Monstruo (Hirokazu Koreeda, 2023)

 

Título original: Kaibutsu. Dirección: Hirokazu Koreeda. País: Japón. Año: 2023. Duración: 126 min. Género: Drama.

Guión: Yuji Sakamoto. Música: Ryūichi Sakamoto. Fotografía: Ryûto Kondô. Producción: Genki Kawamura.

Premio al Mejor Guión en el Festival de Cine de Cannes 2023.

Fecha del estreno: 29 Septiembre 2023 (España).

 

Reparto: Soya Kurokawa (Minato), Hiiragi Hinata (Eri), Sakura Ando (Saori), Eita Nagayama(Hori), Mitsuki Takahata (Hirona), Akihiro Kakuta (Shoda), Shido Nakamura (Kiyotaka), Yûko Tanaka (Fushimi).

 

Sinopsis:

Cuando su joven hijo Minato empieza a comportarse de forma extraña, su madre siente que algo va mal. Al descubrir que el responsable de todo ello es un profesor, irrumpe en la escuela exigiendo saber qué está pasando. Pero a medida que la historia se desarrolla a través de los ojos de la madre, el profesor y el niño, la verdad va saliendo a la luz, poco a poco...

 

Comentarios: 

Monstruo es una película sobre la búsqueda de la verdad a través de todas sus capas. Para ello, el gran cineasta japonés Hirokazu Kore-eda recurre a una estructura narrativa a lo Rashomon, el clásico de Akira Kurosawa; es decir, se aproxima a los mismos hechos a través del punto de vista de distintos personajes. En ese cruce primará la mirada de una madre viuda que detecta comportamientos extraños en su hijo preadolescente, el profesor que según ella podría estar detrás del problema de su hijo y la mirada del propio crío, centro de este intrigante y emotivo puzle en el que también figura la directora del colegio y un compañero de clase.

Kore-eda propone un camino a la verdad salpicado de matices y grutas secretas que enfrenta al espectador a un magma en el que convergen la disfuncionalidad familiar y la orfandad, las fallas del sistema educativo, el acoso escolar y, finalmente, el corazón de una amistad.

Acompañado por la música del fallecido Ryuichi Sakamoto y con un elenco de intérpretes maravillosos entre los que destacan las actrices Sakura Any y Yûko Tanaka y los niños Soya Kurokawa y Hiiragi Hinata, Kore-eda muestra con su habitual inteligencia emocional a unos personajes acorralados por esas formas a veces imperceptibles de violencia contemporánea que son la incomunicación y sus tentáculos. Aunque la trama de la película a veces se retuerce en exceso, el resultado final convence.

En Monstruo, que logró el premio al mejor guion en el último festival de Cannes, vuelven a brotar muchas de las obsesiones de su director, cuya filmografía está atravesada por los dilemas y misterios de los lazos afectivos, consanguíneos o no. Kore-eda ha contado alguna vez cómo el cine le salvó de su enfermiza timidez y del estrecho hogar en el que creció, la pequeña y pobre casa de estilo tradicional japonés, de las adicciones de su padre, un exprisionero de guerra en Siberia, y de las penurias de la madre trabajadora.

Tras rodar en Francia y Corea del Sur, el director de Nadie sabe, de Un asunto de familia, Palma de Oro en Cannes, o de la más reciente Broker, regresa a su país para urdir junto al guionista Yûji Sakamoto esta historia cruzada cuyos personajes lidian con un dolor común: el del desamparo. Un desamparo que en primera instancia anida en la propia familia para extenderse de forma más brutal al colegio, microcosmos de una sociedad que expulsa lo que no acepta ni reconoce y que Kore-eda, una vez más, acoge en sus brazos. (Elsa Fernández-Santos)

Recomendada.

Decision to Leave (Park Chan-wook, 2022)

 

Título original: Heojil kyolshim. Dirección: Park Chan-wook. País: Corea del Sur. Año: 2022. Duración: 138 min. Género: Drama, Intriga.

Guión: Jeong Seo-Gyeong, Park Chan-wook. Música: Cho Young Wuk. Fotografía: Kim Ji-yong. Producción: Moho Films, CJ Entertainment.

Mejor Director del Festival de Cine de Cannes 2022. Nominada al Globo de oro 2022 a la Mejor Película de habla no inglesa.

Fecha del estreno: 20 Enero 2023 (España).

 

Reparto: Tang Wei, Park Hae-Il, Park Yong-woo, Yoo Seung-mok, Kim Shin-young, Lee Jung-hyun, Seo Hyun-woo, Park Jung-min, Ha-dam Jeong, Go Min-si, Go Kyung-pyo, Jung Yi-seo, Lee Hak-Joo.

 

Sinopsis:

Hae-Joon, un veterano detective, investiga la sospechosa muerte de un hombre en la cima de una montaña. Pronto, comenzará a sospechar de Sore, la mujer del difunto, mientras la atracción que siente por ella le desestabilizará.

