Al borde del abismo, de Asger Leth

Título original: Man on a ledge. Dirección: Asger Leth. País: USA. Año: 2012. Duración: 102 min. Género: Thriller. Guión: Pablo Fenjves. Producción: Lorenzo di Bonaventura y Mark Vahradian. Música: Henry Jackman. Fotografía: Paul Cameron. Montaje: Kevin Stitt. Diseño de producción: Alec Hammond. Vestuario: Susan Lyall. Estreno en España: 23 Marzo 2012.

Intérpretes: Sam Worthington (Nick Cassidy), Elizabeth Banks (Lydia), Jamie Bell (Joey Cassidy), Anthony Mackie (Mike), Genesis Rodriguez  (Angie), Ed Harris (David Englander), Kyra Sedgwick (Suzie), Edward Burns, William Sadler.

Sinopsis:

Un ex policía ingresa en la cárcel tras ser acusado de cometer un crimen en el que asegura no haber participado. El hombre escapa de la prisión y se sube a lo más alto de un hotel de Manhattan, lugar desde el que amenaza con tirarse. Pero su comportamiento tal vez sea una estratagema para despistar a las autoridades mientras unos ladrones llevan a cabo un importante atraco.

Jamie Bell y Elizabeth Banks

Calificación: 6, Aceptable.

Lo mejor de la película: La trama va ganando conforme va avanzando el metraje. El comienzo es un poco soso, pero poco a poco va convenciendo esta historia que planteando una cierta metáfora en relación a la crisis que padecemos en la actualidad.  No gusta Jamie Bell y Elizabeth Banks, ésta última protagoniza el mejor personaje de la cinta. Y… qué decir de Ed Harris, como siempre, magnífico. Distracción garantizada para pasar una buena tarde “de palomitas”.

Lo peor de la película: El arranque de la cinta, un poco soso, aunque pronto remonta. Por otro lado, el inexpresivo Sam Worthington, no sé quien se ha empeñado en convencernos de que este chico es actor y no hay forma de tragarse semejante disparate.

Trailer de la película:

Recordando… La huelga, de Sergie Eisenstein

Sergei Eisenstein fue un revolucionario en todos los sentidos, y forjó un nuevo estilo de cine basado en el montaje a partir de la fusión sin precedentes de la filosofía marxista, la estética constructivista y su fascinación por los contrastes, conflictos y contradicciones visuales que se dan en la dinámica de una película.

La huelga (1924), su primera cinta, fue concebida como una entrega más de una serie de obras sobre la implantación del marxismo-leninismo. La censura del nuevo gobierno soviético frustró muchos sueños de Eisenstein en años posteriores, y esta serie nunca pasó de ser un proyecto. No obstante, La huelga, con su energía febril, se alza como un tour de force de propaganda expresiva, así como el laboratorio en que se pusieron a prueba y se pulieron algunas ideas seminales para sus posteriores obras maestras del cine mudo El acorazado Potemkin (1925), Octubre (1927) y La línea general (1928).

La huelga plasma el levantamiento de los obreros en una fábrica rusa, donde la codicia y corrupción de los propietarios empuja a los trabajadores a la rebelión. Vemos el descontento entre los obreros, un acto de traición que les empuja a entrar en acción, la agitación del motín seguido de las dificultades del paro prolongado, y por fin la réplica de los propietarios de la fábrica, apoyados por tropas que se enzarzan en una matanza de trabajadores. La película termina con un ejemplo electrizante de lo que Eisenstein llamó "el montaje intelectual": imágenes de animales sacrificados en un matadero intercaladas en la masacre de los huelguistas.

 

Fotogramas de "La Huelga"



La interpretación en La huelga es tan poco convencional como sus técnicas de montaje, y mezcla retratos naturalistas de los obreros con retratos estilizados de los propietarios y sus espías. La película ilustra la teoría soviética de la clasificación por tipos, para lo cual requiere actores que se parezcan a los tipos de personaje que interpretan, y del héroe colectivo, porque el protagonista de una historia no es un solo individuo, sino todo el pueblo alineado en el lado correcto de la historia.

