lunes, 31 de octubre de 2011

Otra tierra, de Mike Cahill



Título original: Another Earth. Dirección: Mike Cahill. País: USA. Año: 2011. Duración: 92 min. Género: Drama, romance, ciencia-ficción. Guión: Mike Cahill y Brit Marling. Producción: Hunter Gray, Mike Cahill y Brit Marling. Música: Fall On Your Sword. Fotografía: Mike Cahill. Montaje: Mike Cahill. Diseño de producción: Darsi Monaco. Vestuario: Aileen Alvarez-Diana. Estreno en España: 21 Octubre 2011.
Intérpetres: William Mapother (John Burroughs), Brit Marling (Rhoda Williams), Matthew-Lee Erlbach (Alex), Meggan Lennon (Maya), Jordan Baker (Kim), Robin Lord Taylor (Jeff).

Sinopsis:
Rhoda Williams es una joven inteligente que busca la forma de reparar una terrible tragedia. Vive en un mundo como el nuestro, salvo que, repentinamente, a lo largo de la noche, en el cielo aparece un planeta misteriosamente idéntico, provisionalmente llamado Tierra 2, como un gigantesco y reflectante espejo gravitando sobre nosotros. Para Rhoda, ese extraño e inquietante planeta, así como la realidad paralela que los científicos afirman que brinda, constituye su última esperanza. Absolutamente perdida tras sufrir un espantoso accidente que puso fin a sus sueños de convertirse en astrofísica, Rhoda no tiene ninguna perspectiva de futuro. Llevada por la necesidad vital de enfrentarse a su pasado, Rhoda termina presentándose en la casa del hombre cuya vida alteró irremisiblemente: el reputado compositor John Burroughs. Confusos, recelosos y repletos de dudas en torno a su propia identidad, Rhoda y John inician una inverosímil a la vez que peligrosa relación amorosa.

Brit Marling, co-guionista y actriz de la película


Calificación: 5, Mediana.
Lo mejor de la película: El hecho de que estrenen en nuestras salas un producto indie-scifi como éste es interesante. Nada tiene que ver con el cine comercial del momento. La historia es muy original, aunque no acaba de funcionar. Se trata de la ópera prima de ficción de Mike Cahill. Además de la dirección, el pobre hombre se ha encargado de realizar el guión, la producción, la fotografía y el montaje del filme. ¿Alguien da más?
Lo peor de la película: El tema de la ciencia-ficción en la película se quede como un telón de fondo, como algo puramente anecdótico. La falta de química entre los dos personajes, John y Rhoda. Su historia de amor se hace increíble. No se acaba de comprender bien la presencia de un misterioso anciano que limpia en el Instituto y su relación con Rhoda. En fin, demasiados flecos sueltos.

 Trailer de la película:


sábado, 29 de octubre de 2011

One day (Siempre el mismo día), de Lone Scherfig



Título original: One day. Dirección: Lone Scherfig. País: USA. Año: 2011. Género: Romance. Guión: David Nicholls; basado en su novela “Siempre el mismo día”. Producción: Nina Jacobson. Música: Rachel Portman. Fotografía: Benoît Delhomme. Montaje: Barney Pilling. Diseño de producción: Mark Tildesley. Vestuario: Odile Dicks-Mireaux. Estreno en España: 14 Octubre 2011.
Intérpretes: Anne Hathaway (Emma), Jim Sturgess (Dexter), Patricia Clarkson (Alison), Romola Garai (Sylvie), Rafe Spall (ian), Ken Stott (Steven), Jodie Whittaker (Tilly).

Sinopsis:
Una extraordinaria relación entre Emma (Anne Hathaway) y Dexter (Jim Sturgess). Se conocen la noche de su graduación en la universidad, el 15 de julio de 1988. Emma es una chica de clase trabajadora con principios y ambición que sueña con mejorar el mundo. Dexter es un donjuán acomodado que sueña con convertir el mundo en su sala de juegos. Durante los siguientes 20 años, volvemos a encontrar a “Em” y a “Dex” y vemos cómo su amistad se debilita o se refuerza con el paso del tiempo. Conocen la inmensidad de la vida a través de la risa y del romance, del dolor y de la alegría. Y en algún momento de su viaje, descubren que lo que buscaban y esperaban siempre había estado al alcance de la mano.

Anne Hathaway y Jim Sturgess


Calificación: 4, Deficiente.
Lo mejor de la película: La música de Rachel Portman, siempre es agradable escucharla. Y las interpretaciones de Hathaway y Sturgess, que hacen lo que pueden en esta tediosa historia de “amor”.
Lo peor de la película: El guión, elaborado por el mismo autor de la novela, no da más de sí. Podemos pensar que la historia que cuenta el libro no era suficiente para un largometraje, quizás para un corto, porque se hace reiterada y pierde el interés del espectador. Sin lugar a dudas, una tropezón en la filmografía de Lone Scherfig, la directora danesa de An education. Seguro que la próxima le saldrá mejor, sólo tiene que elegir mejor los guiones.

Trailer de la película:

jueves, 27 de octubre de 2011

De mayor quiero ser soldado, de Christian Molina



Título: De mayor quiero ser soldado. Dirección: Christian Molina. Países: España e Italia. Año: 2011. Duración: 89 min. Género: Drama. Guión: Cuca Canals y Christian Molina. Producción: Ferran Monje. Música: Federico Jusid. Fotografía: Juan Carlos Lausín. Montaje: Alberto de Toro. Diseño de producción: Pere Carreras. Estreno en España: 21 Octubre 2011.
Intérpretes: Fergus Riordan (Álex), Ben Temple, Valeria Marini, Danny Glover, Robert Englund, Andrew Tarbet (padre Álex), Jo Kelly (madre de Álex).

Sinopsis:
Álex es un niño de ocho años fascinado por la violencia en la televisión y en los videojuegos. Álex empieza a desarrollar problemas de comunicación con sus padres y otros compañeros del colegio, por lo que se encierra en sí mismo, inventando dos amigos imaginarios, el astronauta capitán Harry y su alter ego, el sargento John Cluster. Cuando su madre da a luz gemelos, Álex empieza a sentirse solo y desatendido, eclipsado por la llegada de sus nuevos hermanos. Traicionado y herido, consigue que su padre le recompense con algo que siempre había deseado: una televisión en su cuarto. A través de la televisión, Álex descubrirá un nuevo mundo y se sentirá totalmente fascinado por todo lo que ve. El elemento catalizador de la historia será esta creciente obsesión por las imágenes de guerra y destrucción.

Fergus Riordan


Calificación: 4, Deficiente.
Lo mejor de la película: Quizás Danny Glover en su breve participación.
Lo peor de la película: La imagen tan sesgada y sensacionalista que se quiere dar de la televisión, culpándola de la transformación del pequeño Álex. No es creíble. Son evidentes fallos del guión. Por cierto, los amigos imaginarios de Álex son cansinos a más no poder, una auténtica plasta. La música, horrible. Valeria Marini dónde está en la peli, casi ni se ve. Asombroso lo que aparece en el cartel de la película “Película recomendada por el Defensor del Menor de la Comunidad de Madrid”. Yo pensaba que el Defensor del Menor estaba para otras cosas, no para recomendar estos bodrios. Por cierto, le gustará al Defensor del Menor de la Comunidad de Madrid el póster de la película colgado en todas las paradas de bus. Échesele un vistazo, por favor.    

Trailer de la película:

miércoles, 26 de octubre de 2011

La voz dormida, de Benito Zambrano



Título: La voz dormida. Dirección: Benito Zambrano. País: España. Año: 2011. Duración: 128 min. Género: Drama. Guión: Ignacio del Moral y Benito Zambrano; basado en la novela homónima de Dulce Chacón. Producción: Antonio Pérez. Música: Magda Rosa Galván y Juan Antonio Leyva. Fotografía: Alex Catalán. Montaje: Fernando Pardo. Dirección artística: Javier Fernández. Vestuario: María José Iglesias García. Estreno en España: 21 Octubre 2011.
Intérpretes: Inma Cuesta  (Hortensia), María León (Pepita), Marc Clotet (Paulino), Daniel Holguín (Felipe), Ana Wagener (Mercedes), Susi Sánchez (Sor Serafines), Berta Ojea (La Zapatones), Lola Casamayor (Reme), Ángela Cremonte (Elvira), Antonio Dechent (juez).