 

Comentarios:

Park Chan-wook hace un cine de precisión de relojero suizo, minucioso, de una calculadísima belleza formal y en el que cada encuadre, cada plano, cada detalle y transición es un festín para la curiosidad del ojo y para espolvorear sentimientos. El cine coreano lleva años sirviéndonos un menú fabuloso, desde lo enorme, como Bong Joon-ho (‘Parásitos’), hasta lo diminuto, lo medular, como Hong Sang-soo… Un océano, y por encima del nivel del océano está Park Chan-wook, el de ‘Oldboy’, el de ‘La doncella’, y ahora el de esta película que juega con la sustancia del drama, de la intriga, de lo romántico, con una elegancia y una narrativa prodigiosas para acompañar a una historia que se adentra hasta lugares de la pasión, la tensión, el crimen y el sacrificio pocas veces visitados.

El argumento no es limpio, ni transparente y contiene en él personajes vidriosos, recargados de cabeza y corazón: un policía que investiga un posible crimen y la esposa del hombre muerto y principal sospechosa, una mujer de aspecto fascinante y que se expresa con dificultad en coreano (es china). La trama es policial y el fondo de la trama es irresponsablemente sentimental: interrogatorio, vigilancia, pesquisa, sospecha, atracción… sustantivos que la increíble planificación de la cámara conjuga como si fueran verbos. El mecanismo interno de los planos, con el foco como acento de la imagen; la sutil y poética utilización del espacio y de los tiempos que le permiten al espectador reorganizar la lógica (él y ella nos piensan en ocasiones los sucesos, los deseos y los dobladillos de la trama); la enorme capacidad de transmisión de la pareja protagonista, que manejan la seducción, la tensión sexual, la respiración acompasada y el aroma constante a fatalidad, y la intuición de insana generosidad y excesivo sacrificio.

La actriz china Tang Wei y el actor coreano Park Hae-II no necesitan picahielos para subirse a la cima del vértigo pasional, ni necesitan cama y dosel, sino detalles nimios como el roce de dos manos esposadas o el goce de vigilar o ser vigilado, para contaminar de química fatal su relación. Solo el inventario de pormenores de emoción íntima entre ellos, mediante la composición, la luz, la atmósfera y la interpretación, convertirían esto en algo pelmazo y puede que hasta cursi, cosa que no ocurre nunca en la pantalla al detectarlos y sentirlos. Por no hablar del camino que recorre el desenlace, tal vez de los más profundos, embarrados y desgarradores, también hermosos, del último cine. (Oti Rodríguez Marchante)

Recomendada.

Broker (Hirokazu Koreeda, 2022)

 

Título original: Baby, Box, Broker. Dirección: Hirokazu Koreeda. País: Corea del Sur. Año: 2022. Duración: 129 min. Género: Drama.

Guión: Hirokazu Koreeda. Música: Jung Jae-il. Fotografía: Hong Kyung-pyo. Producción: Zip Cinema.

Mejor Actor (Song Kang-ho) en el Festival de Cine de Cannes 2022.

Fecha del estreno: 23 Diciembre 2022 (España).

 

Reparto: Lee Ji-Eun, Song Kang-ho, Gang Dong-won, Bae Doona, Lee Joo-young, Bek Hyun-jin, Ryu Kyung-Soo, Kang Gil-woo, Song Sae-byeok, Sun-young Kim, Lee Dong-hwi, Choi Hee-jin, Park Hae-jun.

 

Sinopsis:

Una noche lluviosa una joven abandona a su bebé a las puertas de una iglesia. El recién nacido es recogido por dos hombres que se dedican a robar bebés abandonados para venderlos a padres dispuestos a pagar una tarifa. Cuando la joven regresa a la iglesia, arrepentida, descubre el negocio ilegal de ambos hombres y decide unirse a ellos para encontrar a los padres adoptivos más adecuados. En este inusual viaje por carretera, el destino de los que se crucen en la vida del niño cambiará radicalmente.

 

Comentarios:

La nueva película de Hirokazu Koreeda no se aleja mucho de su habitual terreno de juego, aunque la haya rodado (novedad) en Corea del Sur. El director japonés amplía aquí su fenomenal catálogo sobre los modelos familiares, que es, a juzgar por su excelente filmografía, lo que le interesa abordar, y siempre con un ingenioso trato de lo sentimental, lo humano, lo humorístico, lo moral y lo legal en títulos como ‘De tal padre, tal hijo’, ‘Después de la tormenta’ o ‘Un asunto de familia’ o éste mismo, en los que despliega su curiosidad por cuestiones como la adopción, los valores genéticos, el sentido paternal ‘por roce’ o por sangre, la búsqueda de un entorno familiar adecuado.

En ‘Broker’, la trama, que enlaza una historia de sentimientos y una de investigación policial, se centra en dos hombres conectados con un centro ilegal de recogida de bebés abandonados a los que tratan de colocar luego en una familia de adopción; una joven que deja en esa ‘baby box’, sin mucha convicción, a su bebé recién nacido; y dos mujeres policías que vigilan este tipo de casos que se pueden calificar como tráfico de bebés. Y lo que construye Koreeda con su habitual mirada humanista y su ligero y soportable sentido del humor es la relación entre esos dos hombres, el bebé desconcertado, la madre que quiere lo mejor para ese niño y la Ley que los persigue sin excesiva convicción, y todo ello con el formato de viaje, de búsqueda, de ‘road movie’ y de encuentro.