Los imperativos políticos de La huelga han envejecido desde su estreno en 1925, pero su poder visual no se ha desvanecido. "No creo en el cine-ojo (Kino-glaz)”, dijo una vez Eisenstein, en relación al lema de Dziga Vertov, su colega y rival, “Creo en el cine-puño" Esta filosofía implacable galvaniza cada secuencia de esta película singular.

Hoy, 29 de marzo, día de una HUELGA GENERAL en España, nada mejor que recordar estas imágenes de hace 88 años, donde aún nos continua sobrecogiendo ver a los huelguistas completamente masacrados.

El exótico hotel Marigold, de John Madden

Título original: The best exotic Marigold Hotel. Dirección: John Madden. País: Reino Unido. Año: 2011. Duración: 124 min. Género: Comedia. Guión: Ol Parker; basado en la novela “These foolish things”, de Deborah Moggach. Producción: Graham Broadbent y Peter Czernin. Música: Thomas Newman. Fotografía: Ben Davis. Montaje: Chris Gill. Diseño de producción: Alan MacDonald. Estreno en España: 23 Marzo 2012.

Intérpretes: Judi Dench (Evelyn), Bill Nighy (Douglas), Tom Wilkinson (Graham), Maggie Smith (Muriel), Dev Patel (Sonny), Celia Imrie (Madge), Penelope Wilton (Jean), Ronald Pickup (Norman), Tena Desae (Sunaina), Diana Hardcastle (Carol).

Sinopsis:

La historia de un grupo de ciudadanos británicos de clase alta y edad avanzada que viajan a la India para disfrutar de los años que aún les quedan de vida. Se supone que es la solución que la India propone a los ciudadanos más selectos de Reino Unido para que disfruten de su jubilación –un lugar donde poder pasar su edad dorada rodeados de suntuosos servicios y comodidades–, y en efecto así es hasta que siete jubilados con una perentoria necesitad de cambio se presentan a la entrada de este complejo vacacional. Entonces comienza una cómica y romántica aventura en un lugar lleno de placeres. Y a medida que empiezan a establecer nuevas amistades y a realizar inesperados descubrimientos, comienzan a dejar atrás su pasado.

Maggie Smith

Calificación: 6, Aceptable.

Lo mejor de la película: El magnífico elenco artístico que destila talento en cada fotograma. El personaje de Muriel es encantador, interpretado por la buenísima Maggie Smith. El buen humor de los personajes contagia al público.

Lo peor de la película: El metraje se hace demasiado largo, quizás debido a la trama de la película, que comienza con dosis de originalidad pero va convirtiéndose en una concadenación de tópicos ya muy trillados en el cine.

Trailer de la película:

Devil Inside (William Brent Bell, 2012)

 

Título original: The devil inside. Dirección: William Brent Bell. País: USA. Año: 2012. Duración: 83 min. Género: Terror.  

Guión: William Brent Bell, Matthew Peterman. Música: Brett Detar, Ben Romans. Fotografía: Gonzalo Amat. Montaje: William Brent Bell, Tim Mirkovich. Diseño de producción: Tony DeMille. Vestuario: Terri Prescott. Producción: Matthew Peterman, Morris Paulson.

Fecha del estreno: 16 Marzo 2012 (España)

 

Reparto: Fernanda Andrade (Isabel), Simon Quarterman (padre Ben Rawlings), Evan Helmuth (padre David Keane), Suzan Crowley (Maria Rossi), Ionut Grama (Michael Schaefer), Bonnie Morgan (Rosa), Brian Johnson (teniente Dreyfus).

 

Sinopsis: Isabel Torelli cree que su madre asesinó brutalmente a tres personas porque estaba clínicamente loca. Después de haber declarado que los asesinatos se produjeron durante un exorcismo, se dispone a investigar lo que realmente ha ocurrido.

 

Comentarios:

"The Devil Inside" es un nuevo (y de paso, como era de prever, fallido) intento por revitalizar (más bien estirar) un subgénero de posibilidades exquisitas pero tremendamente mal conceptualizado en los tiempos modernos. Nos referimos claro está al "falso documental", herramienta con la que un joven llamado Ruggero Deodato escandalizó a medio planeta con su magnífica "Holocausto Caníbal", clásico del cine italiano de género cuyo bombo mediático impidió a muchos en ver una de las mejores muestras del ficción-horror que hemos podido ver en una pantalla de cine. Tal y como ocurría en la archiconocida "El Proyecto de la Bruja de Blair" (película tremendamente criticada por Deodato por copiar su "broma") el "falso documental" se alza a una gran dimensión por triunfar en su intento de conectar de una manera directa con el espectador, comunicando el horror de la pantalla traspasando por momentos la línea entre ficción y realidad. Ejemplos ambos que nos sirven para comprobar como con una pizca de talento (en el caso de Deodato sabemos que tiene mucho más que eso) y una inteligente (y de paso, con mucha caradura) campaña de promoción el "falso documental" puede desarrollar al género por terrenos cuasi-experimentales e insuflar de vientos de cambio al mismo.

Exceptuando a las [REC] y "The Last Exorcism" (que aunque caen en algunos tópicos narrativos, utilizan el subgénero de manera mucho más inteligente y atractiva teniendo esta última mencionada un tramo final apabullante) ha surgido una nueva moda por el "falso documental" que fracasan en su intento de renovación y modernez. "The Devil Inside" es la última prueba, película cuyo pobre resultado se basa en la utilización del subgénero como vehículo de lucimiento, de forma fallida, al no aportar ningún tipo de característica que justifique ese "estiramiento" latente de su estilo, anticuado por una parte, tremendamente descontextualizado cinematográficamente por otra.

La película de William Brent Ball huele al nuevo fin de una moda pasajera, con un puñado de escenas planteadas de una forma poco acertada y cayendo en un manojo de tópicos que huelen bastante al fin de una reincidente forma de hacer cine que sólo unos pocos supieron aprovecharse de ella con soltura. Un discurso que se antoja manido, donde el espectador ya no entra, y lo que es más importante, un fallido intento de conectar con los temores ocultos del otro lado de la pantalla que ante un errado planteamiento deja en evidencia una clara falta de talento. (R. Wilson)

No Recomendada.

Reflexiones de un picaporte, de Carlos Crespo

COLECCIÓN DE CORTOS PROYECTADOS EN EL TALLER DE CINE

Título original: Reflexiones de un picaporte. Dirección: Carlos Crespo. País: España. Año: 2011. Duración: 11 minutos. Guión: Carlos Crespo. Producción: Mundo Ficción y Azahar Media. Fotografía: Fran Fernández Pardo. Montaje: Miguel Doblado. Sonido: José Tomé. Música: Pablo Cervantes. Dirección de Arte: Vanesa de la Haza.

Intérpretes: Joserra Leza, Melissa Borrego, Belén López, Rebeca Torres.

                       

Sinopsis: Xt Policromado disfruta de la vida contemplando el mundo que le rodea. Le gusta reflexionar sobre cada minúsculo asunto, estructurándolo todo en una serie inacabable de categorías. Su vida sería plena y satisfactoria si no fuera por un pequeño inconveniente existencial: Xt Policromado es un picaporte instalado en la puerta de un cuarto de baño.

Consideraciones: Carlos Crespo (1978) es uno de los fundadores de Mundo Ficción Producciones, la productora sevillana responsable de los cortos Eso es así, Esto ya no es lo que era y Aquello era otra cosa. Éste es su segundo corto cinematográfico como director y guionista.

Prestar atención: A la originalidad del punto de vista, el de un objeto inanimado (los humanos no hablan, sino que son los objetos los que tienen voces). A la buena dirección artística. A la excelente música de Pablo Cervantes (con el que tuvimos el placer de contar en una de las primeras actividades de Linterna Mágica), música que tiene una mayor presencia al final, acompañando unos cuidados títulos de crédito. Al ágil montaje que revela un buen conocimiento del lenguaje cinematográfico: destacar los planos de cámara subjetiva tomados con gran angular, que indican la óptica del picaporte.

Melissa Borrego

Redención (Tyrannosaur) (Paddy Considine, 2011)

Título original: Tyrannosaur. Dirección: Paddy Considine. País: Reino Unido. Año: 2011. Duración: 89 min. Género: Drama.

Guión: Paddy Considine. Música: Chris Baldwin, Dan Baker. Fotografía: Erik Wilson. Montaje: Pia Di Ciaula. Diseño de producción: Simon Rogers. Vestuario: Lance Milligan. Producción: Diarmid Scrimshaw.

Premio al Mejor Director y Premio Especial del Jurado en el Festival de Sundance 2011. Premio a la Mejor película, Mejor Director y Mejor Actriz (Olivia Colman) en los British Independent Film Awards 2011. Hugo de Plata a la Mejor actriz (Olivia Colman) en el Festival de Chicago 2011. Premio Especial del Jurado y Premio al Mejor Guión en el Festival de Mar del Plata 2011. Premio al Mejor Debut Británico en los BAFTA 2011.

Fecha del estreno: 23 Marzo 2012 (España).

 

Reparto: Peter Mullan  (Joseph), Olivia Colman (Hannah), Eddie Marsan (James), Paul Popplewell (Bod), Ned Dennehy (Tommy), Sian  Breckin (Kelly).

 

Sinopsis:

Joseph, un viudo alcohólico, violento y autodestructivo, encuentra una esperanza de redención en Hannah, una mujer muy religiosa a la que conoce a raíz de un altercado. Al principio Joseph se burla de su fe y da por supuesto que su vida de creyente debe de ser muy apacible, pero pronto descubre que, por el contrario, está llena de dolor y confusión. A medida que su relación se consolida, ambos se dan cuenta de que el amor y la amistad pueden encontrarse incluso en los lugares más oscuros.

 

Comentarios:

Tiene mérito abrir una película con una secuencia de violencia extrema, arbitraria y brutal y cerrarla habiendo logrado que todo espectador sienta compasión por el personaje que ha ejecutado esa violencia. En los primeros minutos de Redención —es una pena que el título en castellano de Tyrannosaur desvele el secreto de su motor narrativo—, Joseph, el personaje encarnado, con volcánica visceralidad, por Peter Mullan, mata a su perro a patadas en el curso de una violenta borrachera. Joseph es un sujeto a la deriva, una rabia andante que no puede librarse de sus propios impulsos auto-destructivos y que, como ilustraba simbólicamente el cartel original de este debut en el largometraje del actor y director Paddy Considine, parece atrapado por la fuerza gravitatoria del yacimiento de culpa, de dimensiones tiranosáuricas, que alimentó en el pasado. Una tienda dedicada a recoger material de beneficencia y suministrarlo entre los más desfavorecidos será el particular purgatorio en el que Joseph encontrará su posible camino a la salvación, encarnado en la piadosa responsable del lugar (Olivia Colman), que también parece ser la superviviente de sus propios naufragios.

En Rendención, Considine amplía y expande, junto a los actores reincidentes Peter Mullan y Olivia Colman, su cortometraje Dog altogether (2007), que fue premiado en los festivales de Venecia y Edimburgo y en las convocatorias de los BAFTA y los premios del cine independiente británico. El cineasta asimila la modulación extrema de la tradición realista británica, que él mismo conoció de primera mano como actor a las órdenes de Shane Meadows, aplicándole el rigor formal de quien, en el fondo, tiene plena consciencia de no estar haciendo cine social, sino espiritual. La trama de Redención acaba revelando la luz en un personaje oscuro y la oscuridad en un personaje luminoso, convirtiendo a ambos en interlocutores ideales en esa zona de permanente claroscuro que es la vulnerabilidad humana.

Habrá quien acuse de tremendismo a Considine y es cierto que Redención no es la película más agradable de ver un sábado por la tarde, pero su propuesta formula un nuevo humanismo en las aparentes cloacas de lo cotidiano. (Jordi Costa)

Recomendada.