jueves, 25 de mayo de 2017

Recordando... El viajante (Asghar Farhadi, 2016)


Título original: Forushande (The Salesman). Dirección: Asghar Farhadi. País: Irán. Año: 2016. Duración: 125 min. Género: Drama. Guión: Asghar Farhadi. Producción: Asghar Farhadi, Alexandre Mallet Guy, Olivier Père. Fotografía: Hossein Jafarian. Montaje: Hayedeh Safiyari. Música: Sattar Oraki. Departamento de Arte: Edris Azizi.

Intérpretes: Taraneh Alidoosti (Rana), Shahab Hosseini (Emad), Babak Karimi (Babak), Mojtaba Pirzadeh (Majid), Farid Sajjadi Hosseini (suegro de Majid).

SinopsisEmad y Rana deben dejar su piso en el centro de Teherán, ya que peligra el edificio.


La pareja protagonista: Emad y Rana

En la película El viajante, Asghar Farhadi nos presenta un tipo de drama en el que ya ha demostrado con creces que es un maestro, el drama en el ámbito familiar. El máximo reconocimiento internacional, el Oscar a la mejor película extranjera, lo ganó con Nader y Simin, una separación y lo ha vuelto a obtener este año con El viajante. Entre ambas, la algo inferior El pasado. Las tres tienen en común el tema de la dificultad de las relaciones entre los miembros de una familia, que a su vez se ven limitados por la sociedad en que viven.

A pesar de esto, no se repiten personajes y las situaciones que se plantean son bien distintas. Este último trabajo trata sobre un matrimonio cuya esposa es atacada en el piso al que se han visto obligados a mudarse ante el peligro de derrumbe del edificio en que vivían.

La actriz Taraneh Alidoosti

Lo primero que me llama la atención es que no se desvela el tipo de agresión sufrido. No se verbaliza siquiera entre la pareja. Es un tema tabú fruto de pertenecer a la sociedad iraní, más conservadora que la nuestra. Se le da más importancia a la pérdida del honor, a la humillación, a las habladurías, a las formas. Y por todo eso, la víctima tiene miedo de ser señalada como culpable y no denuncia.

Estamos en un país en el que rozar una pierna con otra al compartir un vehículo puede verse como intento de abuso: el marido es acusado injustamente de algo así y no se defiende.

Farhadi, que empezó su profesión en el campo del teatro, hace que este matrimonio pertenezca a una compañía de aficionados que representan Muerte de un viajante. Esto permite introducir dos niveles narrativos que enriquecen la obra. Existen paralelismos temáticos, pues ambos son relatos de humillación social y familiar en la que los protagonistas se muestran débiles y contradictorios y caminan en la misma dirección.

La familia de Majid

Un guión perfecto, premiado en Cannes, y una interpretación de actores sobresaliente (Shahab Hosseini también fue ganador en Cannes) consiguen que, a pesar de presenciar reacciones que no tienen nada que ver con las que tendrían lugar en Occidente, comprendamos unos sentimientos sinceros por más que no los compartamos (el pulso entre la pareja es extraordinario: ¿a quién sirve la venganza?, ¿a quién satisface y quién está siendo realmente vengado?).

Enfrentamiento entre Emad y Rana

La cámara, inestable en muchas ocasiones, consigue crear un ambiente inquietante. Son numerosos los planos tomados a través de los cristales fragmentados del antiguo piso. ¿Solo se desmorona el piso? ¿La pareja? ¿La sociedad o el país? Producen una sensación continua de fragilidad, de amenaza. 

El actor Shahab Hosseini

La tensión se vuelve inmensa. Hay un momento en el que parece aliviarse, pero no: precisamente por eso me resulta la secuencia más dura. Ella ha invitado al niño de otra actriz a quedarse con ellos. Prepara una buena cena y se muestra por primera vez más animada. Hasta que el marido se da cuenta del dinero que ha pagado esa cena y él, que se ha callado que fue el primero en llegar a verla herida y pudo más su deseo de venganza que el hecho de socorrerla, no puede callarse qué supone ese dinero. Opta por amargarle a ella el momento. Tremenda la severidad que subyace en esa actitud.

Shahab Hosseini ganó el premio a Mejor Actor en Cannes

Y sin embargo, no podemos dejar de intentar entender todos los puntos de vista, de cambiar la perspectiva y ponernos en el lugar del otro. Va a ser entonces que  Asghar Farhadi ha conseguido su objetivo. En el texto que leyeron dos compatriotas suyos al recoger el Oscar (el director optó por no asistir a la ceremonia en respuesta a la política migratoria de Donald Trump), decía que los cineastas intentan con sus obras crear empatía, “una empatía necesaria hoy más que nunca”.

No podemos más que esperar impacientes la nueva película de Farhadi que se rodará en nuestro país y en español, proyecto en el que iba a participar El Deseo, aunque finalmente se ha retirado. Por ahora, Ricardo Darín, Javier Bardem y Penélope Cruz serán los actores al frente de la obra. Ojalá que esté a la altura.


martes, 23 de mayo de 2017

Paulina (Santiago MItre, 2015), en el Círculo Mercantil e Industrial de Sevilla




La película, desde los títulos de crédito del inicio sobre un fondo negro y sin música,  nos convierte en testigos de una conversación entre Paulina (Dolores Fonzi) y su padre (Óscar Martínez), a través del diálogo nos adentramos en la temática primordial del film: Paulina es una joven abogada con una carrera por delante prometedora y orientada hacia un rol directivo, según el proyecto y la ambición de su padre, juez de profesión, que ejerce en la provincia de Misiones.  A lo largo de dicho diálogo hay una utilización de planos medios cortos que nos hacen penetrar en la psicología de los personajes, alternando la cámara fija con el plano-secuencia. El padre (Óscar Martínez) es un juez sexagenario, triunfador profesionalmente, que infravalora profesiones como la del magisterio rural. El padre ha educado a su hija para competir solo dentro de la “casta” jurídica, política, universitaria y directiva del país, que se encuentra en la capital federal, en la ciudad de Buenos Aires; pero un día Paulina retorna a su lugar de origen (provincia de Misiones), y vuelve para quedarse e iniciar su carrera profesional desde abajo, convirtiéndose en una maestra rural dentro de un proyecto o programa educativo de “Formación Política” dirigido a los trabajadores rurales y de la periferia urbana de  Posadas (Misiones)

El espacio donde Paulina ejercerá su magisterio es la provincia de Misiones, en el nordeste de la Argentina, en la frontera con Brasil y Paraguay. Misiones es una de esas provincias del interior, habitada por “cabecitas negras” (indígenas guaraníes y mestizos). De nuevo, el mundo de los olvidados y de las geografías olvidadas o paisajes de “barbarie” hacen su aparición en el cine latinoamericano y, en el caso que nos ocupa, en el cine argentino, lo que enlaza con toda una tradición del Nuevo Cine de la década de los cincuenta y sesenta, que fue retomada tras la última dictadura (1976-1983) por Miguel Pereira en su película La deuda interna (1987),  y a lo largo de los noventa consagrada por Adolfo Aristarain con sus películas Un lugar en el mundo (1992), Lugares Comunes (2002).
 
Fotograma de "Paulina"
Paulina (La Patota) pertenece a ese tipo de arte comprometido en buscar la identidad del país, en su totalidad, aunando en un diálogo constructivo a la “civilización”, representada por los blancos urbanos universitarios y progresistas; y a la “barbarie”,  representada por los autóctonos, indígenas y mestizos, rurales y analfabetos que habitan también en las periferias de las ciudades. Sendos mundos, civilización/barbarie, están irremediablemente abocados a encontrarse partiendo primero del choque entre ambos, materializado en  la desconfianza de los “olvidados” y en el  fracaso del “paternalismo” blanco; pero después esos dos mundos deben fusionarse, dejando atrás viejos prejuicios y estigmas, para que renazca un mestizaje cultural, un mestizaje del futuro, que rompa por fin con la violencia y las barreras multiculturales, lacras del colonialismo y neocolonialismo. En este sentido,  el valor del film de  Santiago Mitre radica en su  apuesta por la integración de los contrarios, por el nacimiento del “hombre nuevo” en el nuevo ser que, engendrado por Paulina, ponga fin a la dualidad escindida y a una doble vara de medir los delitos, cuestionando así un sistema judicial, generador de víctimas, que siempre criminaliza a los más débiles.