Sinopsis:
Pepita, una joven cordobesa de origen rural, va a Madrid en la posguerra para estar cerca de su hermana Hortensia que está embarazada y en prisión. Pepita conoce a Paulino, un valenciano de familia burguesa, que lucha junto a su cuñado Felipe en la sierra de Madrid. A pesar de la dificultad de su relación, se enamoran apasionadamente. Hortensia es juzgada y condenada a muerte. La ejecución no se llevará a cabo hasta que después del parto. Pepita intenta por todos los medios y en todas las instancias que condonen la ejecución. Va todos los días a la prisión con el objetivo de que le entreguen el futuro hijo de Hortensia, suplicando que no lo den en adopción o lo internen en un orfanato…

María León


Calificación: 8, Muy Buena.
Lo mejor de la película: Fantástico guión que pone en imágenes con gran maestría Benito Zambrano. La puesta en escena, ayudada por la estupenda fotografía de Alex Catalán, sumerge por completo al espectador en aquella época. Borda el papel María León, qué manera de interpretar, qué manera de transmitir sentimientos, una auténtica delicia, recientemente galardonada en San Sebastián y fija en las quinielas de los próximos Goya. El resto de mujeres que conforman el reparto están fantásticas.
Lo peor de la película: Por la temática que toca (la posguerra), ciertos críticos conservadores de determinados medios de comunicación, la pondrán verde, comenzarán a decir que si es panfletaria y todo ese rollo que dicen ellos que nada tiene que ver con la valoración artística de la película. ¿Cuándo aprenderemos en España a criticar al cine español ajustándonos a valores puramente cinematográficos? Nuestras tendencias ideológicas y políticas dejémoslas a parte por favor, a nadie le interesa eso, cuando se trata de valorar una película.

Trailer de la película: 


martes, 25 de octubre de 2011

Seminci 2011



Del 22 al 29 de octubre de 2011 se está desarrollando la 56º edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, Seminci 2011. Durante este tiempo, se verá un gran número de películas en sus diferentes secciones, tanto a concurso como en ciclos monográficos. Pero donde la Seminci define su personalidad es en la Sección Oficial, cuya Espiga de Oro persiguen este año las siguientes películas:

1.    Boker Tov, Adon Fidelman (Restoration). Dir. Joseph Madmony (Israel)
2.    Circumstance. Dir. Maryam Keshavarz (Francia/USA/Irán)
3.    La conquête. Dir. Xavier Durringer (Francia)
4.    De tu ventana a la mía. Dir. Paula Ortiz (España)
5.    Le gamin au vélo (The Kid With A Bike). Dir. Jean-Pierre y Luc Dardenne (Bélgica/Francia/Italia)
6.    The Guard. Dir. John Michael McDonagh (Irlanda/Reino Unido/Argentina)
7.    Hasta la vista (Come As You Are). Dir. Geoffrey Enthoven (Bélgica)
8.    Medianeras. Gustavo Taretto (Argentina/Alemania/España)
9.    Monsieur Lazhar. Dir. Philippe Falardeau (Canadá)
10.  Les neiges du Kilimandjaro. Dir. Robert Guédiguian (Francia)
11.  El perfecto desconocido. Dir. Toni Bestard (España)
12.  Shan Zha Shu Zhi Lian (Under The Hawthorn Tree). Dir. Zhang Yimou (China)
13.  Starbuck. Dir. Ken Scott (Canadá)
14.  Veljekset (Brothers). Dir. Mika Kaurismaki (Finlandia)
15.  Verdades verdaderas. La vida de Estela. Dir. Nicolas Gil Lavedra (Argentina / España)
16.  W Ciemnosci (In Darkness). Dir. Agnieszka Holland (Canadá/Alemania/Polonia)
17.  Wuthering Heigths.  Dir. Andrea Arnold (Reino Unido)

Como se puede comprobar tenemos presencia española en la Sección Oficial gracias a directores como Toni Bastard (El perfecto desconocido) o Paula Ortiz (De tu ventana a la mía), entre otros.