En el fondo de esta historia subyacen varios asuntos indeseables, desde el tráfico ilegal de menores, la compra-venta de bebés, la puja interesada para encontrar una familia…, pero Koreeda, sin duda gran cineasta y gran persona, muestra una inclinación sentimental por todos sus personajes, los purifica, los recubre de integridad y hasta sugiere o explica sus causas y motivaciones. Es más fácil encontrar un villano (un suponer) en la Congregación de las Carmelitas Misioneras que en una película de Koreeda, donde siempre se respira camaradería, compasión, emociones dignas y se busca hasta el milímetro ese espacio libre que queda entre la ley y la ética. No es película navideña, que en Japón o Corea queda algo lejos, pero se podría entonar un villancico mientras se disfruta. (Oti Rodríguez Marchante)

Recomendada.

Delante de ti (Hong Sang-soo, 2021)

 

Título original: Dangsin-eolgul-apeseo. Dirección: Hong Sang-soo. País: Corea del Sur. Año: 2021. Duración: 85 min. Género: Drama.

Guión: Hong Sang-soo. Música: Hong Sang-soo. Fotografía: Hong Sang-soo. Producción: Hong Sang-soo.

Fecha del estreno: 14 Julio 2022 (España)

 

Reparto: Lee Hye-young, Cho Yun-hee, Kwon Hae-hyo, Shin Seok-ho, Lee Eun-mi, Kim Sae-byeok, Ha Seong-guk, Seo Young-hwa, Kang Yi-seo.

 

Sinopsis:

Hace unos días, una veterana actriz regresó a su país, Corea del Sur, e irrumpió en casa de su hermana. Un cineasta, algunos años más joven que ella, le ha pedido que se una a su proyecto y, tras una amable negativa, han acordado reunirse por primera vez. El centro de Seúl está lleno de estrechas callejuelas que albergan diminutos bares antiguos, y ahí es donde se encuentran. Mientras se emborrachan, llueve y truena repentinamente.

 

Comentarios:

Una mujer, actriz emigrada hace años a Estados Unidos, regresa a Corea del Sur. Allí, se reencuentra con su hermana pequeña, visita la casa de su infancia y se reúne con un director de cine que desea trabajar con ella. Eso es todo lo que ocurre sobre la superficie de la nueva película del cineasta Hong Sang-soo. Lo que sucede por debajo, esos mecanismos invisibles que tan bien definen las conductas humanas, es algo que solo un genio como él puede atrapar.

Delante de ti es un peldaño más en la sólida construcción de un cineasta cuya madurez empieza a desprender el aroma de un clásico contemporáneo. Las estrategias artesanales emprendidas hace años por Sang-soo le permiten estrenar una película detrás de otra conformando poco a poco una unidad cinematográfica insólita. En algo más de una década, Sang-soo se ha erigido como una isla ajena a las tempestades industriales. Delante de ti, extraordinario retrato de una mujer madura que regresa a sus orígenes, está escrita, dirigida y montada por un cineasta que, además, compone la música mientras su reducido equipo —tres o cuatro personas—, actúa, produce o hace de foto fija. En definitiva, Sang-soo aligera el pesado equipaje del cine gracias a la complicidad de una compañía estable cada vez más enraizada en su proceso creativo.

Esta vez todo ocurre de una forma muy orgánica en la que los actores (qué grande la veterana actriz Lee Hye-young) y los espacios que ocupan, con esos diálogos cruzados de bebida y comida, tienen todo el protagonismo. Dos hermanas se reúnen después de mucho tiempo y de saber más bien poco la una de la otra. Con un té y un bizcocho encima de la mesa, intuimos cierto ajuste de cuentas familiar. Solo por su manera de estar sentadas palpamos cierto dolor y secretismo. Como un paseante sigiloso que se deja llevar por el azar, Sang-soo nos acerca a los detalles más nimios, esos que son capaces de convertir la nada en un todo. De la mancha en una camisa, ese pequeño desperfecto que ya poco importa a la protagonista, a la visita a la casa familiar, donde no hace falta subrayar nada para intuir el dolor y la naturaleza de su melancolía. Pero, sin duda, la secuencia maestra del filme es esa comida regada en mucho alcohol entre el director de cine y la protagonista, cuyo colofón bajo la lluvia es de un romanticismo tan trágico y arrebatador que pone los pelos de punta.

El sutil juego de seducción y ebriedad de los dos personajes es de un hiperrealismo que apela más a lo poético que a lo exacto. Con la serenidad de un sabio, Hong Sang-soo nos da una lección (aunque esta palabra no vaya nada bien con su cine) de vida a través de una mujer y un hombre borrachos bajo la lluvia. (Elsa Fernández-Santos)

Recomendada.