Paulina aborda también la temática de un viaje, iniciático, viaje al interior de la geografía y al interior del ser, a la encarnación en la realidad de los excluidos para de esa forma comprenderla mejor, lo que  conduce irremediablemente a la transformación personal, a una transformación que, basada en la autenticidad, permita a la protagonista seguir siempre para adelante, caminar sin tregua en busca de la utopía  que, como la definiera Eduardo Galeano, está en un horizonte que nos obliga a superar los escollos del andar cotidiano: “La utopía está en el horizonte. Camino dos pasos, ella se aleja dos pasos y el horizonte se corre diez pasos más allá. ¿Entonces para qué sirve la utopía? Para eso, sirve para caminar”.
 
Fotograma de "Paulina"
En definitiva, el “somos andando” de Paulo Freire y la utopía como meta forman parte del imaginario colectivo latinoamericano al que, probablemente, recurre Santiago Mitre en los títulos de crédito del final, pues a través de un cuidado plano secuencia, sin profundidad de campo, resalta a una Paulina que avanza en una larga caminata: ¿hacia dónde, hacia un horizonte donde habita la utopía? Ese seguir hacia adelante convierte a Paulina en un personaje coherente, de una coherencia, no heroica, sino humana.

La película de Santiago Mitre no solo revela el mundo de los olvidados (personas y paisajes) sino denuncia también la agresión al medio ambiente, la destrucción y desforestación de la selva misionera, pues “según datos oficiales, entre 1998 y 2007 en Misiones se deforestaron 144.153 hectáreas”. Esa crítica al deterioro medioambiental, siempre al servicio de intereses foráneos, recuerda otro film argentino, de hace más de 40 años, Quebracho, dirigido por Ricardo Wullicher;  pero, desgraciadamente, la situación del siglo XXI ha empeorado, pues hace un siglo los obreros de “la forestal” se rebelaron contra los explotadores ingleses; hoy los trabajadores de “las forestales” han involucionado, han perdido la conciencia, por lo que viven sumidos en las lacras de la ignorancia, de la violencia, de la pobreza, y de la exclusión social.
 
Fotograma de "Paulina"
Otros temas que nos sugiere el film de Mitre es reflexionar sobre la Justicia que siempre está al servicio del poder y de la clase y raza hegemónicas, justicia cuyo lema es “sin piedad con los bárbaros porque son brutos y violentos”. Y esto genera una ola de violencia y guerra imparables que, desde el poder, convierte a los verdugos en víctimas y a las víctimas en verdugos, en un eterno círculo vicioso, basado en la venganza, castigo y violencia. El propio director declara que “él ha pretendido hacer una anti-película de venganza, porque más que perdonar lo que ella busca es comprender y cortar con el círculo de violencia".

Para finalizar, creemos convenientes resaltar las declaraciones del realizador Santiago Mitre respecto a la técnica del film: “quería trabajar mucho con el plano-secuencia, con la cámara en mano para liberar a los actores. Preferí resignar cierta prolijidad formal para encontrar la esencia de los personajes y conseguir la mayor credibilidad posible.”  Esta declaración del director convierte el film Paulina en heredero y continuador de los planteamientos y de la estética realista del Nuevo Cine Latinoamericano.

                                                           María Dolores Pérez Murillo


viernes, 19 de mayo de 2017

Los estrenos en Sevilla de 19-05-2017



6 películas se estrenan el 19 de mayo 2017 en la cartelera cinematográfica de Sevilla. Estamos sorprendidos de la calidad de los estrenos de esta semana. En cuanto a sus nacionalidades, dos son películas estadounidenses, una alemana, una española, una británica y una francesa. Extrañamente, esta semana todo son recomendaciones. ¡Qué bien!


El caso Stoane. (USA, 2016). Dir. John Madden.
Elizabeth Sloane (Jessica Chastain) es una mujer poderosa a la que nunca se le ha resistido nada. Hasta ahora, ya que tiene que enfrentarse a uno de los lobbys más influyentes en Estados Unidos y hacer todo lo que esté en su mano para controlar el tráfico de armas en el país. Conocida por sus éxitos y con un secreto que ocultar, Sloane encarará al Gobierno de Estados Unidos e intentará presionar para que se instale una nueva legislación. Siempre ha hecho lo que ha necesitado para ganar, sin embargo, ahora que se enfrenta al enemigo más poderoso de su carrera, Sloane se topará con un precio demasiado alto. 'El Caso Sloane' está dirigida por John Madden y su guión corre a cargo de Jonathan Perera. El director compone un maquiavélico mecanismo narrativo a modo de excitante 'thriller' de espionaje que se mueve con la rapidez de un rayo en sus diálogos repletos de información. Una película fascinante por su paradójica tensión, generada al sostener un discurso ético liberal sobre la dudosa operativa de un personaje conflictivo y reprobable. Recomendada.


Déjame salir. (USA, 2017). Dir. Jordan Peele.
Chris (Daniel Kaluuya) ha iniciado una nueva relación con Rose (Ashley Williams). A medida que la pareja se establece y avanza, Rose considera que van suficientemente en serio como para presentarle a sus padres, así que organiza un fin de semana en su casa. Al principio, Chris tiene miedo de que los padres que está a punto de conocer desaprueben su relación interracial, ya que él es negro y ella es blanca. Sin embargo, pronto entenderá que ese es el menor de sus problemas, a medida que acontecimientos extraños comienzan a ocurrir durante el fin de semana. Al indagar en el pasado de la familia de su pareja, descubrirá aterradores secretos que lo atormentarán y amenazarán con quitarle la cordura. Rara vez la cartelera de cine programa uno de esos instantes de felicidad plena a los que, cinéfilo o lo contrario, conviene entregarse. Se trata de una comedia tan cerca de la realidad que parece fantástica. Una obra de categoría mayor en la que todo rezuma talento. Peele ha compuesto un peliculón. Recomendada.


Goodbye Berlín. (Alemania, 2016). Dir. Fatih Akin.
Un joven de catorce años llamado Maik se tiene que enfrentar durante las vacaciones de verano al ingreso de su madre alcohólica en una clínica de rehabilitación. Tras el ingreso, el padre de Maik decidirá marcharse con su amante dejando solo a Maik en su amplia casa de Berlín. Sin embargo, antes de que terminen las clases en el colegio, la clase de Maik recibe la llegada de un nuevo compañero de origen ruso. Tschick entablará amistad con Maik y ambos decidirán pasar el verano juntos viajando por el país en un coche robado. Película de origen alemán basada en la novela de Wolfgang Herrndorf y dirigida por Fatih Akin ('Al otro lado'). El reparto de la película lo conforman Tristan Göbel, Anand Batbileg, Aniya Wendel, Justina Humpf, y Paul Busche. La mezcla de géneros infalibles y el oficio del director hacen que prenda la chispa de la magia. Podría ser otra feel good movie más sobre adolescentes incomprendidos, si no fuera porque la dirige Akin. El cineasta vuelve a disfrazar de fingida sencillez y liviandad la compleja historia. Recomendada.


No se decir adiós. (España, 2017). Dir. Lino Escalera.
Carla recibe una llamada de su hermana: su padre, con el que hace tiempo que no se habla, está enfermo. Ese mismo día, Carla coge un vuelo a Almería, a la casa de su infancia. Allí, los médicos le dan a su padre pocos meses de vida. Ella se niega a aceptarlo y contra la opinión de todos, decide llevárselo a Barcelona para tratarle. Ambos emprenden un viaje para escapar de una realidad que ninguno se atreve a afrontar. Y será en esa huida donde se terminarán encontrando, donde finalmente se podrán decir adiós. Un filme contenido y austero sobre el último viaje hacia la muerte de un padre y las dificultades de la despedida. No cae en ningún momento en la lágrima fácil, y se permite, además, toques de humor concretos. Será una de las grandes películas del año en el cine español. Utiliza un montaje afilado, con cortes a negro. Recomendada.


Dancer. (Reino Unido, 2016). Dir. Steven Cantor.
Conocido como el "chico malo de la danza", Sergei es un joven prodigio bailarín. A los trece años consiguió una beca para estudiar en la British Royal Ballet School, y a los veinte se convirtió en el miembro más joven del Royal Ballet. Sin embargo, la vida de Sergei dio un giro de 180º cuando dos años después, en el momento más álgido de su carrera, ciertos eventos le condujeron a dimitir y amenazar con abandonar la danza para siempre. El documental de IFC 'Dancer' dirigido por Steven Cantor narra la historia de Sergei Polunin, un talentoso bailarín ukraniano que en el momento más importante de su carrera comenzó a cuestionar su existencia y compromiso con la danza a la par que se convertía en una leyenda a nivel mundial. Absorbente documental que se beneficia de la contemporánea sobresaturación de imágenes. Sorprende por la mezcla de diversos estilos (noticiarios, vídeos caseros e interesantes cepos autoindulgentes). Recomendada.