 


Como es habitual en el certamen vallisoletano, algunos directores acuden prestos a presentar sus nuevos trabajos, caso de Robert Guédiguian con «Las nieves del Kilimanjaro», Zhan Yimou y su película «Bajo el espino»; los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne con «El niño de la bicicleta», y Agnieska Holland con «En la oscuridad». Precisamente, un veterano de la Seminci será el encargado de levantar el telón de la 56 edición con «Habemus Papam», del estimulante Nanni Moretti.

 

También la sección paralela, Punto de Encuentro, ofrecerá una mixtura de comedias y realismo en su programación con un total de 17 títulos de de países como Dinamarca, Finlandia, la india, España, Rusia, Canadá, Alemania, Estados Unidos y Suecia. Precisamente este país escandinavo cuenta con ciclo propio dedicado a los directores más recientes, de los que se podrán ver 17 títulos.
Tiempo de Historia, uno de los pilares identitarios del festival, espacio dedicado a los documentales, en esta ocasión proyectará 14 propuestas con temas como la ayuda humanitaria en Haití, la especulación urbanística o el reporterismo de guerra.
Los cineastas de la Comunidad tienen su propia plataforma con «Castilla y León en corto» donde se proyectan cortometrajes de realizadores que se han formado en la región o han filmado en ella. Sin duda, estos directores como otros realizadores y aficionados al séptimo arte asistirán a la clase magistral del director Fernando León de Aranoa, que se dio a conocer con «Familia» en la Seminci en 1996.
Dentro del capítulo de reconocimientos, las espigas de honor de este año son para la actriz Maribel Verdú y para el productor y presidente de la Academia de Cine, Enrique González Macho.

lunes, 24 de octubre de 2011

Contagio, de Steven Soderbergh



Título original: Contagion. Dirección: Steven Soderbergh. País: USA. Año: 2011. Duración: 106 min. Género: Ciencia-ficción, thriller. Guión: Scott Z. Burns. Producción: Michael Shamberg, Stacey Sher y Gregory Jacobs. Fotografía: Peter Andrews. Música: Cliff Martinez. Montaje: Stephen Mirrione. Diseño de producción: Howard Cummings. Vestuario: Louise Frogley. Estreno en España: 14 Octubre 2011.
Intérpretes: Matt Damon (Mitch Emhoff), Marion Cotillard (Dra. Leonora Orantes), Laurence Fishburne (Dr. Ellis Cheever), Jude Law (Alan), Gwyneth Paltrow (Beth Emhoff), Kate Winslet (Dra. Erin Mears), Chin Han (Sun Feng), Elliott Gould (Dr. Ian Sussman), Josie Ho.

Sinopsis:
El filme narra el rápido progreso de un virus letal que se transmite por el aire y mata en cuestión de días. A medida que va creciendo la epidemia, la comunidad médica mundial lucha contrarreloj para encontrar una cura y controlar el pánico, que se extiende incluso más rápido que el propio virus. Al mismo tiempo, la gente lucha por sobrevivir en una sociedad que se desmorona.

Kate Winslet


Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: El reparto repleto de estrellas. El montaje de la película es prodigioso, como suele tener todas las películas de Soderberg, confiriéndole un ritmo ágil y perfecto. La música de Cliff Martínez muy acorde a las imágenes.
Lo peor de la película: La frialdad de la narración y la falta de emoción (son escasas las escenas dramáticas) impiden la empatía con los personajes.    
 
Trailer de la película:


sábado, 22 de octubre de 2011

Los tres mosqueteros (Paul W.S. Anderson, 2011)



Título original: The Three Musketeers. Dirección: Paul W.S. Anderson. País: USA. Año: 2011. Duración: 110 min. Género: Aventuras.

Guión: Alex Litvak, Andrew Davies (basado en la novela de Alejandro Dumas). Música: Paul Haslinger. Fotografía: Glen MacPherson. Montaje: Alexander Berner. Diseño de producción: Paul D. Austerberry. Vestuario: Pierre-Yves Gayraud. Producción: Paul W.S. Anderson, Jeremy Bolt, Robert Kulzer.

Fecha del estreno: 30 Septiembre 2011 (España).