Joyland (Saim Sadiq, 2022)

 

Título original: Joyland. Dirección: Saim Sadiq. País: Paquistán. Año: 2022. Duración: 126 min. Género: Drama.

Guión: Saim Sadiq, Maggie Briggs. Música: Abdullah Siddiqui. Fotografía: Joe Saade. Producción: Khoosat Films, All in Caps Productions, Blood Moon Creative, Film Manufacturers Inc. (FMI), Noruz Films, One Two Twenty Entertainment, Vested Interest.

Premio del Jurado en la sección “Una cierta mirada” del Festival de Cine de Cannes 2022.

Fecha del estreno: 10 Febrero 2022 (España).

 

Reparto: Ali Junejo, Alina Khan, Rasti Farooq, Sarwat Gilani, Salmaan Peerzada, Sania Saeed, Sameer Sohail, Ramiz Law, Honey Albela, Priya Usman Khan.

 

Sinopsis:

Mientras los Rana —una familia patriarcal y felizmente unida— esperan el nacimiento de un niño para continuar con el linaje familiar, su hijo más joven se une en secreto a una compañía teatral de danza erótica y se enamora de una joven y ambiciosa estrella trans. Su historia de amor imposible termina por avivar las ansias de rebeldía sexual de toda la familia Rana.

 

Comentarios:

Película paquistaní y, por ello, de un valor extra (y no ordinario) al ofrecer un retrato descarnado de la sociedad, la familia y las situaciones de género. Es la primera que dirige Saim Sadiq y ganó con ella un premio en Cannes. Entra con su cámara en los pormenores de una familia tradicional y se concentra en su hijo menor, desocupado, casado y que participa secretamente como bailarín en una compañía de danza erótica dirigida por un transexual.

La película va dosificando las tramas, los dramas, los traumas, y tanto se puede ver como corte transversal a un hogar lleno de prejuicios y tensiones, como frustrante historia de amores y triángulos escalenos, de pasiones cruzadas. Y tanto puede verse, también, como drama de la mujer, que tiene que abandonar su trabajo satisfactorio y quedarse en casa cuando el marido consigue el suyo, como drama del hombre delicado, tibio, emotivo, para estar situado correctamente en el rol que le corresponde.

Muestra valor la película al permitirle a esos personajes su complejo desarrollo interior; pero también cautela en su muestra de disidencias, rebeldía y en el reparto de oxígeno para que respiren. Visual y narrativamente es digna de estudio, por las sutilezas y amarguras que cuenta y esconde, y por su trato de la emoción, la intriga y la conmoción. El trío protagonista transmite a la perfección sus verdades amargas, y tiene algo más que mero mérito Alina Khan en ese papel transgénero que le pertenece. (Oti Rodríguez Marchante)

Recomendada.

Lunana, un yak en la escuela (Pawo Choyning Dorji, 2019)

 

Título original: Lunana: A Yak in the Classroom. Dirección: Pawo Choyning Dorji. País: Bután. Año: 2019. Duración: 110 min. Género: Drama.   

Guión: Pawo Choyning Dorji. Fotografía: Jigme Tenzing. Música: Yi Chen Chiang, Duu-Chih Tu. Producción: Dangphu Dingphu: A 3 Pigs Production.

Nominada al Oscar a la Mejor Película Internacional 2021.

Fecha del estreno: 22 Julio 2022 (España)

 

Reparto: Sherab Dorji, Pem Zam, Gurung Ugyen, Tshering Dorji, Kelden Lhamo, Norbu Lhendup, Sonam Tashi Choden.

 

Sinopsis:

Ugyen es un joven profesor en Bután, que elude sus deberes mientras planea ir a Australia para convertirse en cantante. Como reprimenda, sus superiores le envían a la escuela más remota del mundo, una aldea glacial del Himalaya llamada Lunana. Tras un agotador viaje, Ugyen llega a Lunana, donde se encuentra sin electricidad ni calefacción, en una escuela sin ventanas ni pizarra. Aunque pobres, los aldeanos dan una cálida bienvenida a su nuevo maestro, pero él se enfrenta a la abrumadora tarea de enseñar a los niños del pueblo sin ningún material. Desesperado, quiere abandonar y marcharse cuanto antes pero, poco a poco, se ve conquistado por la sencillez, bondad y ganas de aprender de los pequeños y sus familias.

 

Comentarios:

Impartir clase en el colegio más remoto de la Tierra. A casi 5.000 metros de altitud. Sin apenas medios. A una decena de críos. Y no precisamente porque el joven profesor haya pedido ese destino, sino porque le ha venido impuesto desde el departamento de educación de su país, Bután, a causa de su continuo apoltronamiento en anteriores asignaciones. El profesor, de hecho, lo que quiere es ser cantante e irse a vivir a Australia, pero los inicios en el funcionariado suelen ser así en medio mundo. Es Lunana, un yak en la escuela, título quizá no demasiado bueno, con un póster promocional que tampoco lo es. Sí, en cambio, la película: sencilla, sincera, humilde, bonita.

