jueves, 31 de enero de 2013

Lincoln, de Steven Spielberg




Título original: Lincoln. Dirección: Steven Spielberg. País: USA. Año: 2012. Duración: 150 min. Género: Biopic, drama, histórico. Guión: Tony Kushner, John Logan y Paul Webb; inspirado en el libro “Team of rivals: The political genius of Abraham Lincoln”, de Doris Kearns Goodwin. Producción: Kathleen Kennedy y Steven Spielberg. Música: John Williams. Fotografía: Janusz Kaminski. Montaje: Michael Kahn. Diseño de producción: Rick Carter. Vestuario: Joanna Johnston. Estreno en USA: 16 Noviembre 2012. Estreno en España: 18 Enero 2013.
Intérpretes: Daniel Day-Lewis (Abraham Lincoln), Tommy Lee Jones (Thaddeus Stevens), Sally Field (Mary Todd Lincoln), Joseph Gordon-Levitt (Robert Lincoln), David Strathairn (William H. Seward), Tim Blake Nelson  (Richard Schell), James Spader (W.N. Bilbo), Lee Pace (Fernando Wood), Jackie Earle Haley (Alexander Stephens), Hal Holbrook (Preston Blair), John Hawkes (Robert Latham), Bruce McGill (Edwin Stanton), Jared Harris (general Ulysses Grant).
 
Sinopsis:
En 1865, mientras la Guerra Civil Americana se acerca a su fin, el presidente Abraham Lincoln propone la instauración de una enmienda que prohíba la esclavitud en los Estados Unidos. Sin embargo esto presenta un gran dilema: si la paz llega antes de que se acepte la enmienda, el Sur tendrá poder para rechazarla y mantener la esclavitud; si la paz llega después, cientos de personas seguirán muriendo en el frente. En una carrera contrarreloj para conseguir los votos necesarios, Lincoln se enfrenta a la mayor crisis de conciencia de su vida.

Daniel Day-Lewis
 

Calificación: 8, Muy Buena.
Lo mejor de la película: La dirección del maestro Spielberg, conocedor del cine americano, sabe en todo momento en la empresa que se mete, en este caso, una película que emocionará y cautivará al público americano y un poco menos al europeo. Técnicamente insuperable, fruto de un gran presupuesto. En el terreno humano, extraordinarias interpretaciones a cargo del camaleónico Day-Lewis (casi seguro su 3º óscar), la inmensa Sally Field y el impresionante trabajo del gran Tommy Lee Jones.
Lo peor de la película: La estupenda dirección de Spielberg es absolutamente clásica, por lo que la narración no presenta ninguna sorpresa o novedad al respecto. En cuanto a la trama, puede resultar algo lenta, sobre todo, a los espectadores no americanos.
 
Trailer de la película:

martes, 29 de enero de 2013

Copy Shop, de Virgil Widrich


COLECCIÓN DE CORTOS PROYECTADOS EN EL TALLER DE CINE


Título original: Copy Shop. Dirección: Virgil Widrich. País: Austria. Año: 2001. Duración: 11 minutos. Guión: Virgil Widrich. Producción: Virgil Widrich Film und Multimediaproducktions. Dirección de Arte: Joachim Luetke. Fotografía: Martin Putz, en blanco y negro. Montaje: Virgil Widrich. Sonido: Alexander Zlamal. Música: Alexander Zlamal.

Intérpretes: Johannes Silberschneider, Elisabeth Ebner-Haid.
                       
Sinopsis: Un hombre empleado en una tienda de reprografía hace accidentalmente una copia de su propia mano, un simple error que conduce a que la fotocopiadora cobre vida propia y comience a crear de forma descontrolada copias de su propia persona.

Consideraciones: No se trata sólo de un guión muy original, sino que tiene además unos excelentes efectos visuales conseguidos gracias a un arduo trabajo de ocho meses: se rodaron en vídeo 18.000 fotogramas que después se fotocopiaron y manipularon para volver a filmarlos.

Prestar atención: A la laboriosidad técnica de carácter artesanal, más meritoria que si hubiera sido una duplicación por ordenador. El tratamiento de la imagen recuerda mucho al de una copia impresa y los efectos introducidos, a los de una fotocopiadora, con lo que se refuerza el hilo argumental. Se nos transmite un mensaje pesimista: todos somos intercambiables; estamos abocados a la alienación y a la pérdida de personalidad; y si hay algún intento de rebelión para cambiar esto, sólo queda la caída definitiva y la disolución en la masa.


domingo, 27 de enero de 2013

El lado bueno de las cosas, de David O. Russell



 
Título original: Silver linings playbook. Dirección: David O. Russell. País: USA. Año: 2012. Duración: 122 min. Género: Comedia dramática, romance. Guión: David O. Russell; basado en la novela de Matthew Quick. Producción: Bruce Cohen, Donna Gigliotti y Jonathan Gordon. Música: Danny Elfman. Fotografía: Masanobu Takayanagi. Montaje: Jay Cassidy y Crispin Struthers. Diseño de producción: Judy Becker. Vestuario: Mark Bridges. Estreno en USA: 25 Diciembre 2012. Estreno en España: 25 Enero 2013.
Intérpretes: Bradley Cooper  (Pat), Jennifer Lawrence (Tiffany), Robert De Niro (Sr. Pat), Jacki Weaver  (Dolores), Chris Tucker (Danny), Julia Stiles (Veronica), Shea Whigham (Jake), John Ortiz (Ronnie).
 
Sinopsis:
Tras pasar ocho meses en una institución mental por agredir al amante de su mujer, Pat (Bradley Cooper) vuelve con lo puesto a vivir en casa de sus padres (Robert De Niro y Jacki Weaver). Determinado a tener una actitud positiva y recuperar a su ex-mujer, el mundo de Pat se pone del revés cuando conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence), una chica con ciertos problemas y no muy buena fama en el barrio. A pesar de su mutua desconfianza inicial, entre ellos pronto se desarrollará un vínculo muy especial que les ayudará a encontrar en sus vidas el lado bueno de las cosas.
 
Jennifer Lawrence y Bradley Cooper
 
Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: La turbadora presencia en escena de Jennifer Lawrence, muy bien dirigida por Russell, junto a un reparto de altura. Lo más preferido es el estupendo número musical, a ritmo de baile, con que nos deleita los protagonistas.
Lo peor de la película: Un final decepcionante, algo previsible y demasiado edulcorado. Se podían haber ahorrado el episodio de “partido” de fútbol/beisbol. La cinta se estira demasiado hasta las dos horas de duración.
 
Trailer de la película:
 
 

viernes, 25 de enero de 2013

Adiós a Fernando Guillén





«Nací al cine con 7 años viendo "Horizontes perdidos"»

 
Voz luminosa, efigie de roble clásico, dicción perfecta, imprescindible Don Juan en blanco y negro de los infiernos al cielo, intérprete de la memoria cinematográfica, televisiva y teatral española de los últimos sesenta años, luchador eterno por la modernización de la escena frente a la mordaza del franquismo, Fernando Guillén se sentía un privilegiado como actor porque desde su bendita coherencia sostenía que «tenemos la inmensa suerte de que nos pagan por jugar». Su muerte, después de una larga enfermedad, ha encogido el corazón de sus admiradores, que son legión. Fernando Guillén talló su muesca en centenares de obras en teatro, cine y televisión, además de incardinar su voz al doblaje de inolvidables personajes.

Fernando Guillén nació en Barcelona en noviembre de 1932. Al cine se enganchó a los siete años viendo «Horizontes perdidos», de Frank Capra. Tras concluir el bachillerato, se matriculó en la Universidad de Madrid para estudiar Derecho, pero comenzó a colaborar en algunas obras de las que se representaban en el Teatro Español Universitario, como «Tres sombreros de copa» (1952), de Miguel Mihura, o «Escuadra hacia la muerte» (1953), de Alfonso Sastre, lo cual le hizo descubrir su vocación de intérprete y abandonar la carrera. En aquella época coincidió con jóvenes y barbilampiños talentos como Adolfo Marsillach, Agustín González y Juanjo Menéndez.

En la década de los cincuenta, Fernando Guillén se enroló en las mejores filas: en las compañías de Fernando Fernán-Gómez, y de Conchita Montes. «Proceso a Jesús», «Réquiem por una mujer», «Un soñador para un pueblo» o «Muerte de un viajante» fueron algunas de las obras maestras que interpretó. En los años sesenta siguió protagonizando obras muy prestigiosas, como «Divinas palabras», «La dama del alba», «Deseo bajo los olmos», «Pigmalión», «Madre coraje» o «Seis personajes en busca de autor».



 
A finales de la década sesentera, Guillén formó su propia compañía teatral, junto con su esposa, la también actriz Gemma Cuervo, de cuya unión nacieron los también actores Fernando y Cayetana, además de otra hija, Natalia.

Excelso doblador, Fernando Guillén se hizo imprescindible en televisión y cine, donde comenzó con «Un día perdido», de José María Forqué. En la pequeña pantalla consolidó su carrera como actor desde finales de los cincuenta, debutando cuando el nuevo mueble parlanchín del saloncito de casa principiaba en España, en 1958; ese año, Fernando Guillén trabajó en la adaptación de «Pesadilla», de William Irish, bajo las órdenes de Juan Guerrero Zamora. En el programa Estudio 1 de TVE representó numerosas obras, al igual que en el espacio Novela, junto con su mujer Gemma Cuervo («Levántate y lucha», «Marie Curie» o «El fantasma de doña Juanita», entre otras).

Más tarde, en la pequeña pantalla, encarnaría a personajes en series como «Historias para no dormir», de José Luis Garci; «La saga de los Rius», «Brigada Central», «Los jinetes del alba», «Inquilinos», «Hospital Central», «Motivos personales» o «Los misterios de Laura». En Berlín había cazado un oso de oro televisivo con «Un mundo sin luz». De esas tinieblas le sacó «La saga de los Rius», inolvidable. Así le «contrataron», en un ascensor, con dos tipos de negro que se dieron la vuelta y le preguntaron si había nacido en Barcelona:
 


 
Fernando Guillén fue un rostro habitual en las inolvidables creaciones de Adolfo Marsillach, Alberto González Vergel o Pilar Miró. También su participación en la adaptación de la obra de José Zorrilla, Don Juan Tenorio.

Hace un lustro, en el Teatro Español -donde debutó con José Tamayo-, con «El vals del adiós», Fernando Guillén anunció su retirada de las tablas, del arte de Talía, a los 75 años de edad. Prefirió seguir dedicándose al cine y la televisión «porque exigen menos compromiso y esfuerzo», confesaba. Y abundaba: «La memorización de los textos es cada vez más complicada y los ensayos más duros, porque en el cine y la televisión tienen la dureza del ratito, pero los tres meses que dura una obra de teatro son muy especiales». Fernando Guillén encarnaba a Louis Aragón, un hombre sentado ante un escritorio, que repasando una carta plasmaba todos los instantes de su vida y mezcla su dolor, su rabia y su desazón, con el humor sórdido y mordaz de los años que precedieron a su suicidio. «Es el propio autor el que lee y relee esa carta antes de mandarla para su publicación, y se angustia porque está solo, ya que hacía dos años que había perdido a su mujer. Es una epístola de despedida en la que refleja sus contradicciones y hace una premonición de su propio suicidio», reflexionaba Fernando Guillén.

Y ¿cómo le descubrió el cine? Así lo revelaba en sus confesiones a TVE: «Nada más iniciada la Transición, dejé de hacer teatro porque el cine me descubrió gracias a una película de serie B muy barata, que protagonizábamos mi querido Agustín González y yo, “El caso Almería”, se titulaba, y que tocaba un tema muy sangrante y duro -se metía con la Guardia Civil- y tuvo una resonancia muy grande. Estuvo como quince años sin hacer teatro y luego regresé intentando respetar mi misma línea».