 

Reparto: Logan Lerman (D’Artagnan), Orlando Bloom (duque de Buckingham), Ray Stevenson (Porthos), Matthew Macfayden (Athos), Milla Jovovich (Milady de Winter), Luke Evans (Aramis), Juno Temple (reina Ana), Christoph Waltz (cardenal Richelieu), Mads Mikkelsen (Rochefort), Til Schweiger (Cagliostro).

 

Sinopsis:

Francia, siglo XVII. Athos, Porthos y Aramis son tres prodigiosos espadachines que pertenecen al cuerpo de mosqueteros del rey Luis XIII de Francia (1610-1643). A París llega un joven y valeroso gascón que ingresa en la guardia del Rey para hacerse mosquetero. Los cuatro tendrán que hacer frente a una maquiavélica conspiración urdida por el cardenal Richelieu para derrocar al rey.

 

Comentarios: 

Anticipándose al estreno en 2012 del film Marvel de los poderosos Vengadores, Paul W.S. Anderson nos mostró en 2011 a su grupo particular de «superhéroes» en la Francia de Luis XIII. Porque eso es lo que nos ofrece con su versión de ‘Los tres mosqueteros’. Bien podemos considerar esta película como un cómic de superhéroes que incluye a Milla Jovovich actuando más como “La Viuda Negra” del famoso súpergrupo norteamericano que como Milady. Sus respectivas piruetas, luchas y acrobacias son más propias de Natasha Romanoff que de la traicionera Condesa De Winter. Por faltar… no falta a la cita ni una réplica del famoso Helitransporte de SHIELD (aquí en forma de un inimaginable barco volador).

Nunca he sido dudoso en mi admiración por el cine de Paul W.S. Anderson. Ahora bien, en esta ocasión se le ha ido el tema de las manos firmando una auténtica “chaladura”. La película visualmente es muy buena y muy divertida, pero Anderson se descontrola por completo. Sus ansias por ofrecer al público algo totalmente nuevo con los personajes de siempre es un error. Y es un error porque las cámaras lentas, las piruetas imposibles, los artefactos estrambóticos y demás… pintan muy bien en cintas modernas del tipo de ‘Resident Evil’, pero en un film “de época de capa y espada” están de sobra. Toda esta «pirotecnia» resta una total credibilidad al producto final. Y, por si fuera poco, no resulta nada apropiada para los míticos personajes creados por Alejandro Dumas.

A destacar que la película se rodó en exteriores de Alemania. Concretamente en algunos de los pueblos y ciudades más impresionantes de toda Baviera. Este rodaje en exteriores fue completado con los interiores en el Studio Babelsberg de Potsdam. El rodaje comenzó un 26 de agosto de 2010 y el departamento de armería tuvo que crear a mano más de 800 armas individuales de época. Esto incluyó distintas armas de fuego, pistolas, mosquetes, dagas, estoques y espadas.

No obstante, el realismo de los escenarios (y de algunas de las armas) contrasta con todo lo demás. Tan es así que Anderson dio orden para que el diseñador de vestuario, Pierre-Yves Gayraud, confeccionara unos estrambóticos disfraces con toques rockeros e irreales. Menos mal que Gayraud no le hizo del todo caso y también se inspiró en los tradicionales trajes de época. Al final el vestuario que se puede ver en la película es una mezcla bastante curiosa.

En relación con todo lo anterior están las imposibles escenas de acción. Las set-pieces que vemos en la película precisaron de muchos efectos visuales. De hecho, el equipo de rodaje utilizó alrededor de 3000 metros de tela verde en los escenarios, es decir que hicieron falta unos 3 kilómetros de fondo verde para crear los efectos especiales.

En el casting tenemos a Logan Lerman, Luke Evans, Ray Stevenson y Matthew Macfayden encarnando a D’Artagnan, Aramis, Porthos y Athos, respectivamente. El D’Artagnan de Logan Lerman resulta bastante molesto por su aire de chulito. Tan es así que te dan ganas de que lo pongan firme. Demasiado irreverente e insufrible. Y esto es un gran problema porque pasa por ser el protagonista principal. Por su parte, Luke Evans, Ray Stevenson y Matthew Macfayden salen mejor librados y están bastante correctos en sus papeles de mosqueteros. El que más me gustó fue Stevenson que dota a Porthos de una poderosa e imponente presencia física. Conviene advertir que, pese a su introducción y presentación inicial, los mosqueteros no dejan de ser meros acompañantes del héroe gascón con todo lo que eso implica.

Por otra banda tenemos a Orlando Bloom que resulta ridículo como el Duque de Buckingham. El actor va vestido con trajes chillones y tupé imposible a lo ‘Algo pasa con Mary’ (Bobby y Peter Farrelly, 1998). También están dos intérpretes contrastados como Christoph Waltz y Mads Mikkelsen que son los más comedidos y, por momentos, parece que estuvieran rodando su particular film. Aquí dan vida a los famosos Cardenal Richelieu y Conde de Rochefort. Naturalmente a esta fiesta de Anderson no puede faltar Milla Jovovich. Nuestra querida Alice se lo pasa en grande siendo la conspiranóica Milady De Winter. Milla pone cara de diablesa y luce varios hermosos vestidos del amplio y fabuloso armario de la producción. Por supuesto resaltar que Milla dispone de varias set-pieces convenientemente preparadas para su lucimiento personal.

Otros actores y actrices que intervienen en el film son: Gabriella Wilde como una insípida Constance. Juno Temple como la Reina en apuros. James Corden en la piel de Planchet, el típico gracioso del film con el que los niños se lo pasarán pipa. Y, finalmente, nos encontramos a un ridículo Freddie Fox dando vida al no menos ridículo Luis XIII de este film.

Una película visualmente espectacular y divertida. Sin embargo, su principal “handicap” es su falta de seriedad y credibilidad (ya no digo «rigor»). A mí me fue imposible tomármela en serio y, en consecuencia, creerme lo que veía. Como película para pasar un rato palomitero de absoluta evasión puede funcionar… pero lejos de eso es mejor emplear sus 110 minutos en otra cosa, puesto que si uno se la toma en serio le quedará la sensación de haber visto una gran tontería. (David González)

No Recomendada.





viernes, 21 de octubre de 2011

Más allá de la "adaptación": "Medea", de Lars von Trier, en DVD



Título originalMedeaAño de producción: 1988, para Danmarks Radio (Dinamarca). Director: Lars von Trier. Guión: Lars von Trier, según un original de Preben Thomsen y Carl Th. Dreyer basado en Medea, de Eurípides. Fotografía: Sejr Brockmann. Música: Joachim Holbeck. Montaje: Finnur Sveinsson. Diseño de producción: Annelise Bailey. Intérpretes: Udo Kier, Kirsten Olesen, Henning Jensen, Sølbjorg Højfeldt, Baard Owe, Ludmila Glinska, Preben Lerdorff Rye.  Editado en España en DVD por “a contracorriente films” (2011).

A finales de los ochenta la radio pública danesa le encargó a Lars von Trier la tarea de llevar a la televisión Medea, una de las grandes tragedias del ateniense Eurípides (480-406 a.C).  Se trataba de rodar un guión adaptado de Preben Thomsen y del gran Carl Theodor Dreyer que en su momento se había quedado en mero proyecto por problemas presupuestarios.  Pero el joven director, al que sólo en segunda instancia se le encomendó por cierto el rodaje, no se limitó a hacer una lectura “plana” del guión de Dreyer.  Según nos anuncia en el texto que acompaña a los títulos iniciales, Medea es un homenaje a Dreyer, pero no una película de Dreyer.  Nos disponemos a ver, en efecto, una película arriesgada, personalísima, que aun “oliendo” al cine del viejo maestro –La pasión de Juana de Arco (1928) y, sobre todo, Gertrud (1964)–, anticipa lo más singular del estilo de Lars von Trier.