“Creo que no quiero ser profesor”, dice el protagonista a la delegada de educación en su despacho antes del último de los cinco años de contrato con el Gobierno. “Pues descúbrelo en el peor lugar del mundo para intentar recuperar la ilusión”, le vienen a decir desde arriba, sin el menor subterfugio. La historia, desde luego, no es nueva. No está muy lejos de la esencia inicial de Doctor en Alaska: de Nueva York a Cicely. Tampoco de la bastante desconocida pero excelente Conrack, de Martin Ritt, 30 años de carrera artística crítica y comprometida con la sociedad de su tiempo, siempre al lado de los de abajo y sin maniqueísmos.

El arco del personaje protagonista se ve venir desde el inicio. La película nunca sorprende, pero no tiene por qué hacerlo. No hay caídas, y cuando surge el cliché algodonoso, Pawo Choyning Dorji, director y guionista en solitario, huye de él: en el poblado del Himalaya, de 56 habitantes, es evidente que va a haber una chica joven y guapa con la que confraternizar. Es el asomo del lugar común. Sin embargo, el autor no desarrolla esa relación en la línea más habitual. En verdad, la gran historia de amor y dulzura de Lunana es la del maestro con la pequeña delegada de clase, de unos ocho años, con la sonrisa más bonita del cine reciente.

Estrenada en 2019 en el festival de Londres, llega a los cines españoles con bastante retraso, pero bienvenida sea. Hace unos meses se convirtió en una de las grandes sorpresas de las candidaturas a los Oscar de este año 2022, con su (tardía) nominación a mejor película internacional. Una distinción quizá exagerada, y con poco que hacer frente a Drive My Car, La peor persona del mundo, La mano de Dios y Flee, pero, en todo caso, un logro para el creador de Bután (dejando fuera del quinteto a Titane y a Un héroe, entre otras), perteneciente a una industria audiovisual casi inexistente, aunque formado en Estados Unidos y con formas cinematográficas occidentales.

Película de buenos sentimientos, sin alharacas, aunque rodada en paisajes imponentes, Lunana es noble y certera. Y además tiene dos grandes hallazgos: el largo recorrido de media hora de metraje desde la capital hasta el poblado, ideal para hacerse una idea del culo del mundo al que se dirige el personaje; y la sustancia que le va a hacer cambiar su visión de la vida: el exquisito respeto por la educación y por los educadores que tienen los adultos y los niños del lugar, del que deberíamos aprender en muchos otros sitios. “Los profesores pueden tocar el futuro”, repiten sus habitantes un par de veces. Pocas frases más verdaderas y radiantes. (Javier Ocaña)

Recomendada.

Broker (Hirokazu Koreeda, 2022)

Para aquellos que no llegaran a tiempo de ver en salas de cine Broker (2022) de Hirokazu Koreeda, ya se encuentra disponible en plataformas. Con la celebración del Día de la Madre reciente, podemos disfrutar de la última película de este director japonés cuya temática recurrente es la familia, entendida ésta en un sentido amplio en el que el vínculo va más allá de los lazos de sangre entre sus miembros. 

Y esto es así desde sus primeros trabajos. Saltó a la fama en 2004 cuando su película Nadie sabe fue presentada en la sección oficial del Festival de Cannes, mostrando cómo cuatro hermanos de distintos padres tienen que afrontar la supervivencia ellos solos cuando su madre los abandona. Y cuenta en su haber con obras tan brillantes como De tal padre, tal hijo (2013) sobre dos parejas a los que notifican que sus bebés fueron cambiados en el hospital, por la que obtendría el Premio del Jurado en Cannes. Tanto en Nuestra hermana pequeña (2015) como en Después de la tormenta (2016) hallamos ecos del padre ausente del que confiesa dolerse Koreeda en las entrevistas que da. 

Una cima en su carrera la encontramos con Un asunto de familia (2018) por la que fue premiado con la Palma de Oro en Cannes y nominado a los Oscar como mejor película de habla no inglesa. Es una obra redonda en la que evidencia la validez de la familia sobrevenida, a pesar de que esta se pueda dar fuera de la ley. Un mensaje que se hace más explícito, si cabe, en un su plano detalle final. 

 

El mismo tema es el que aborda en Broker, si bien esta vez hace más hincapié en lo relacionado con la adopción. Si atendemos a las primeras palabras de la película (“no tengas un bebé si vas a abandonarlo”), podríamos pensar que vamos a asistir a alguna especie de rapapolvo moralista, pero se trata de Koreeda, un autor que no castiga a sus personajes sino que observa sus miserias con humanidad. 

Son las palabras que dice una de las policías que observa desde un coche cómo una madre deja su bebé ante una baby box de una parroquia, una caja donde depositar a un niño que quiera darse en adopción y mantener el anonimato al mismo tiempo. Pero este bebé en concreto va a ser sustraído por dos hombres para el tráfico ilegal de bebés (el delito que investigan las policías). Cuando la madre del bebé vuelva a la parroquia asaltada por las dudas, se unirá a esos hombres para estar presente en la venta y, al mismo tiempo, llevarse parte de la cantidad del dinero conseguido. Durante el viaje se les unirá un polizón.