Personal shopper. (Francia, 2016). Dir. Olivier Assayas. 
Olivier Assayas, director conocido por 'Viaje a Sils Maria' y 'Las horas del verano', se pone al frente con 'Personal Shopper', un thriller dramático protagonizado por Kristen Stewart, con la que ya trabajó en 'Viaje a Sils Maria'. El film está ambientado en París, la película se centra en una historia de fantasmas que transcurre en los suburbios de la moda en la ciudad francesa. Maureen es una joven que trabaja como asistente personal de una persona muy influyente, relacionada con las mejores tiendas de moda de París. Pero lo curioso de Maureen no es solamente su selecto gusto para aconsejar y acompañar a sus clientes para encontrar el mejor vestuario de la ciudad, sino que posee una habilidad impresionante: La joven tiene poderes psíquicos, algo que compartía con su hermano mellizo antes de que éste falleciese en circunstancia que nunca se esclarecieron. La más anómala y estimulante reflexión sobre los espectros de nuestros días. Imposible no dejarse seducir por una película tan inquietante, brumosa, desesperante y, sobre todo, diferente. Un inclasificable y arriesgadísimo cruce entre el gótico y la estupidez social de hoy día. Una película finalmente más cargante que fascinante. Recomendada (con reservas).

viernes, 12 de mayo de 2017

Los estrenos en Sevilla de 12-05-2017



9 películas se estrenan el 12 de mayo 2017 en la cartelera cinematográfica de Sevilla. La variedad está servida en cuanto a nacionalidades, salvo el caso de España, que no estrena nada esta semana. Dos estadounidenses, una japonesa, una sudafricana, una rusa, una croata, una italiana, una noriega y una de Luxemburgo. De todas ellas, dos producciones son de animación. Nosotros recomamos tres películas para ver esta semana.  
 
Paraiso. (Rusa, 2016). Dir. Andrei Konchalovsky. 
Película seleccionada por Rusia como representante en los Oscar 2016. Ganadora del Premio al Mejor Director en el Festival de Venecia y el Premio del Jurado Joven, la Mejor Fotografía y la Mejor Actriz en el Festival de Gijón 2016. Dirigida por el ruso Andrei Konchalovsky, el filme nos cuenta la historia de tres personas que son interrogadas en una sala austera. No son tiempos fáciles, Europa se encuentra inmersa en plena Segunda Guerra Mundial. En ese momento los caminos de tres personas se cruzarán cambiando sus destinos completamente. Por un lado está Olga, condesa rusa que vive en París y miembro de la Resistencia francesa; Helmut, un aristócrata alemán cuyas convicciones ha hecho que acabe abrazando el nacionalsocialismo convirtiéndose en un importante capitán de las SS; y Jules, un policía francés que colabora con la Gestapo capturando a judíos ocultos y a miembros de la Resistencia. Los tres tienen sus motivos para hablar y confesar sus miedos, su pasado y su presente. Una interesante reflexión sobre el comportamiento humano en una de las épocas más inhumanas que se recuerdan a de la historia más reciente. Original mirada que reconstruye aquel terrible momento histórico, mostrando pudorosamente el horror. Quizá la novedad esté en que, al tiempo que se narran los hechos, se autoanalizan las culpas. Desde un destino incierto, las propias criaturas evalúan lo experimentado como ningún otro podría hacerlo. Recomendada.


Bajo el sol. (Croacia, 2015). Dir. Dalibor Matanic.
Película ganadora del Premio Especial del Jurado en la Sección “Una cierta mirada” del Festival de Cannes 2015. Dos naciones. Tres décadas en las que transcurren tres historias de amor consecutivas entre un hombre croata y una mujer serbia. Son tres historias de amor balcánico y prohibido, donde la fragilidad se palpa en el ambiente. En 1991, Jelena e Ivan desean fugarse a Zagreb juntos, en medio de las primeras explosiones de odio étnico. En 2001 Natasha y Ante vuelven a casa de la madre de ella tras la guerra. Y en 2011, Luke buscará desesperadamente a Marija, joven con la que tuvo algo más que una relación. Cinta escrita y dirigida por Dalibor Matanic, está protagonizada por Tihana Lazovic y Goran Markovic, y se trata de una coproducción entre Croacia, Serbia y Eslovenia. Una mirada sencilla y un patrón narrativo sabido, pero el magnífico despliegue de imágenes y la poética visual redimen la sensación de cliché. Relato muy físico, incluso sensual e intimista, que analiza los acontecimientos desde la perspectiva de los personajes, apoyado sobre la credibilidad de los actores principales. La técnica inherente a la cinematografía, el notable juego de luces y los planos fijos llegan incluso a jugar en contra de la propia obra: diluyen la intensidad seca de una reflexión, siempre necesaria, acerca de los efectos devastadores de la barbarie y su permanencia, generación tras generación, en sus víctimas. Recomendada.