Irene Papas en Las Troyanas (1971) de Kakogiannis

La tragedia griega se ha beneficiado de grandes adaptaciones cinematográficas.  Recordemos, si no, el Edipo Re (1967) o la misma Medea (1969) de Pasolini, y la emocionante versión de Las Troyanas filmada en 1971 por Mijalis Kakogiannis.  Gracias a ellas, el espectador se asoma por medio del lenguaje del cine al corazón de los viejos mitos, al meollo que los hace intemporales por dejarnos entrever verdades terribles de la naturaleza humana.  Por “culpa” de estos cineastas, no podemos pensar en Edipo sin hacerlo también en el broche de Yocasta (Silvana Mangano), que abre el camino hacia el sexo culpable y hacia la ceguera del remordimiento; ni en el poder del amor, al que se rinde la espada de Menelao, sin recordar los ojos de Helena (Irene Papas) en la jaula que la encierra como a un animal peligroso.  Algo parecido ocurre después de ver la Medea de Lars von Trier: el espectador asociará para siempre la tragedia de la hija de Eetes con una colina coronada por un árbol muerto de cuyas ramas cuelgan dos cuerpecitos sin vida, una imagen plasmada en el diseño de las letras del cartel original. 

Picado de Kirsten Olesen sobre la arena (Medea)

El destino de Medea, sin cuya ayuda Jasón, el más gris de los héroes griegos, jamás se hubiera apoderado del vellocino de oro, ha inspirado a artistas y literatos a largo de los siglos.  Medea es la extranjera que tiene que sobrevivir en un mundo de griegos y la mujer enamorada que convierte su humillación en la más terrible de las venganzas.  Medea es, por lo tanto, un eco de las mujeres fuertes de Dreyer, sobre todo de Gertrud, y un adelanto de las “heroínas” sufridoras de Lars von Trier, de las protagonistas de Rompiendo las olas (1996), Bailando en la oscuridad (2000), y especialmente de Grace (Nicole Kidman), la némesis terrible que lleva la ruina al pueblo de Dogville  (2003).  Es curioso comprobar cómo un clásico tempranamente “revisitado” puede proporcionarnos las claves interpretativas de uno de los directores más admirados y oscuros del cine actual.

Kirsten Olesen (Medea) y Udo Kier (Jasón) bajo la lluvia

Pero la Medea de Lars von Trier es algo más que la “adaptación” de un clásico a las inquietudes del espectador moderno, lo cual no deja de tener mérito cuando temas como la dialéctica entre occidental y extranjero (el enfoque en el que, por cierto, se recrea la versión de Pasolini) o la condición de la mujer en la sociedad patriarcal, se prestan fácilmente a lecturas “contemporáneas”.  La Medea de Eurípides es eso y mucho más, y el mérito del danés es utilizar los recursos del lenguaje cinematográfico para contarnos la historia con toda la complejidad del texto original.  El hombre frente a la mujer, el afán de poder frente al amor más entregado, el ciudadano frente al bárbaro...Medea también es todo esto, pero antes que nada se trata una historia ajena a toda “moralidad”, a toda “corrección política”, a toda “racionalidad, que nos pone en contacto directo con el “horror” sin tener que mostrar una sola gota de sangre.  Que se produzca o no la subsiguiente “catarsis” es algo que me contaréis después de ver la película.  Ni la más oscura de las películas de “terror” me ha producido jamás una “purificación” semejante.

La maravillosa fotografía –con un tratamiento filtrado de la luz muy del gusto del cine nórdico, con secuencias invadidas literalmente por la niebla–, y el sabio manejo de la cámara –con unos picados de Medea en la playa o sobre la tierra o unos contrapicados del cielo inolvidables y el protagonismo de los primeros planos– convierten el teatro en cine en estado puro, y la música, austera, casi imperceptible, subraya los momentos decisivos de la acción.  Todos estos recursos, finalmente, transforman en símbolo el entorno que rodea a los protagonistas: la naturaleza –las nubes, el agua que baña el cuerpo de Medea desde el mar o desde el cielo, los campos ondulados por el viento por los que se arrastra Jasón, enloquecido, en un círculo que nunca se acaba–, la herida en la pierna del hijo pequeño –que anticipa, por antítesis, su destino final–, o el caballo que galopa sin rumbo alcanzado por el veneno.

El caballo moribundo

En definitiva, una película sobresaliente, una obra excepcional digna de su director, de los guionistas y del poeta ateniense, y una sorprendente vía para conocer las pulsiones secretas del cine del maestro danés.