Baby Box para niños abandonados

El que este planteamiento, deplorable en principio, dé lugar a una película tierna, se explica si está detrás alguien con la sensibilidad de Koreeda y sus miras amplias para incluir en los diálogos de la película, réplicas y contrarréplicas ante tanta tela que cortar sobre este tema: acusaciones y defensas, dinero por medio y realidades mezquinas. 

La madre con los dos traficantes y el bebé

Del drama pasamos a la road movie, al viaje de crecimiento personal y colectivo en el que cada miembro de la “familia” pasa a ser importante para el otro, un paraguas para la lluvia o un darse cuenta, no ya de que al otro le falte un botón en la ropa, sino de que esté a punto de caérsele y lo remedie: ese adelantarse a la necesidad del otro en el marco de la convivencia y el agradecer su existencia. Es una familia sobrevenida que llega a reconocerse y valorarse como tal. No en vano uno de los personajes, cerca del desenlace, escucha dos noticias por la radio. La primera nos clarifica qué ha ocurrido en la elipsis que ha tenido lugar. La segunda no es totalmente casual: anuncia la celebración en mayo del mes de la familia en Corea del Sur, ya que existen distintas festividades en el mes, entre ellas la del Día del Niño el día 5 y la del Día de los Padres (padre y madre) el día 8. Ese reconocer al grupo como familia a la que defender, es lo que ha guiado sus decisiones. 

La familia se divierte junta en un túnel de lavado

Se dibuja acertadamente el carácter de los personajes pero sin dar demasiados detalles sobre los hechos concretos de su vida: deja la vía abierta a la imaginación para vislumbrar cómo ha sido la infancia en el orfanato de uno de los vendedores de bebés o dónde radica la insatisfacción de la policía, por ejemplo. 

La policía muestra su inquina ante la madre que abandona

La razón del título se explica porque el director quería poner el acento en el intermediario de la venta: los personajes van modificando sus motivaciones de modo que fluctúa el deseo de cada uno por que se lleve a cabo la operación. El papel del broker va cambiando hasta el punto de que la policía reconoce que es la que tiene más interés en que tenga lugar. 

Es la segunda película que rueda Koreeda fuera de Japón (la primera fue la francesa La verdad, en 2019, con Juliette Binoche y Catherine Deneuve) y para ello elige Corea del Sur, un país donde funcionan las baby box desde 2010. El elenco es surcoreano, donde destaca Song Kang-ho, actor especialmente famoso desde el éxito internacional de Parásitos (Bong Joon-ho, 2019), teniendo su trabajo el reconocimiento en la obtención del Premio a la Mejor Interpretación Masculina en la edición de Cannes de 2022 por Broker. Destaca así mismo el director de fotografía, Hong Kyung-pyo, que también lo fue de Parásitos y de Burning (Lee Chang-dong, 2018). 

Song Kang-ho, premiado en Cannes por su interpretación

Con pinceladas ligeras se habla de la legitimidad de las cajas, del regateo en la venta, del distinto precio del bebé varón o hembra, del rechazo de los padres adoptivos según el físico del bebé, de las notas que escriben las madres que abandonan con promesas incumplidas de regreso, de orfanatos depauperados con pocas ayudas, del fracaso de los niños criados en orfanatos, de las adopciones fallidas, del tópico de “la sangre tira mucho”, de la dificultad de las madres solteras y prostitutas para criar a sus hijos, de la culpabilidad que pesa sobre las madres que abandonan, de la superioridad moral del que ve el asunto desde fuera, de los vaivenes entre la justificación del abandono y su criminalización, de las dudas ante la maternidad, del cuestionamiento del aborto como alternativa al dar en adopción, del deseo del huérfano de ser adoptado y de la esperanza del abandonado de que su madre regrese. Todo esto y más nos lanza Koreeda a la cara para que lo rumiemos. 

Se le puede achacar a Broker que es más de lo mismo, pero es que el más de lo mismo que nos ofrece Koreeda suele resultar más interesante que otras muchas propuestas.

La madre mira a su hijo mientras llueve fuera

Queso de cabra y té con sal (Byambasuren Davaa, 2020)

 

Título original: Die Adern der Welt. Dirección: Byambasuren Davaa. País: Mongolia. Año: 2020. Duración: 92 min. Género: Drama.

Guión: Byambasuren Davaa, Jiska Rickels. Música: John Gürtler, Jan Miserre. Fotografía: Talal Khoury. Montaje: Anne Jünemann Bfs. Producción: Eva Kemme, Ansgar Frerich, Tobias N. Siebert.

Mejor Film Infantil en los Premios del Cine Alemán 2020.

Fecha del estreno: 28 Octubre 2022 (España).

