lo han debatido los expertos, se han escrito libros, estudiosos han dedicado sus vidas a proteger o desacreditar las teorías de la autoría de las obras más famosas de la literatura inglesa. “Anonymous” propone una posible respuesta, remontándose para ello a un momento en el que escandalosas intrigas políticas, romances ilícitos de la Corte Real y estratagemas de nobles ansiosos por poder se esclarecían en el lugar más insospechado: el teatro londinense.

Jamie Campbell Bower

Calificación: 7, Buena.
Lo mejor de la película: La ambientación, la puesta en escena, la estupenda fotografía y los excelentes actores (casi todos británicos). También la música es acertada.
Lo peor de la película: El guión tan desaguisado, las muchas historias que nos cuenta son difíciles de seguir, al menos durante la primera hora. Película no apta para los amantes de Shakespeare, lo dejan bastante mal.

Trailer de la película:

sábado, 19 de noviembre de 2011

Oso, de Nash Edgerton


COLECCIÓN DE CORTOS PROYECTADOS EN EL TALLER DE CINE


Título original: Bear. Dirección: Nash Edgerton. País: Australia. Año: 2011. Duración: 11 minutos. Producción: Lauren Edwards, John Polson. Producción Ejecutiva: Elizabeth Mary Moore. Guión: Nash Edgerton y David Michôd. Fotografía: Adam Arkapaw. Música: Jack Graddis, Ben Lee, Ione Skye Lee. Sonido: Peter Grace y William Ward. Montaje: Nash Edgerton. Dirección de Arte: Danny Cameron.
                       
Intérpretes: Nash Edgerton, Teresa Palmer y Warwick Thornton.

Sinopsis: Jack quiere darle una sorpresa especial a su novia por su cumpleaños, pero sus buenas intenciones se ven truncadas de forma horrible.

Consideraciones: Presentada en Cannes 2011. Podría considerarse una secuela de su corto Spider (2007), visto ya hace unos años en el Taller de Cine.

Prestar atención a: Las grandes dosis de humor negro habituales en el director. Los acertados movimientos de la cámara. La falta de diálogos hasta el final del corto: la discusión que oímos por la televisión y la música agresiva de la radio nos hacen creer que no es buena la relación de pareja, pero Jack siempre se desvive pensando en sus novias.

Nash Edgerton: actor, director, guionista y montador de Oso

viernes, 18 de noviembre de 2011

5 metros cuadrados, de Max Lemcke



Título original: 5 metros cuadrados. Dirección: Max Lemcke. País: España. Año: 2011. Duración: 91 min. Género: Drama, comedia. Guión: Pablo Remón y Daniel Remón. Producción: Isabel García Peralta. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: José David Montero. Montaje: Laurent Dufreche y Ascen Marchena. Dirección artística: Javier Fernández. Vestuario: Helena Sanchís. Estreno en España: 11 Noviembre 2011.
Intérpretes: Fernando Tejero (Álex), Malena Alterio (Virginia), Manuel Morón (Arganda), Secun de la Rosa (Nacho), Emilio Gutiérrez Caba (Montañés), Jorge Bosch (Toño).

Sinopsis:
Álex y Virginia, una pareja con planes de boda, compran un piso sobre plano a las afueras de una gran ciudad. Reúnen todos sus ahorros para pagar la entrada, más una hipoteca a cuarenta años. Cuando sólo faltan unos meses para la entrega de los pisos, paran las obras y precintan la zona. Álex quiere una solución y hará lo que sea para conseguir su casa y tener la vida que había soñado.

Malena Alterio y Fernando Tejero

Calificación: 5, Mediana.
Lo mejor de la película: Fernando Tejero, sus giros de lo cómico a lo dramático son fenomenales. La secuencia en la que Tejero le dice a la representante de la constructora-inmobiliaria que tiene ganas de llorar es inolvidable. Tejero consigue la empatía del espectador, acompañado por una Malena Alterio muy muy discretita. No obstante, resulta interesante que el cine español saque a la luz estos temas de tanta actualidad, nada más que por lo que denuncia merece la pena.
Lo peor de la película: La linealidad y sencillez de la trama, con un final que roza lo patético. La música y la fotografía muy convencional, nada que sobresalga.

Trailer de la película: