domingo, 29 de abril de 2012

Patricia Ferreira gana la Biznaga de Oro en Málaga




La película Los niños salvajes, dirigida por Patricia Ferreira, ha sido la ganadora de la Biznaga de Oro al mejor largometraje en el 15º Festival de Cine Español de Málaga, según el palmarés dado a conocer por el presidente del jurado, el cineasta Gonzalo Suárez.

Los niños salvajes ha ganado también los premios al mejor guión, para Patricia Ferreira y Virginia Yagüe; a la mejor actriz de reparto, para Aina Clotet, y al mejor actor de reparto, para Álex Monner, aunque en este caso "ex aequo" con Álvaro Cervantes por El sexo de los ángeles.

La triunfadora del certamen malagueño es una película "que toma partido por los adolescentes y es una defensa absoluta de los jóvenes y una llamada de atención a los adultos", según afirmó la propia directora en el Festival. “A pesar del título -aclaró Ferreira- ni los niños son salvajes, ni vienen de familias desestructuradas, ni son delincuentes comunes, ni se drogan: es el término con el que los adultos nos referimos a los adolescentes cuando los vemos actuar por las calles, a lo mejor porque hemos olvidado lo que hemos sido y la necesidad que tuvimos de gritar y decir aquí estamos".


 


Mientras, el premio al mejor director ha sido para Imanol Uribe por Miel de naranjas, y el premio al mejor actor, para Antonio Dechent por A puerta fría, de Xavi Puebla, película que también se ha alzado con el premio de la crítica.
El jurado ha otorgado su premio especial a Carmina o revienta, ópera prima como cineasta del actor Paco León, que también ha logrado el premio del público y el premio a la mejor actriz, para su madre Carmina Barrios.
La Biznaga de Plata a la mejor banda sonora original ha sido para Aziza Brahim por Wilaya, de Pedro Pérez Rosado; la de mejor fotografía, para Sergi Gallardo por El sexo de los ángeles, de Xavier Villaverde; la de mejor montaje, para Koldo Idígoras por The Pelayos, y la de mejor guionista novel, para Remedios Crespo por Miel de naranjas.
Además de estos premios, el jurado ha concedido menciones especiales a la película Kanimambo, de Abdelatif Hwidar, Carla Subirana y Adán Aliaga, y a Ángela Molina en la categoría de mejor actriz de reparto por Miel de naranjas.


 


Junto a Gonzalo Suárez han formado parte del jurado los actores Goya Toledo, Raúl Arévalo e Inma Cuesta, la productora Isona Passola, el cineasta mexicano Iván Trujillo y el pintor Enrique Brinkmann.

Por su parte, el jurado joven del Festival de Málaga, formado por alumnos universitarios, ha concedido su premio a Memoria de mis putas tristes, adaptación de la novela homónima de Gabriel García Márquez dirigida por el danés Henning Carlsen.

Destacar, por último, la Biznaga de Plata al Mejor Cortometraje. En esta ocasión, recayó en Aquel no era yo, de Esteban Crespo.

Enhorabuena a los premiados y hasta el próximo año.

Os dejamos, con el trailer de la película ganadora. La esperaremos con impaciencia en la cartelera.


sábado, 28 de abril de 2012

La pesca del salmón en Yemen, en cartelera



Título original: Salmon fishing in the Yemen. Dirección: Lasse Hallström. País: Reino Unido. Año: 2012. Duración: 107 min. Género: Comedia romántica. Guión: Simon Beaufoy, basado en la novela de Paul Torday. Producción: Paul Webster. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Terry Stacey. Montaje: Lisa Gunning. Diseño de producción: Michael Carlin. Vestuario: Julian Day. Estreno en Reino Unido: 20 Abril 2012. Estreno en España: 20 Abril 2012.
Intérpretes: Ewan McGregor (Dr. Fred Jones), Emily Blunt (Harriet Chetwode-Talbot), Kristin Scott Thomas(Patricia Maxwell), Amr Waked (jeque Mohamed ben Zaidi bani Tihama).

Sinopsis:
El doctor Alfred Jones (Ewan McGregor) trabaja en el Centro Nacional para el Fomento de la Piscicultura, donde realiza investigaciones sobre la reproducción de los moluscos. Mohamed ben Zaidi bani Tihama (Amr Waked), un acaudalado jeque yemení, se interesa por la introducción del arte de la pesca con mosca en las montañas del norte de Yemen. Jones rechaza inicialmente la oferta de dirigir el proyecto, pero un asesor del primer ministro británico le obliga a aceptar con el fin de mejorar la imagen del país en el mundo árabe. Así pues, el doctor Jones se ve obligado a colaborar con una  joven y atractiva representante del jeque y lanzarse a la aventura.

Kristin Scott Thomas

Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: Destaca la interpretación de Kristin Scott Thomas y su personaje, sobre el que descansa gran peso de la sátira política. Muy bueno el tono de comedia que predomina en la primera mitad de la cinta.
Lo peor de la película: El romanticismo y la fabulación con pretensiones trascendentes van desvirtuando la comedia. Las incursiones terroristas en la trama también descolocan un poco. En este caso, la mezcla de géneros, más que aportar originalidad, diluye la comicidad lograda.


Tráiler de la película:


viernes, 27 de abril de 2012

Los mocosos, de François Truffaut


COLECCIÓN DE CORTOS PROYECTADOS EN EL TALLER DE CINE


Título original: Les mistons. Dirección: François Truffaut. País: Francia. Año: 1957. Duración: 17 minutos. Guión: François Truffaut, según la novela de Maurice Pons. Producción: Les Films du Carrose. Dirección de Producción: Robert Lachenay. Fotografía: Jean Malige, en B/N. Montaje: Cécile Decugis. Música: Le Roux.

Intérpretes: Bernadette Lafont, Gérard Blain, “los mocosos” y Michel François en la voz en off.
                       
Sinopsis: En pleno verano de la Provenza, una pandilla de “mocosos” (“les mistons”) andan secretamente enamorados de la joven Bernadette. Contrariados por la llegada de un intruso, que comienza a salir con la chica, deciden declararle la guerra a la pareja.

Consideraciones: Obtuvo el premio a la mejor dirección del Festival del Cine Mundial de Bruselas de 1958 con este cortometraje, el segundo que realizó. Con él convenció a la crítica de la posibilidad de llevar nuevos aires al cine francés, como propugnaba desde Cahiers du Cinéma, sirviendo de carta de presentación para su siguiente trabajo, Los cuatrocientos golpes. Estamos en los albores de la Nouvelle Vague.

Prestar atención: A la sensación de libertad que desprende el corto, libertad proclamada por Truffaut en su teoría sobre el cine de autor. Vemos las primeras pinceladas de lo que serán constantes del director: el romance trágico, el punto de vista de los niños, el rodaje en exteriores (Nîmes), la mirada nostálgica, el erotismo femenino en el sensual marco de la naturaleza. Prestar atención también a las referencias cinematográficas que aparecen: El Regador regado (1895), Roma, ciudad abierta (1945) de Rossellini, del que Truffaut había sido ayudante de dirección, y Perros perdidos sin collar (1955) de Jean Delannoy (los chiquillos destrozan el cartel de dicha película cuyo director fue duramente criticado desde Cahiers du Cinéma al ser representante del cine tradicionalista francés de los años 50, “cinéma de qualité”, academicista y literario en exceso).

Bernadette Lafont

Cortometraje presentado por Joaquín Ritoré en el Taller de Cine.

jueves, 26 de abril de 2012

Universo Kieslowski: Dekalog, Dwa


CAPÍTULO 2. No invocarás el nombre de Dios en vano.




Dirección: Krzysztof Kieslowski.
Guión: Krzysztof Kieslowski y Krzystof Piesiewicz.
Fotografía: Edward Klosinskm.
Música: Zbigniew Preisnen
Sonido: Malgorzata Jaworska.
Dirección Artística: Halina Dobrowolska.
Montaje: Ewa Smal.
Producción: Ryszard Chutkowski para la Televisión Polaca.
Duración: 57'

Intérpretes:
Krystyna Janda (Dorota), Aleksander Bardini (el médico), Olgierd Lukaszewicz (Andrzej), Artur Barcis (el joven), Stanislaw Gawlik (el cartero), Krzystof Kumor (el ginecólogo), Macej Szary (el guarda), Krystyna Bigelmajer (la secretaria), Karol Dillenius (enfermo), Ewa Ekwinska (la señora Basia), Jerzy Fedorowicz (Janek), Piotr Siejka (médico), Aleksander Trabczynski.

Sinopsis:
Medicina, juramentos, y el dilema moral más brutal de la serie. Estratosférica actuación del viejo doctor. Dorota visita a Andrzej, su esposo moribundo, en el hospital. Ella está embarazada de otro hombre. Consulta con el doctor si su marido morirá. Ha tomado una determinación: si muere tendrá el bebé, pero si vive, abortará. El médico se ve obligado a tomar una decisión. Le dice que su marido morirá. Sin embargo, Andrzej sobrevive. Entonces, Dorota le dice a Andrzej que van a tener un hijo y él piensa que es suyo.



Fotograma de Dekalog Dwa


Reflexiones:

Segundo de los diez capítulos que Kieslowski realizó para la televisión pública polaca entre 1989 y 1990 sobre los Diez Mandamientos.

La historia se desarrolla en un barrio de Varsovia de grandes bloques de hormigón en el que se desenvuelven todas las historias relacionadas con las Sagradas Escrituras.

En esta ocasión, el argumento se centra en el Mandamiento “No invocarás el nombre de dios en vano”. En este capítulo, se cruzan las vidas de dos vecinos del mismo bloque, un doctor (Aleksander Bardini), y una mujer músico, llamada Dorota Geller (Krystyna Janda), una mujer profundamente sumida en una gran tristeza ocasionada por el dilema que se le presenta en el momento en que su marido está ingresado en un hospital esperando la muerte. Ella tiene el corazón dividido entre dos hombres: por una parte, su marido, y por otra un amigo con el que le ha sido infiel y del que se ha quedado embarazada. Ella se carcome por dentro debido a una profunda duda: abortar esperando la recuperación de su marido o tener al hijo y marcharse con su amante sabiendo que su marido es un  enfermo terminal.

El problema es: si el marido vive, el niño muere; y si el marido muere, el niño vive. Entonces ella habla con el médico y se lo explica, y éste quiere a toda costa que no aborte. Ahí veo al médico como si fuera Dios, porque el médico días antes sabía que el marido iba mejorando; no obstante, le dijo que estaba peor, que no abortara. Una decisión muy complicada para cualquier ser humano. Aquí el médico está tomando el nombre de Dios en vano, porque sólo Dios –para los creyentes- es el único que sabe cuándo morirá.

La película está llena de símbolos, con poco o ningún diálogo; refleja muy bien la Polonia postcomunista, con sus miserias, dudas y esperanzas. Uno de los símbolos más claros que Kieslowski emplea es el insecto saliendo del vaso, agarrándose a la cuchara: para mí es un canto a la vida. Y el vaso de café que ella tira intencionadamente es el aborto, la muerte.

Cuando ella va al hospital a ver a su marido, en otra sala hay un enfermero que la está observando, que no tiene nada que ver con los personajes centrales de la historia,  sale en ese momento y no vuelve a aparecer; bajo mi punto de vista parece como si fuera el ojo de Dios.

La racionalidad de sus personajes nunca alcanza para abarcar la complejidad del problema, la resolución siempre contiene al misterio, algo que opera por fuera de cualquier tipo de racionalidad o planificación. Así como el problema surge de lo contingente, en su solución opera lo misterioso. Lo que los personajes aportan es la persistencia, el deseo; el acto vital de sostenerse en la oscuridad, de no darse por vencido.

Para finalizar, el marido sale del hospital recuperado “milagrosamente” y va a ver al médico y le comenta que su mujer está esperando un hijo, ajeno totalmente a la realidad de este hecho. Aquí Kieslowski nos plantea la utopía de un amor único (Dios único), el azar en la paternidad biológica (origen de la vida) y sobre todo la prepotencia de la ciencia (el hombre como centro de la creación), desnuda la fragilidad de cualquier postulado, tanto físico como racional, a través de una simple historia tan cotidiana como compleja.

Como colofón, cito una frase bíblica: “Todo pecado y blasfemia será perdonado al hombre; mas la blasfemia contra el espíritu no será perdonada” (Mateo, XII, 31, 32).

Trabajo presentado en el Taller de Cine por Toñi Pascual Álvarez.


Aleksander Bardini (el médico)



Reflexiones:

Vemos perfectamente reflejado en este capítulo del Decálogo que nada podemos hacer ante la casuística y el comportamiento de la naturaleza que se rige por un azar que escapa de nuestro control.

El ser humano piensa que es dueño de su destino y creemos que sabemos cómo somos y cómo funcionamos y que podemos intuir lo que pasará.

En este episodio del Decálogo tenemos a dos personajes que son vecinos aunque no tienen una estrecha relación. Él, médico de profesión, cuenta entre sus pacientes con el marido moribundo de ella, personaje que se encuentra en un conflicto ya que está embarazada de su amante. Lo que une a estos dos personajes es la necesidad de ella de saber que su marido va a morir para seguir adelante con el embarazo o no.

Tenemos en este episodio dos fuertes dilemas:

  • Carlota que ama a dos hombres, su marido, enfermo terminal y estéril y, su amante, un músico de éxito del que espera un hijo.
  • El Doctor que intenta salvar vidas aunque nada pudo hacer por la de su propia familia.

Igualmente encontramos una serie de símbolos que nos llevan al mensaje de la película por ciertos recovecos: un ficus que poco a poco es podado hasta que se destruye, un vaso de agua que ella tira al suelo y se hace añicos. Estos dos primeros símbolos parecen indicar que el marido morirá como vaticina el médico pero…    

Por otro lado, un insecto atrapado en un vaso consigue escapar por una cuchara cuando parecía del todo improbable. Con un maravilloso plano detalle de cámara subjetiva descubrimos el mensaje final de la película: el marido habla con el médico y le dice “He vuelto de ahí. Vamos a tener un bebé”. Es decir, que el médico se equivocó y el marido no falleció, la mujer no abortó aunque tenía la cita para hacerlo y el marido aceptó tener un bebé aun a sabiendas de que no era suyo.

Cuando el médico contesta a la pregunta que le hace ella “¿Usted cree en Dios?” le dice “Tengo un dios que supongo que a mí me basta” ella le recrimina diciéndole “¿Privado? Pues vaya pidiendo la absolución”. No podemos invocar el nombre de Dios en vano.

Trabajo presentado en el Taller de Cine por Ana Salas Cardona.


Krystyna Janda (Dorota)


Os dejamos con una secuencia, en la que Dorota visita a su vecino, el doctor que tiene como paciente a su marido, Andrzej, ingresado en el hospital. Dorota quiere arrancarle alguna información al médico sobre el estado de Andrzej. Por otro lado, conviene conocer que, dos años atrás, Dorota había atropellado con su coche el perro del médico. La verdad es que la reacción del médico a la llamada de Dorota no es muy amable, al menos, en estos primeros instantes del capítulo. Fijémonos.





CAPÍTULO 3. Santificarás las fiestas.

miércoles, 25 de abril de 2012

Los juegos del hambre, en cartelera




Título original: The Hunger Games. Dirección: Gary Ross. País: USA. Año: 2012. Duración: 142 min. Género: Ciencia-ficción, drama. Guión: Gary Ross, Suzanne Collins y Billy Ray; basado en la novela de Suzanne Collins. Producción: Nina Jacobson y Jon Kilik. Música: James Newton Howard. Fotografía: Tom Stern. Montaje: Stephen Mirrione y Juliette Welfling. Diseño de producción: Philip Messina. Vestuario: Judianna Makovsky. Estreno en USA: 23 Marzo 2012. Estreno en España: 20 Abril 2012.
Intérpretes: Jennifer Lawrence (Katniss Everdeen), Josh Hutcherson (Peeta Mellark), Liam Hemsworth (Gale Hawthorne), Elizabeth Banks (Effie Trinket), Woody Harrelson (Haymitch Abernathy), Wes Bentley (Seneca Crane), Donald Sutherland  (presidente Snow), Lenny Kravitz (Cinna), Stanley Tucci (Caesar Flickerman), Isabelle Fuhrman (Clove), Toby Jones (Claudius).

Sinopsis:
Lo que en el pasado fueron los Estados Unidos, ahora es una nación llamada Panem: un fastuoso Capitolio ejerce un control riguroso sobre los doce distritos que lo rodean y que están aislados entre sí. Cada distrito se ve obligado a enviar anualmente un chico y una chica entre los doce y los dieciocho años para que participen en los Hunger Games, que son transmitidos en directo por la televisión. Se trata de una lucha a muerte, en la que sólo puede haber un superviviente. Katniss Everdeen, una joven de dieciséis años, decide sustituir a su hermana en los juegos; pero para ella, que ya ha visto la muerte de cerca, la lucha por la supervivencia es su segunda naturaleza.

Jennifer Lawrence

Calificación: 5, Mediana.
Lo mejor de la película: El comienzo es esperanzador, pero poco a poco se va desinflando, hasta caer en el último tercio completamente tedioso. Y es que 142 minutos son muchos minutos de película. En el haber, su protagonista principal,  Jennifer Lawrence, y unos secundarios maravillosos que, a veces, nos da vergüenza ajena verlos disfrazado en esta película, como Stanley Tucci o Toby Jones, por citar sólo dos. La música, del gran Newton Howard, enfatiza mucho las imágenes.
Lo peor de la película: La larga duración del filme lo hace tedioso y el final, preparado para una secuela. Ya tenemos con “Los juegos del hambre” un nueva saga cinematográfica, tipo “Crepúsculo”. ¡A comer palomitas!
 
Trailer de la película:


martes, 24 de abril de 2012

Cairo time, en cartelera




Título original: Cairo time. Dirección y guión: Ruba Nadda. Países: Canadá, Irlanda y Egipto. Año: 2009. Duración: 90 min. Género: Drama, romance. Producción: Daniel Iron y David Collins. Música: Niall Byrne. Fotografía: Luc Montpellier. Montaje: Teresa Hannigan. Diseño de producción: Tamara Conboy. Vestuario: Brenda Broer. Estreno en Canadá: 9 Octubre 2009. Estreno en España: 13 Abril 2012.
Intérpretes: Patricia Clarkson (Juliette Grant), Alexander Siddig (Tareq Khalifa), Elena Anaya (Kathryn), Amina Annabi (Yasmeen), Tom McCamus (Mark), Mona Hala (Jameelah), Fadia Nadda (Hanan).
 
Sinopsis:
Breve e inesperada historia de amor de una mujer casada, Juliette (Patricia Clarkson), editora de una revista de moda, que viaja a El Cairo para reunirse con su marido y pasar unas vacaciones de tres semanas. Sin embargo, ante la imposibilidad de estar con ella por motivos de trabajo, su marido Mark (Tom McCamus) envía a su amigo de confianza, Tareq (Alexander Siddig), para hacerle compañía. Tareq la guía a través de los lugares, sonidos y costumbres únicos de la ciudad egipcia y surgen sentimientos inesperados que conducen, por sorpresa, a un despertar de la emoción en Juliette.


Patricia Clarkson


Calificación: 5, Mediana.
Lo mejor de la película: Las estupendas estampas que podemos ver de El Cairo. Muy recomendada para los amantes de Egipto. La música y la fotografía son muy correctas.
Lo peor de la película: La historia romántica que nos cuenta Nadda nos parece muy poco novedosa. El tema de la mujer madura que encuentra un nuevo amor de la noche a la mañana, resucitando sentimientos y aventuras propias de la adolescencia, lo hemos visto muchas veces en el cine. Basta recordar la excelente “Breve encuentro” de David Lean o la estupenda “Los puentes de Madison” de Clint Eastwood. Aquí la novedad, es el paisaje exótico de fondo, en plena capital egipcia. La película descansa básicamente en el personaje de Juliette, produciéndonos un importante empacho de Patricia Clarkson. El personaje que interpreta Elena Anaya queda desfigurado, no aporta nada a la historia y es absolutamente prescindible en el argumento.  
 
Trailer de la película:
 

lunes, 23 de abril de 2012

Banda Sonora de... A sangre fría




In cold blood (1967) es una película que presentaba un duro alegato contra la pena capital, basada en la novela de Truman Capote sobre el caso real de dos asesinos. Esta película le proporcionó a Richard Brooks, director y guionista, sendas nominaciones al Óscar, además de otra para la banda sonora compuesta por Quincy Jones.

Tomando un cálido jazz como referencia, Jones consiguió una innovadora partitura, sensible y atmosférica, con experimentales sonidos complejos de identificar que incluyen licencias vocales realmente sorprendentes. Desde el órgano agobiante de “Murder scene” hasta el jazz dinámico de “Lonely Bottles”, la música acaba integrándose de tal forma en la historia que termina convertida en una amalgama de efectos cada vez más obsesivos.


Fotograma de "A sangre fría"

Para acompañar los recuerdos de uno de los criminales, escribió el sugestivo “Perry´s theme”, mientras que “Clutter family theme” es una dulce melodía que hace referencia a la felicidad de la familia antes de ser masacrada. También la banda sonora incluye una bellísima canción mexicana, “Nina”, interpretada en español por Gil Bernal.

Steven Spielberg siempre la tuvo como una de sus bandas sonoras de referencia, sobre todo para ayudar a describir las ya de por sí impactantes imágenes creadas por Brooks.

Quincu Jones nunca volvió a realizar un trabajo de esta complejidad, decantándose después por comedias (Flor de cactus) y ligeras películas de atracos (Dolores).  

Recordemos uno de los cortes más bello de este score. Nos quedamos unos minutos con el tema “Clutter family theme”.


domingo, 22 de abril de 2012

De tu ventana a la mía (Paula Ortiz, 2011)



Título original: De tu ventana a la mía. Dirección: Paula Ortiz. País: España. Año: 2011. Duración: 101 min. Género: Drama.

Guión: Paula Ortiz. Música: Avshalom Caspi. Fotografía: Miguel Ángel Amoedo. Montaje: Irene Blecua, Javier García Arrendondo. Vestuario: Arantxa Exquerro, Guillén Doz. Diseño de producción: Jesús Bosqued. Producción ejecutiva: Kike Mora, Puy Oria, Raúl García, David Matamoros, Montxo Armendáriz. Producción: Amapola Films, Oria Films.

3 nominaciones a los Premios Goya 2011. Mejor Nueva Dirección en la Seminci 2011. Mejor Música en el Festival Internacional de Shanghai 2012.

Fecha del estreno: 9 Marzo 2011 (España)

 

Reparto: Maribel Verdú (Inés), Leticia Dolera (Violeta), Luisa Gavasa (Luisa), Roberto Álamo (Paco), Fran Perea (Pedro), Pablo Rivero (Manuel), Cristina Rota (Isabel), Carlos Álvarez-Novoa (tío Fernando), María José Moreno (tía), Luis Bermejo (Valentín), Julián Villagrán, Ramón Barea (Marín), Álex Angulo (médico).

 

Sinopsis:

Tres mujeres, de edades y épocas distintas, que han fracasado en el amor, tienen que afrontar la vida en un ambiente cerrado y hostil. Son mujeres que no pudieron elegir su camino y tuvieron que vivir una vida soñada, imaginada, recordada, cosiendo junto a su ventana.

 

Comentarios:

A la zaragozana Paula Ortiz no se le pueden negar ni la ambición, ni el arrojo a la hora de afrontar su primer largometraje: De tu ventana a la mía adopta la forma de tríptico de amores contrariados, conjugado en tres tiempos que cristalizan en otras tantas claves estéticas. La formación filológica de la cineasta invita a pensar en la película como vocacional equivalente cinematográfico de un libro de relatos entretejidos, con el denominador común del amor contrariado y la fuerza y la capacidad de supervivencia de los personajes femeninos como motor narrativo.

De tu ventana a la mía despeja todas las dudas razonables sobre la capacidad y la elocuencia de una mirada debutante: Ortiz, candidata al Goya a mejor dirección novel, sabe contar en imágenes y logra armonizar los diversos registros y niveles narrativos de su propuesta con transiciones elegantes y precisas.

Es en el material sobre el que Paula Ortiz levanta su ejercicio virtuoso donde se detectan las debilidades del conjunto: una suerte de summa de los tópicos que nutren buena parte de esa narrativa contemporánea que empaña de sentimentalismo neokistch su reivindicación de lo femenino como receptáculo del dolor y la exclusión, pero también como fuente de una sabiduría vital que, al parecer, lo masculino jamás podrá rozar ni con la punta de los dedos. Así, De tu ventana a la mía descubre su verdadera naturaleza de objeto formalmente deslumbrante que se levanta sobre una posible falacia cultural muy del signo de los tiempos.

El extraño ambiente de western Las Bárdenas de la historia de Inés (Maribel Verdú), a principios de los cuarenta, gana la partida en cuestiones de intensidad y fuerza visual, frente a la afectación rococó del relato de la sobreprotegida y lánguida Violeta (Leticia Dolera), en los años veinte, y el delirante juego metafórico entre cáncer y Transición que malogra la sobriedad de la odisea de emancipación sentimental que vive, a mediados de los setenta, Luisa (Luisa Gavasa). (Jordi Costa)

Recomendada.