En cine, Fernando Guillén participó con regularidad a partir de los años 80 y 90, bajo la dirección de Fernando Fernán-Gómez, de Pedro Almodóvar en «Mujeres al borde de un ataque de nervios», «La ley del deseo» o «Todo sobre mi madre»; «El abuelo», «You're the one», «Tío vivo», «La herida luminosa»...con José Luis Garci; «La noche oscura», con Carlos Saura; «Más allá del jardín», junto a Concha Velasco; o con anterioridad en producciones como «El pico II», «La estanquera de Vallecas», o «El mar y el tiempo». Además, ha trabajado a las órdenes de José María Forqué, Pedro Lazaga, Imanol Uribe, Gonzalo Suárez y Álex de la Iglesia. «La telaraña», «Tirano Banderas», «Acción mutante», «La nave de los locos». «Operación Fangio» o «El florido pensil» forman parte de la filmografía de tan extraordinario y querido actor, que bordó así la enfermedad de Alzheimer en «Otros días vendrán»:

Fernando Guillén en "Don Juan de los Infiernos"
 
Fernando Guillén fue tres veces candidato al Premio Goya: al final obtuvo el preciado cabezón goyesco con la película «Don Juan en los Infiernos», que también le supuso un Fotogramas de Plata, junto a otros dos filmes, «Martes de Carnaval» y «¿Qué te juegas Mari Pili?». Por «La Saga de los Rius» le fue concedido el TP de Oro, todo ello entre muchos otros galardones y reconocimientos, como el premio Ercilla. Su última interpretación fue un cortometraje de la sevillana Celia Rico titulado "Luisa no está en casa" junto con Asunción Balaguer. «Pero eso de los premios los tengo un poco olvidados...» Jamás olvidó su privilegiada coherencia, de la que era paladín Fernando Guillén, el inolvidable actor de voz y mirada luminosa. Descanse en paz.

jueves, 24 de enero de 2013

Jack Reacher, de Christopher McQuarrie

 


Título original: Jack Reacher. Dirección: Christopher McQuarrie. País: USA. Año: 2012. Duración: 130 min. Género: Thriller. Guión: Josh Olson y Christopher McQuarrie; basado en la novela “Un disparo”, de Lee Child. Producción: Don Granger, Gary Levinsohn y Kevin J. Messick. Música: Joe Kraemer. Fotografía: Caleb Deschanel. Montaje: Kevin Stitt. Diseño de producción: James D. Bissell. Vestuario: Susan Matheson. Estreno en USA: 21 Diciembre 2012. Estreno en España: 11 Enero 2013.
Intérpretes: Tom Cruise (Jack Reacher), Rosamund Pike (Helen), Richard Jenkins  (Rodin), Werner Herzog (el Zec), David Oyelowo (Emerson), Robert Duvall  (Cash), Jai Courtney (Charlie), Alexia Fast (Sandy).
 
Sinopsis:
Jack Reacher (Tom Cruise), un antiguo policía militar que vive semiescondido como un vagabundo y que trabaja por su cuenta, decide investigar el caso de un francotirador que ha sido acusado de matar, por puro azar, a cinco personas en un tiroteo. Al ser interrogado, el francotirador se declara inocente y, además, exige la presencia de Jack Reacher.
 
Tom Cruise
 

Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: Otra película más de “hostias y tiros” de Tom Cruise. A sus 50 años se ha convertido en un actor mítico de películas de este género. Filme recomendado a los amantes del cine de acción, no les defraudará. Atentos, lo mejor de la peli está en sus 5 primeros minutos, donde por cierto, no sale Cruise. Fantástica la edición del sonido y el montaje.
Lo peor de la película: Un actor con quince años menos le vendría mejor el papel de Reacher, pero claro, no sería Tom Cruise. Y la gente va al cine a verlo a él. Pues venga, a empacharse con él.
 
Trailer de la película:
 
 

martes, 22 de enero de 2013

Cine y Pintura: Vincent Van Gogh


El 22 de enero de 2013, a las 18:00 horas, en el Salón de Actos de C.I.C.U.S. (Calle Madre de Dios, 1), tendrá lugar una nueva actividad de nuestra Asociación sobe Cine & Pintura. En este caso, será en torno a la figura del pintor neerlandés Vincent van Gogh (1853-1890), uno de los principales exponentes del postimpresionismo.

 

La actividad comenzará con una conferencia a cargo de Juan Ramón Barbancho, Doctor en Historia del Arte. Crítico y comisario independiente. Miembro del Instituto Español de Arte Contemporáneo y de la PPACC (Plataforma de Profesionales del Arte Contemporáneo en Córdoba). La conferencia será “El loco del pelo rojo: Un análisis de la figura y la pintura de Van Gogh”.

 

Tras la conferencia, tendremos ocasión de proyectar el film “El loco del pelo rojo” (Vincente Minelli, 1956), donde se nos muestra una magnifica reconstrucción biográfica de uno de los mayores genios de la pintura de todos los tiempos. El siempre atormentado Vincent Van Gogh, es interpretado a la perfección por un Kirk Douglas que sabe destilar en cada gesto la angustia vital del personaje, cuyos cuadros alcanzaron cifras millonarias muchos años después de su muerte (solo consiguió vender una obra en vida). Por otro lado, Anthony Quinn está enorme en su interpretación de Paul Gaugin, al que sabe dar ese aire arrogante y pendenciero, tan alejado del humilde y retraído Vincent. Los hechos biográficos van mezclándose sabiamente con imágenes de sus cuadros más famosos. Otro Vincent, Minelli, se muestra como uno de los grandes maestros del color en el cine, consiguiendo un film de una enorme belleza visual.

 

Tras la proyección de la película, tendremos oportunidad de debatir con el invitado sobre diferentes aspectos de la película y de la obra del pintor.

 

Fusionar estas dos disciplinas artísticas, Cine y Pintura, es enormemente enriquecedor. Muchas gracias a todos y todas por la asistencia y, en especial, a nuestro invitado Juan Ramón Barbancho por darnos a conocer sus conocimientos.

 


lunes, 21 de enero de 2013

Amor es todo lo que necesitas, de Susanne Bier




Título original: Den skaldede frisør. Dirección: Susanne Bier. Países: Dinamarca e Italia. Año: 2012. Duración: 112 min. Género: Comedia romántica. Guion: Anders Thomas Jensen. Producción: Sisse Graum Jorgensen y Vibeke Windelow. Música: Johan Söderqvist. Fotografía: Morten Søborg. Montaje: Pernille Bech Christensen y Morten Egholm. Diseño de producción: Peter Grant. Vestuario: Signe Sejlund. Estreno en Dinamarca: 6 Septiembre 2012. Estreno en España: 21 Diciembre 2012.
Intérpretes: Pierce Brosnan (Phillip), Tryne Dyrholm (Ida), Kim Bodnia (Leif), Molly Blixt Egeling (Astrid), Paprika Steen (Benedikte), Sebastian Jessen (Patrick).
 
Sinopsis:
Dos familias se reúnen en la localidad italiana de Sorrento para asistir a una boda. Philip, un hombre de negocios dedicado a la venta de verduras, e Ida, una mujer enferma de cáncer que ha perdido el pelo y ha dejado a su marido son los protagonistas.

Sebastian Jessen y Pierce Brosnan

Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: No se esperaba menos de Bier, después de su óscar en Hollywood (En un mundo mejor). No nos dejemos engañar por la etiqueta que le ponen algunos a la película: ”comedia romántica”. Esta película es mucho más que eso. Nos sorprende el poder que tiene Bier de definir y perfilar un mosaico de personajes interesantísimos para conocer.  Unos exteriores maravillosos (sur de Italia) y una música muy afortunada.
Lo peor de la película: El previsible final entre Ida y Phillip, no así el de otros personajes.
 
Trailer de la película: