Bajo terapia (Gerardo Herrero, 2023)

 

Título original: Bajo terapia. Dirección: Gerardo Herrero. País: España. Año: 2023. Duración: 93 min. Género: Comedia dramática.  

Guión: Gerardo Herrero (basado en una obra de Matías del Federico). Fotografía: Juan Carlos Gómez. Música: Paula Olaz. Producción: Gerardo Herrero (Tornasol Films, Alcavarán Films).

Premio Especial del Jurado del Festival de Cine de Málaga 2023.

Fecha del estreno: 17 Marzo 2021 (España)

 

Reparto: Malena Alterio, Alexandra Jiménez, Fele Martínez, Antonio Pagudo, Eva Ugarte, Juan Carlos Vellido.

 

Sinopsis:

Tres parejas acuden a una inusual sesión de terapia en grupo. La psicóloga les ha dejado unos sobres con consignas que las parejas tendrán que abordar y analizar entre todos. Le mecánica propuesta alienta a que todos opinen, discutan y finalmente se acaben mostrando tal y como son. Con el humor como herramienta principal, el encuentro se complicará hasta límites insospechados.

 

Comentarios:

Con un esquema muy sencillo y que responde a la presentación y conflicto de tres parejas que se reúnen y hablan sobre su relación, Gerardo Herrero construye una obra muy personal, en cierto modo casi una declaración de principios, pues ha adaptado a guion la pieza teatral de Matías del Federico, la ha producido y también dirigido. Y, además, ha tenido el olfato o la suerte de encomendarle ‘lo demás’ a un perfecto equipo actoral, tres hombres (Fele Martínez, Antonio Pagudo y Juan Carlos Vellido) y tres mujeres (Malena Alterio, Alexandra Jiménez y Eva Ugarte), todos ellos muy acertados al encontrar el tono justo para el desarrollo de la historia: un tono que combina el drama, chispazos de comedia, aroma de intriga y un muy bien calibrado de la información, la emoción y la conmoción, con un brusco giro, una trampa argumental que no hay por qué decir cuándo ni cómo sucede.

La estructura es clásica, con una rápida presentación, un largo y potente nudo y un sorprendente desenlace; transcurre la historia en el climático despacho de una psicóloga, al que acuden los personajes –que son también pacientes– para una sesión de terapia grupal. La intención del relato es confrontar lo que ‘somos’ y lo que ‘no mostramos’, y está muy orientado a revelar cuestiones de convivencia, de pareja, de machismo, de infelicidad controlada o descontrolada…, en fin, que examina esas hilachas que van colgando y haciendo barros en la vida en común.

Una situación única (ellas y ellos y sus cosas), un tiempo real y un espacio único que la cámara de Herrero conjuga con mucha vocación de estilo (quizá abuse de las panorámicas circulares) para ir estableciendo relaciones, o novedades en esas relaciones, pero el caso es que funciona el juego textual y visual, pero especialmente el actoral, pues todos ellos consiguen mostrar sus heridas, pero también sus armas sin que resulten afectadas, y se reparten malicia, gracia, condolencia y un punto de crueldad. Es cierto que ellos, los personajes, se acomodan a un tipo de cliché algo basto (‘los tíos’…, ‘las tías’…), pero aquí está el mundo para verificarlos. (Oti Rodríguez Marchante)

Recomendada.

Joyland (Saim Sadiq, 2022)

 

Título original: Joyland. Dirección: Saim Sadiq. País: Paquistán. Año: 2022. Duración: 126 min. Género: Drama.

Guión: Saim Sadiq, Maggie Briggs. Música: Abdullah Siddiqui. Fotografía: Joe Saade. Producción: Khoosat Films, All in Caps Productions, Blood Moon Creative, Film Manufacturers Inc. (FMI), Noruz Films, One Two Twenty Entertainment, Vested Interest.

Premio del Jurado en la sección “Una cierta mirada” del Festival de Cine de Cannes 2022.

Fecha del estreno: 10 Febrero 2022 (España).

 

Reparto: Ali Junejo, Alina Khan, Rasti Farooq, Sarwat Gilani, Salmaan Peerzada, Sania Saeed, Sameer Sohail, Ramiz Law, Honey Albela, Priya Usman Khan.

 

Sinopsis:

Mientras los Rana —una familia patriarcal y felizmente unida— esperan el nacimiento de un niño para continuar con el linaje familiar, su hijo más joven se une en secreto a una compañía teatral de danza erótica y se enamora de una joven y ambiciosa estrella trans. Su historia de amor imposible termina por avivar las ansias de rebeldía sexual de toda la familia Rana.

 

Comentarios:

Película paquistaní y, por ello, de un valor extra (y no ordinario) al ofrecer un retrato descarnado de la sociedad, la familia y las situaciones de género. Es la primera que dirige Saim Sadiq y ganó con ella un premio en Cannes. Entra con su cámara en los pormenores de una familia tradicional y se concentra en su hijo menor, desocupado, casado y que participa secretamente como bailarín en una compañía de danza erótica dirigida por un transexual.

La película va dosificando las tramas, los dramas, los traumas, y tanto se puede ver como corte transversal a un hogar lleno de prejuicios y tensiones, como frustrante historia de amores y triángulos escalenos, de pasiones cruzadas. Y tanto puede verse, también, como drama de la mujer, que tiene que abandonar su trabajo satisfactorio y quedarse en casa cuando el marido consigue el suyo, como drama del hombre delicado, tibio, emotivo, para estar situado correctamente en el rol que le corresponde.

Muestra valor la película al permitirle a esos personajes su complejo desarrollo interior; pero también cautela en su muestra de disidencias, rebeldía y en el reparto de oxígeno para que respiren. Visual y narrativamente es digna de estudio, por las sutilezas y amarguras que cuenta y esconde, y por su trato de la emoción, la intriga y la conmoción. El trío protagonista transmite a la perfección sus verdades amargas, y tiene algo más que mero mérito Alina Khan en ese papel transgénero que le pertenece. (Oti Rodríguez Marchante)

Recomendada.

La ballena (The Whale) (Darren Aronofsky, 2022)

 

Título original: The Whale. Dirección: Darren Aronofsky. País: USA. Año: 2022. Duración: 117 min. Género: Drama.

Guión: Samuel D. Hunter (basado en una obra de Samuel D. Hunter). Música: Rob Simonsen. Fotografía: Matthew Libatique. Producción: A24, Protozoa Pictures. Distribuidora: A24.

Nominada a Mejor Actor (Brendan Fraser) en los Oscars 2022. Nominada a Mejor Actor de Drama (Brendan Fraser) en los Globo de Oro 2022.

Fecha del estreno: 27 Enero 2023 (España).

 

Reparto: Brendan Fraser, Sadie Sink, Hong Chau, Ty Simpkins, Samantha Morton, Sathya Sridharan, Jacey Sink.

 

Sinopsis:

Un solitario profesor de inglés con obesidad severa intenta reconectar con su hija adolescente en una última oportunidad de redención.

 

Comentarios:

Hollywood es una máquina que devora y escupe. Las estrellas desaparecen tan pronto como llegan y no hay piedad con ellas. De la cima de mundo a subproductos de serie B hay solo una mala decisión. Es una industria que hasta hace poco siempre ha mirado hacia el otro lado cuando se producían barrabasadas en ella. Ahí estuvo Weinstein abusando durante años mientras se hacían chistes en teleseries y todos reían sabiendo lo que ocurría sin hacer nada. 

Brendan Fraser fue uno de esos juguetes rotos de Hollywood. El actor era una de los actores más exitosos durante los años 90 gracias, principalmente, a la trilogía de La Momia y papeles como el de George de la Jungla. Era alto, guapo y fuerte. El físico que Hollywood quería. Tras lesionarse por no utilizar extras y decir que sí a cada papel por miedo a desaparecer su cuerpo dijo basta. Tras innumerables lesiones y accidentes decidió tomarse su carrera con más calma, pero la industria no se lo permitió.

Le costó volver a la actividad, y cuando parecía que lo lograba sufrió un abuso sexual por parte de un periodista. El actor lo contó en 2018, tras la llegada del Me Too y explicó el trauma que sufrió y cómo esto provocó que volviera a retirarse de la actuación. Hollywood le debía una disculpa, y ha llegado en forma de uno de esos papeles con los que un actor sueña toda la vida, el de Charlie, el protagonista de The Whale, el nuevo filme de Darren Aronofsky presentado en el Festival de Cine de Venecia.

La adaptación de la obra de teatro de David S. Hunter cuenta la historia de un hombre con obesidad mórbida aislado en su casa, con problemas de movilidad y con apenas ganas de vivir. Sus encuentros con su hija a la que abandonó, con su cuidadora y otros personajes son el centro de un filme conmovedor, áspero, a veces incómodo y finalmente humanista. Una película que dentro de su sordidez esconde un canto a la bondad en un momento donde el cinismo, el individualismo y los fundamentalismos imperan. El propio título juega irónicamente con el tamaño del personaje y la referencia constante a Moby Dick durante todo el metraje.

Darren Aronofsky ha logrado una de sus mejores películas, y lo hace comandado por la interpretación colosal de Brendan Fraser, que consigue no esconderse y desaparecer dentro de los kilos y kilos (130 exactamente) de prótesis y conmover con una mirada, con su voz profunda. Es una actuación al límite, en lo físico y en lo psicológico, que le hará recoger todos los premios de la temporada.

Pero sería injusto que The Whale quedara dentro del cajón de 'películas con grandes interpretaciones', porque hay mucho cine en esta película que logra esquivar otro de sus principales riesgos, la herencia teatral del material de partida. La película decide no salir nunca de la casa del protagonista, y vemos incluso acercarse a los personajes por las ventanas del piso sabiendo que alguien va a llamar a la puerta pocos segundos después. Sin embargo, Aronofsky construye este drama psicológico sobre la redención y la necesidad de amar como si fuera un thriller. Tensando la cuerda poco a poco, sin recurrir a excesos sentimentaloides y llegando a un clímax que arrasa. Un filme que comienza descolocando, hasta que uno entiende que dentro impera un cuento sobre cómo los seres humanos son incapaces de no cuidarse.

No hay solo una historia de perdón en The Whale, para comprender su magnitud hay que estar atento a todo lo que la rodea y la define. La religión como forma de opresión, la homofobia en una ciudad republicana de EEUU, el problema con el consumo de comida, la importancia del físico… lo que ocurre fuera de ese apartamento, y que de vez en cuando entra, es una crítica a la sociedad actual y a cómo lleva a personas como Charles al límite, a no querer continuar.

También sería ingrato mencionar solo el trabajo interpretativo de Brendan Fraser. Aunque seguramente acabe tapando a los demás en los premios, hay en The Whale un reparto perfecto con personajes que completan al protagonista. Está Sadie Sink, la chica de moda por Stranger Things como su hija, pero sobre todo Hong Chau como su enfermera. Las escenas entre ambos son conmovedoras y dulces sin ser empalagosas, y ambos tienen una extraña química que convierte sus momentos juntos en únicos.

Un filme que ha tardado diez años en rodarse, como contó el director en la rueda de prensa del Festival de Venecia. No por falta de presupuesto, sino porque no conseguía encontrar al actor perfecto. Fue cuando vio a Brendan Fraser en una película de bajo presupuesto brasileña cuando se le encendió la bombilla y se dio cuenta de que era él. Tras una comida juntos no tuvo ninguna duda. Tenía a su Charles, al que Fraser ha definido como el personaje más complejo de su carrera, pero también como “el más heroico” que ha interpretado nunca, “porque su superpoder es ver el bien en los demás”. El reto está más que superado, y sin duda recibirá su recompensa en forma de premios. (Javier Zurro)

Recomendada.

El triángulo de la tristeza (Ruben Östlund, 2022)

 

Título original: Triangle of Sadness. Dirección: Ruben Östlund. País: Suecia. Año: 2022. Duración: 147 min. Género: Comedia dramática.

Guión: Ruben Östlund. Fotografía: Fredrik Wenzel. Música: Mikkel Maltha, Leslie Ming. Montaje: Ruben Östlund, Mikel Cee Karlsson. Sonido: Jonas Rudels, Jacob Ilgner. Dirección de Arte: Gabriel de Knoop, Daphne Koutra. Producción: Erik Hemmendorff, Philippe Bober.

Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes 2022. 3 nominaciones a los Premios Oscar 2022 (incluida Mejor Película).

Fecha del estreno: 17 Febrero 2023 (España).

 

Reparto: Harris Dickinson, Charlbi Dean, Zlatko Buric, Dolly De Leon, Woody Harrelson, Vicki Berlin, Henrik Dorsin, Sunnyi Melles, Jean-Christophe Folly, Iris Berben, Arvin Kananian, Amanda Walker, Alicia Eriksson, Malte Gårdinger, Nana Manu, Hanna Oldenburg, Oliver Ford Davies, Linda Anborg, Carolina Gynning, Camilla Läckberg, Mira Uszkureit, Thobias Thorwid, Jiannis Moustos, Timoleon Gketsos, Ralph Schicha.

 

Sinopsis:

Tras la Semana de la moda, Carl y Yaya, pareja de modelos e influencers, son invitados a un yate en un crucero de lujo. Mientras que la tripulación brinda todas las atenciones necesarias a los ricos invitados, el capitán se niega a salir de su cabina, a pesar de la llegada inminente de la célebre cena de gala. Los eventos toman un giro inesperado y el equilibrio de poder se invierte cuando se levanta una tormenta que pone en peligro el confort de los pasajeros.

 

Comentarios:

El título Triangle of sadness (Triángulo de tristeza) hace referencia al ceño fruncido que los modelos e influencers siempre deben evitar. Ese gesto que, según los adictos al bótox, tanto afea la cara. Con ese título tan paródico como poético, el cineasta sueco Ruben Östlund, ganador en 2017 de la Palma de Oro por su caricatura del mundo del arte contemporáneo en The Square, presentó en Cannes 2002 su película y se alzó con la Palma de Oro. Una mordaz sátira sobre el culto al dinero y el naufragio del insostenible sistema de clases del mundo actual. Con sobrada inteligencia y gracia, Östlund se atreve a chapotear en todo tipo de charcos, incluidos los de las guerras culturales y de género.

Triangle of sadness arranca en un casting de modelos masculinos donde conoceremos a uno de los personajes principales del filme, Carl. Por un momento parece que nos adentramos en una versión nórdica de Zoolander, pero no. Estructurada en tres episodios, en el primero asistiremos a una pelea de Carl con su novia, Yaya, una guapa influencer. Una bronca tan prosaica como reveladora alrededor de quien paga la cuenta de una cena en un restaurante de lujo. La discusión es el perfecto preámbulo para toda la metralla que vendrá después cuando la pareja, ya en el segundo acto del filme, se embarca en un yate de lujo para pasar unas vacaciones pagadas gracias a su salvoconducto de guapos y famosos. La ligereza del tono y las imágenes, su ritmo colorista y veloz, se abren paso a una ácida mirada sobre un mundo grotesco, tan insostenible como patético.

Lo que ocurre dentro del microcosmos del yate de lujo es un desparrame total sobre el delirio en el que vivimos. A través de un coro de personajes tan absurdos como reales, Östlund compone un cuadro de una precisión surreal. La película está plagada de hallazgos, pero entre los más inolvidables figura el crescendo de la borrachera del capitán del barco, “un americano comunista” maravillosamente interpretado por el actor estadounidense Woody Harrelson, que culmina con un inolvidable mano a mano con uno de los viajeros, “un ruso capitalista”, entre citas de Marx, Lenin y Mark Twain: “Nunca discutas con un idiota, te hará bajar a su nivel y te vencerá por experiencia”, sentencia el capitán. (Elsa Fernández-Santos)

Recomendada.

Living (Oliver Hermanus, 2022)

 

Título original: Living. Dirección: Oliver Hermanus. País: Reino Unido. Año: 2022. Duración: 102 min. Género: Drama.

Guión: Kazuo Ishiguro, Akira Kurosawa. Música: Emilie Levienaise-Farrouch. Fotografía: Jamie Ramsay. Producción: Ingenious, Film4 Productions, Film I Väst, Filmgate Films, Kurosawa Production Co., Number 9 Films, County Hall, Lipsync Productions.

2 nominaciones a los Oscar 2022. Nominada a Mejor Actor de drama (Bill Nighy) en los Globo de Oro 2022. 3 nominaciones a los Premios BAFTA 2022. Sección Oficial (fuera de competición) del Festival de Cine de Venecia 2022.

Fecha del estreno: 4 Enero 2023 (España).

 

Reparto: Bill Nighy (Williams), Aimee Lou Wood (Margaret Harris), Tom Burke (Sutherland), Alex Sharp (Peter Wakeling), Adrian Rawlins (Middleton), Hubert Burton (Rusbridger), Oliver Chris (Hart), Michael Cochrane (Sir James), Anant Varman (Singh), Zoe Boyle (Mrs. McMasters), Lia Williams (Mrs. Smith), Jessica Flood (Mrs. Porter) Jamie Wilkes (Talbot), Richard Cunningham (Harvey), John Mackay (Jones), Ffion Jolly (Mrs. Button), Celeste Dodwellver (Mrs. Matthews).

 

Sinopsis:

Londres, en la década de los 1950. Williams es un veterano funcionario enterrado bajo el papeleo de la oficina mientras la ciudad se reconstruye después de la II Guerra Mundial. Al recibir un demoledor diagnóstico médico, vacía su cuenta de ahorros y se dirige a la costa. Se promete hacer de sus últimos días un tiempo significativo, pero se percata de que no sabe cómo hacerlo. Después de que un misterioso desconocido lo lleve a la ciudad, Williams se siente intrigado por una joven compañera de trabajo que parece poseer la vitalidad que él había perdido. Con la ayuda de su optimista colega, Williams pone todo su empeño en hacer feliz, de un modo sorprendente, a su entorno...

 

Comentarios: 

Cuentan que, en épocas doradas de Hollywood, este no se conformaba con la certidumbre de que casi todo lo que abordaba se convertía en oro, sino que también aspiraba al prestigio absoluto, convencido de que su cine obtendría irresistible glamour si entre su nómina de guionistas figuraban los escritores más ilustres. O sea, que productores que no se distinguían especialmente por su cultura, pero sí por su olfato comercial, pudieran tirarse el rollo de que tenían contratadas a incontestables cumbres literarias como William Faulkner y Scott Fitzgerald. Del primero nunca sabremos lo que aportó a películas en las que su nombre aparecía en los créditos (poco o nada, según imaginaban o testificaban los hermanos Coen en Barton Fink, ya que el glorioso Faulkner estaba permanentemente borracho y cercano al delirium tremens) y en cuanto al tan inteligente como lírico Fitzgerald, tuvo la oportunidad de narrar su desastrosa experiencia hollywoodiana en un libro autoparódico y delicioso titulado Las historias de Pat Hobby. Del anglojaponés Kazuo Ishiguro, bendecido por el Premio Nobel hace seis años, solo he leído la notable Lo que queda del día, esa triste historia de un amor no consumado en la campiña inglesa entre el mayordomo y el ama de llaves de una familia aristocrática. Anthony Hopkins y Emma Thompson estaban memorables en la desoladora aunque también romántica película que dirigió James Ivory.

La más distinguida promoción de Living no la hace el director Oliver Hermanus (que no me suena de nada), sino algo tan raro como que un premio Nobel firme el guion. Aunque tampoco adapta al cine una de sus novelas. Se limita a hacer el remake de una película del director japonés Akira Kurosawa titulada Vivir. Creo recordar que me aburrió bastante, nada que ver con otras películas de este señor que me han conmovido, como la preciosa Dersu Uzala. Vivir transcurría en gran parte en un velatorio. Aquí, Kazuo Ishiguro traslada la ambientación a la Inglaterra de los años cincuenta. Lo protagoniza un grupo de funcionarios que trabajan en la misma oficina. Gente aparentemente convencional e inequívocamente british. Se juntan por la mañana en un tren para acudir al trabajo. En él se hablan lo justo, sonríen cuando hay que sonreír, todo es grisáceo y frío. Excepto una mujer joven que ha comenzado a trabajar allí y que representa un soplo de vida. El jefe es un tipo hierático, devoto de las formas sociales y de la eficacia laboral, con una existencia plácida que siempre ha estado regida por lo previsible. Ese señor, a punto de la jubilación, vivirá una catarsis definitiva cuando averigüe que su muerte está cercana. Y actuará ante ella haciendo cosas que nunca imaginó: estableciendo comunicación y amistad con la joven extrovertida, ideando un plan desde su puesto de gestor para que los niños del barrio disfruten de algo que la burocracia administrativa había hecho imposible.