 

Reparto: Bat-Ireedui Batmunkh, Enerel Tumen, Yalalt Namsrai, Algirchamin Baatarsuren, Ariunbyamba Sukhee, Purevdorj Uranchimeg, Alimtsetseg Bolormaa, Unurjargal Jigjidsuren, Batzorig Sukhbaatar, Sarantsetseg Myagmar, Batbaatar Uukhaan.

 

Sinopsis:

En una provincia en medio de la estepa mongola, Amra, de 11 años, vive una vida nómada tradicional con su madre Zaya, su padre Erdene y su hermana pequeña Altaa. Mientras Zaya cuida del rebaño, Erdene trabaja como mecánico y vende el queso casero de Zaya en el mercado local. Su pacífica rutina se ve amenazada por la invasión de empresas mineras internacionales, que excavan en busca de oro y devastan el hábitat natural. Erdene es el líder de los últimos nómadas que se oponen a ellas, y trata de unirse y convencer a sus compañeros de que no acepten las indemnizaciones que las empresas han ofrecido.

 

Comentarios: 

De formación documentalista, Byambasuren Davaa, la cineasta más reputada de Mongolia, ha logrado poner a su país en los cines de Occidente, más allá del Genghis Khan de Omar Shariff y de El conquistador de Mongolia de John Wayne. Lo hizo con su nominación al Oscar por La historia del camello que llora y con la aventura (con el aire del cine iraní) de la niña y el cachorro de El perro mongol, mediante una receta que sigue funcionando.

Regresa en esta producción alemana a los temas que le son propicios y vuelve a demostrar, por más que los argumentos del no nos moverán frente a las compañías multinacionales (en este caso mineras) suenen a ya vistos en las pequeñas cinematografías del mundo, que la sencillez encaja mejor con la poesía que las ínfulas. La puesta en escena de la familia protagonista, con su chaval obsesionado con Got Talent en YouTube, y la relación con su padre, en ese lugar perdido de Asia coronado por un árbol cargado de sueños, es de una autenticidad que sigue resultando relajante, muy de agradecer.

Cuando sobreviene la tragedia y la trama tiene que tejer su red hacia un arreglo argumental, la película pierde fuerza, pero la naturalidad de los personajes se funde con la fuerza del paisaje y, de las imágenes, aparte de las ganas de dar un pellizco a esos quesos salvadores, surge una luz que es puro oxígeno cinematográfico. (Carlos Marañón)

Recomendada.

Happy Together (Wong Kar-wai, 1997)

 

Título original: Chun gwong tsa sit. Dirección: Wong Kar-Wai. País: Hong-Kong. Año: 1997. Duración: 98 min. Género: Drama.

Guión: Wong Kar-Wai. Música: Danny Chung. Fotografía: Christopher Doyle. Montaje: William Chang, Wong Ming-lam. Escenografía: Christopher Doyle. Producción: Wong Kar-Wai.

Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes 1997.

Fecha del estreno: 14 Noviembre 1997 (España).

 

Reparto: Leslie Cheung, Tony Leung Chiu-Wai, Gregory Dayton, Chang Chen, Shirley Kwan.

 

Sinopsis:

Lai Yiu-Kai y Ho Po-Wing viven una apasionada relación. Viajan desde Hong Kong a Argentina, pero la llegada al nuevo país parece transformar las cosas y Ho, de repente, abandona a Lai. Éste comienza a trabajar como portero de un bar, con el único afán de reunir el dinero suficiente para volver a su país. Un día Ho reaparece, pero las cosas ya no son iguales...

 

Comentarios:

Basada en el relato "The Buenos Aires Affair", de Manuel Puig, fue escrita, dirigida y coproducida por Wong Kar-Wai. Se rodó, con un presupuesto modesto y sin permisos oficiales, en el barrio La Boca, de Buenos Aires, y en Taiwan, entre setiembre y diciembre de 1996. Obtuvo el premio al mejor director en Cannes.

La acción tiene lugar en Hong-Kong, Buenos Aires, Iguazú y Taiwan, entre el 12-05-1995 y el 20-02-1997. Narra la historia de amor, desencuentros, infidelidades, celos, rupturas y reencuentros de dos jóvenes hongkoneses, Ho Po-wing (Leslie Cheung) y Lai Yu-fai (Tony Leung), que abandonan Hong-Kong en busca de mejores oportunidades.

La historia se presenta como referencia del amor de pareja en general. Las diferencias, discusiones, arrebatos y desamores, que inundan la vida de convivencia, pretenden mostrar una experiencia amorosa amarga, de sentimientos intensos y grandes frustraciones, de valor universal. Es, también, una historia de soledades y desarraigo y, a la vez, una historia de amor gay, que se muestra con naturalidad. El amor humano puede ser fuente de felicidad por un espacio de tiempo limitado y reducido o prolongado. El amor no garantiza la felicidad para siempre. No hay felicidad sin amor, comprensión, tolerancia y habilidades de convivencia. La estética del filme, de aire expresionista, ofrece imágenes distorsionadas, espacios irreales, escenarios opresivos y rincones malolientes, en los que se mueven dos personajes infelices.