Le llamaban Jeeg Robot. (Italia, 2017). Dir. Stacy Title.
Mejor Película en el Sección “Órbita” del Festival de Sitges 2156. Enzo es un pequeño ladronzuelo de segunda sin ningún aprecio hacia la vida o hacia los demás. Tras caerse al Río Tíber, adquiere unos extraños superpoderes, convirtiéndose en un nuevo tipo de superhéroe. Aun tratando de hacerse con el control de sus nuevas habilidades, decide lanzarse a perseguir al peligroso capo de una banda de crimen organizado al que llaman "El Gitano". Sin embargo, no está solo. Una traumatizada mujer que está convencida de que Enzo es el personaje principal de un manga llamado "Steel Jeeg" lo acompañará en su viaje, mientras él aprende no sólo a controlar sus poderes, sino a apreciar a la sociedad que le rodea y a despojarse de la misantropía que tanto le ha caracterizado siempre. Un conjunto irreprochable que, en apenas un segundo, saber girar de lo imaginativo a lo cotidiano, y de lo tierno y lo dramático, sin perder la compostura, la gracia y el respeto. Finalmente Italia tiene su propio superhéroe, y el resultado es sorprendentemente valiente y disfrutable. Recomendada.


Alien: Covenant. (USA, 2017). Dir. Ridley Scott.
'Alien: Covenat' es la segunda entrega de la nueva saga de precuelas de 'Alien', que comenzó con 'Prometheus' en 2012. Ridley Scott retoma su mítica franquicia de terror y ciencia ficción con esta nueva serie directamente conectada con las películas de finales de los setenta. La película gira entorno a la historia de la tripulación de la nave Covenant. El equipo emprenderá una expedición a una remota región de la galaxia considerada un paraíso desconocido. No obstante su viaje se convertirá en una pesadilla cuando descubren la parte más oscura y tenebrosa de un planeta que parecía perfecto para establecer una nueva colonia humana. Se darán cuenta de que la zona es un lugar desértico y peligroso donde su único habitante es David, un ser sintético y único superviviente de la expedición Prometheus. En este contexto, el grupo tendrá que encontrar una vía de escape para salvarse de ese planeta. La película está protagonizada por Michael Fassbender, que dará vida a David/Walter, Katherine Waterston, Billy Crudup, Demián Bichir, Jussie Smollett y Danny McBride, entre otros. Una historia que ni siquiera es mala, rodada con tanta efectividad como ausencia de alma. El filme adolece de un ritmo un tanto titubeante, ya que se alternan, de forma desigual, momentos de acción brillantes con otros más intimistas que, por ambición o innecesarias ínfulas de trascendencia, no encajan demasiado bien en el conjunto. Para exclusividad de los forofos de la saga. No Recomendada.


Maravillosa familia en Tokio (Japón, 2016). Dir. Yôji Yamada.
Presentada en la sección oficial del Festival de Valladolid (Seminci 2016). Un marido y su mujer llevan más de cincuenta años unidos en matrimonio. Él, interpretado por Isao Hashizume, le pregunta a su esposa (Kazuko Yoshiyuki) qué es lo que quiere como regalo de cumpleaños y, ante su sorpresa, ella le pide como regalo que le firme los papeles del divorcio. El anuncio de divorcio de su esposa sumerge a toda la familia en el caos. Sus hijos caen en un estado de pánico al escuchar esas noticias de separación. Entre ese inesperado bache en sus vidas, cada miembro de la familia comenzará a manifestarse de manera distinta como reacción a la sorprendente noticia. Esta es la nueva película de Yôji Yamada, que comparte reparto y personajes con la obra de 2013 'Una Familia de Tokio'. Impresentable homenaje a un clásico con una puesta en escena de añeja comedia de situación televisiva, con música y montaje enfatizados hasta lo risible, y un desarrollo temático enervante. No Recomendada.