Este argumento, en el que no ocurre nada grandioso ni que transmita especial emoción, está bien desarrollado. La levedad tiene un punto de encanto. Pero lo que más me gusta es la interpretación del sobrio y conmovedor Bill Nighy. Era aquel anciano solitario, elegante y sufridor de La librería, aquel fulano apaleado por la vida, que únicamente encuentra consuelo y refugio leyendo incansablemente, para el que descubrir a Bradbury y a Nabokov supone un milagro. Enamorado sin ilusiones de esa librera a la que la vileza acabará expulsando del pueblo. Nighy es sobrio. Transmite lo máximo con lo mínimo. (Carlos Boyero)

Recomendada.

Buena suerte, Leo Grande (Sophie Hyde, 2022)

 

Título original: Good Luck to You, Leo Grande. Dirección: Sophie Hyde. País: Reino Unido. Año: 2022. Duración: 97 min. Género: Drama.

Guión: Katy Brand. Música: Stephen Rennicks. Fotografía: Bryan Mason. Producción: Genesius Pictures, Cornerstone Films, Align, Searchlight Pictures.

Nominado a Mejor Film Británico en los Premios BAFTA 2022.

Fecha del estreno: 2 Septiembre 2022 (España).

 

Reparto: Emma Thompson (Nancy Stokes), Daryl McCormack (Leo Grande), Isabella Laughland (Becky), Charlotte Ware (Camarera 1), Carina Lopes (Camarera 2), Lennie Beare (Persona en bicicleta), Les Mabaleka (Repartidor).

 

Sinopsis:

Nancy Stokes, una maestra de escuela jubilada, anhela algo de aventura y sexo. Buen sexo. Su difunto marido Robert le proporcionaba un hogar, una familia y algo parecido a una vida, pero nunca tuvo buen sexo de él. Ahora que hace tiempo que Robert falleció, Nancy pone en marcha su plan y contrata a un joven gigoló que responde al exótico nombre de “Leo Grande”. En una habitación de hotel anónima, Nancy recibe a Leo. Su aspecto es tan bueno como el de su foto, pero lo que ella no esperaba era una gran conversación. Nancy descubre que le gusta. Y a él le gusta ella. Con una gran confianza sexual, Nancy empieza a relajarse. En el transcurso de su encuentro, la dinámica de poder cambia y las máscaras de los personajes empezarán a desmoronarse.

 

Comentarios: 

Emma Thompson es una actriz de cualidades algo irritantes. A veces por su inclinación al histrionismo, otras por su técnica tan perfecta y el resto por su manera de dar siempre la nota en defensa de las causas más nobles y previsibles: del greenwashing (o ecoblanqueamiento) al zapato deportivo en los actos oficiales. El pasado mes de febrero de 2022, en el marco del festival de Berlín, se hizo viral el vídeo en el que la actriz británica hablaba de cómo a las mujeres nos han educado para odiar nuestro cuerpo. “Es un hecho”, dijo, “todo lo que nos rodea solo nos recuerda lo imperfectas que somos”.

Thompson se refería a su personaje en Buena suerte, Leo Grande y a lo que considera el mayor reto de su carrera: desnudarse a sus 63 años superando su terror al espejo. Un reto que después de ver este filme interpretado junto al actor de 29 años Daryl McCormack solo se puede tachar de admirable y valiente. Y no porque salga desnuda (aunque nunca es fácil desnudarse ante una cámara, tampoco para una actriz joven y lozana) sino por cómo lo hace. Thompson no se desnuda sin más, sino que compone en cuatro actos un personaje que concentra con humor y finura todos los miedos de una mujer a su propia carne y a su imagen. Un papel cuyos riesgos, que no son pocos, se van resolviendo con habilidad y credibilidad pese a la artificiosa propuesta: una viuda, profesora jubilada de Religión en un instituto, contrata a un trabajador sexual joven para hacer con él lo que nunca hizo con su marido. Reforzando la teatralidad de la puesta en escena, los cuatro actos ocurren entre las paredes de un hotel impersonal, feo, alejado de cualquier adorno superfluo que distraiga de lo que aquí importa: dos cuerpos enfrentados a las dudas del deseo y a la inevitable comicidad del sexo.