La música combina percusiones graves con melodías malancólicas. La añadida incluye la festiva "Happy Together", "Cucurrucucú paloma", "Tango apasionado" (Piazzola), "Milonga for Three" y otras. Se oyen guitarras, saxo alto, órgano, contrabajo, piano, clarinete, bandoneón, violín y otros. La fotografía hace uso de sobreexposiciones, contraluces deslumbrantes, planos picados, travellings espectaculares, cambios de velocidad de reproducción y otros artificios, que confieren a la narración una gran belleza visual. Destacan las escenas de las cataratas de Iguazú, símbolo de la vida y del ideal de serenidad que buscan los protagonistas. La imagen resalta la decoración kitsch y el ambiente deprimente de la obra. El guión construye unos diálogos fluidos y rápidos, que dan vida a una narración de miseria y desesperanza. Describe con precisión los perfiles diferenciados de los dos protagonistas: Lai You-fai es el amante que espera, soporta desaires, sufre y busca el amor duradero, mientras Ho Po-wing es agresivo, discutidor, infiel y busca refugio en amores ocasionales y en la prostitución. La interpretación de los dos protagonistas es excelente y rica en matices. La dirección con una magnífica puesta en escena realiza una obra no convencional y valiente.

Es la primera gran historia de amor del autor. Equilibrada, de música sugestiva y de fotografía expresionista de gran belleza, cuenta un relato dramático y desagarrador, profundamente humano y, por ello, sobrecogedor y de gran interés. (Miquel. Filmaffinity)

Recomendada.

Introduction (Hong Sang-soo, 2021)

 

Título original: Inteurodeoksyeon (Introduction). Dirección: Hong Sang-soo. País: Corea del Sur. Año: 2021. Duración: 66 min. Género: Drama.

Guión: Hong Sang-soo. Fotografía: Hong Sang-soo. Música: Hong Sang-soo. Producción: Jeonwonsa Film. Distribuidora: Capricci Films, Cinema Guild.

Oso del Plata al Mejor Guión en el Festival de Cine de Berlín 2021.

Fecha del estreno: 11 Marzo 2022 (España)

 

Reparto: Shin Seok-ho, Park Mi-so, Kim Min-hee, Kim Young-ho, Seo Young-hwa, Cho Yun-hee, Ye Ji-won, Ha Seong-guk, Gi Ju-bong.

 

Sinopsis:

Youngho navega entre su sueño de convertirse en actor, sus dilemas amorosos y las expectativas de sus padres: un acupuntor de prestigio con quien mantiene una relación distante, y una madre inquieta que le anima a centrarse en su carrera. Cuando su novia Juwon decide viajar a Berlín para estudiar diseño de moda, Youngho la sorprende con una visita.

 

Comentarios: 

En el cine de Hong Sang-soo las emociones discurren entre finas y agridulces variaciones. Movimientos en apariencia ligeros y transparentes, construidos desde lugares serenos y cotidianos. Capas de vida narradas a partir de espacios, rostros y diálogos en las que lo importante se confunde con lo intrascendente. Hong persigue lo que no se ve a través de un preciso trabajo de improvisación con los actores. Con la herramienta de un guion que se aleja de lo convencional, con secuencias escritas muchas veces en la madrugada previa al rodaje, el director, guionista y, en esta ocasión, también cámara, despliega las partes en busca de ese destello de aparente baja intensidad que compacta sus historias. Esos breves y milagrosos encuentros que se repiten a lo largo de una filmografía que ya suma 25 películas.

Introduction, última miniatura de uno de los miembros más destacados de la nueva ola del cine coreano, no escapa a ese modus operandi: la búsqueda de la emoción a través de sus derivas menos estridentes. En esta ocasión, con un guion premiado en el festival de Berlín, el recurso onírico del blanco y negro y la capacidad de síntesis de su formato favorito, una hora de metraje. Hong presenta un cuadro en el espectador sigue los pasos de un aspirante a actor perdido entre una novia que se instala en Berlín, un padre médico acupuntor que parece pasar por un mal momento y una madre que se ha instalado en la atalaya de un hotel costero. No pasa nada y pasa de todo en este fino hilo narrativo en el que se cruzan personajes de los que sabemos poco, pero lo poco que sabemos resulta extrañamente real y cercano.

La metodología de Hong está tan pegada a los espacios que rueda como a los intérpretes que habitan esos espacios: la consulta del médico, las calles solitarias, la playa y el restaurante con sus chupitos de soju. Fragmentos cotidianos que se van soldando unos a otros sin estridencias, dejando que el espectador también haga su trabajo. Con su personal sello de rápidos zooms y conversaciones filmadas de lado, el cineasta coreano bucea esta vez en el estado anímico de un chico que no acaba de crecer, una crisis de madurez de la que no parece del todo responsable. Solo por las sutiles variaciones que hace Hong en torno al poder de un abrazo merece la pena ver esta película, que quizá no alcanza la profundidad de La mujer que escapó ni captura la magia de un espacio como Grass, pero que nos conecta con el placer de mirar la vida despacio, sin más. (Elsa Fernández-Santos)

Recomendada.