Guardián y verdugo. (Sudáfrica, 2016). Dir. Oliver Schmitz.
En el año 1987, 164 personas se ejecutaron en el corredor de la muerte de la ciudad de Pretoria en Sudáfrica. Este film basado en hechos reales narra la historia en la que la pena de muerte fue puesta en duda y la historia cambió. John Weber, interpretado por Steve Coogan, es el abogado que se encarga de defender ante un juez a Leon, que será encarnado por Garion Dowds, un joven guardia de la prisión de máxima seguridad de Pretoria que acabó traumatizado de presenciar todas aquellas ejecuciones. Schmitz maneja el material con el piloto automático que requeriría un modesto telefilme de tesis para llegar al destino preprogramado que anticipa el primer fruncimiento de ceño del personaje de Coogan. Se da unos aires de trascendencia del todo injustificados. Sus personajes son meros esbozos; su narrativa, una rudimentaria sucesión de clichés del cine judicial; su 'look', pura tosquedad televisiva. No Recomendada.


Money. (USA, 2017). Dir. Martín Rosete.
“Voice Over” fue su corto nominado al Goya 2011. Ahora nos presenta su ópera prima.  Se trata de una coproducción hipano-estadounidense, donde en una noche totalmente normal, dos parejas se han reunido para pasar una agradable velada juntos. Se disponen a cenar cuando algo raro sucede. Un hombre llama a la puerta en mitad de la noche, e insiste en entrar y cenar con ellos. Porque resulta que esa cena no tenía nada de convencional: se reunían para celebrar la ganancia de unos cuantos millones de dólares que van a obtener de forma ilegal. Y este nuevo huésped lo sabe. Esta es la premisa de la nueva cinta del director madrileño Martín Rosete, que ha sido protagonizada por los actores Kellan Lutz, Jesse Williams, Jamie Bamber, Jess Weixler y Fredric Lehne. Mero entretenimiento de Rosete en su ópera prima. Se nota que está rodada con un bajo presupuesto, no presenta grandes decorados, toda la acción transcurre en la misma casa, no es una historia muy elaborada y con constantes giros de guión, intenta convencer al espectador con las conversaciones de los personajes. Rosete pretende meter ciertos toques de humor negro, que a veces viene bien, pero aquí desentonan totalmente. No Recomendada.


Dos colegas al rescate. (Noruega. 2015). Dir. Rasmus A. Sivertsen y Rune Spaans.
Película de animación que narra la historia de dos amigos, Knutsen y Ludvigsenque, que viven en un túnel cercano a las vías de un tren. La vida de los personajes es aburrida, sin sentido y monótona. Sin embargo, un día todo cambiará cuando Knutsen y Ludvigsen conozcan a la hija de un científico importante que ha sido raptado. El secuestrador quiere dominar el mundo convirtiendo a todos los habitantes en robots. La pareja tendrá que salvar al mundo, rescatar al científico y derrotar al villano. El film noruego está dirigido por Rasmus A. Sivertsen y Rune Spaans, acompañada de las voces de John F. Brungot, Hermann Sabado, Siri Nilsen, Frank Kjosås y Finn Schau. La película de Sivertsen y Spaans está producida por Tordenfilm AS, Qvisten Animation y Neofilm. El humor consiste básicamente en golpazos, gritos y discusiones. El feísmo en la concepción de algunos personajes y la tendencia a lo siniestro son sus pocas innovaciones, no de agradecer. No Recomendada.


Richard, la cigüeña. (Francia, 2017). Dir. Toby Genkel y Reza Memari. 
Richard es un gorrión que ha sido adoptado y criado por una familia de cigüeñas, y está convencido de ser una de ellas. Pero surgen problemas cuando las cigüeñas, aves migratorias, parten hacia África para pasar el invierno. Su familia le desvela su verdadera identidad, y le dejan atrás ya que al no ser un ave migratoria, no sobreviviría al viaje. Richard quiere partir también, y empieza a hacer autostop por toda Europa, en autobús, tren, y barco, junto con un búho excéntrico y un periquito divertidísimo que canta disco, para demostrar a su familia de cigüeñas que él también es una de ellas. La película está dirigida por Toby Genkel y Reza Memari. La película fue estrenada en el Festival Internacional de cine de Berlín, el 12 de febrero de 2017. Más que su acotado ejercicio en animación digital, esta road movie se distingue por sus emotivos apuntes en torno al sentido de pertenencia y a la familia. La pelota en sus tejados. No Recomendada.