La película arranca con todos los clichés atribuidos a tantas mujeres crecidas en los años cincuenta y sesenta: orgasmos fingidos, sexo para bostezar, hijos parásitos y un marido que se fue a la tumba sin enterarse de nada. La enorme represión sexual de toda una generación se confronta aquí con el discurso de un hombre joven que, pese a la seguridad que tiene en su físico, también tendrá que aprender a desnudarse.

Buena suerte, Leo Grande no elude el debate sobre la prostitución, aunque el espinoso asunto se toca más bien de pasada. El resto discurre como un partido de tenis de gestos y diálogos que si llega a buen puerto es gracias a una escalada en la que los dos intérpretes saben estar a la misma altura: él, con su forzada y remilgada galantería; ella, con el patetismo de sus nervios a flor de piel. Aunque el punto de inflexión llega en el segundo acto, a partir del baile que desatasca la rigidez de los cuerpos. A partir de ahí, los personajes empiezan a fluir en un crescendo para el que Thompson se reserva las líneas finales en su mudo y emocionante desnudo integral. (Elsa Fernández-Santos)

Recomendada.

Un paseo con Madeleine (Christian Carion, 2022)

 

Título original: Une belle course. Dirección: Christian Carion. País: Francia. Año: 2022. Duración: 91 min. Género: Drama.

Guión: Christian Carion, Cyril Gely. Música: Philippe Rombi. Fotografía: Pierre Cottereau. Producción: Une Hirondelle Productions, TF1 Films Production, Bright Lights Films, Kobayashi Communication.

Fecha del estreno: 24 Marzo 2023 (España).

 

Reparto: Line Renaud, Dany Boon, Alice Isaaz, Jérémie Laheurte, Gwendoline Hamon, Julie Delarme, Hadriel Roure, Thomas Alden, Christophe Rossignon, Elie Kaempfen.

 

Sinopsis:

Madeleine abandona su hogar para ingresar en una residencia de ancianos, al otro lado de París. Un taxista viene a recogerla y ella le pide que pase por unos lugares de la capital que han marcado su vida.

 

Comentarios: 

Una historia con encanto por las calles de París a bordo de un taxi, que es donde se desarrolla la mayor parte del relato. Dos personajes casi únicos, un taxista con problemas, como todos (los taxistas, los franceses, los europeos y quien quiera que se apunte), y que interpreta Dany Boon, ese actor de comedia que aquí procura medir sus gansadas, y una mujer anciana que se traslada de su casa a una residencia y que encuentra en la veterana Line Renaud (casi 95 años) la mejor actriz para incorporarle gracia, chispa, verdad y ese componente de sentimiento para hacer el viaje cercano e interesante.

El director y guionista Christian Carion construye su argumento y su puesta en escena de modo sencillo (aceptando como sencillo el tráfico y la filmación por las calles de París), mediante la relación entre los dos personajes y las pequeñas y grandes conversaciones que tienen, con sus confidencias, problemas y pleitos.

En ese sentido, ‘Un paseo con Madeleine’ resulta lúcido y entrañable, pues el acercamiento y el intercambio sin gritos entre dos personas, aunque sea en el interior de un taxi, siempre es de agradecer, que diría Tamames. Son frecuentes los momentos de humor suave y también lo son los más intensos y expresivos, especialmente por la fuerza e ironía del personaje de la anciana; incluso hay una bajada en tromba al drama por una de esas revelaciones entre ambos, lo cual le permite a la película ponerse de puntillas ante el peligro de quedarse parada en un semáforo o entre el tráfico.

La mezcla de amargo y dulce le otorga a ‘la carrera’ profundidad, igual que las reflexiones sobre la vida, el amor, la vejez y la aceptación de los golpes recibidos y ocasionados. Las interpretaciones son muy apropiadas, en especial la de Line Renaud, que es casi milagrosa, y ni siquiera se hace incómodo lo predecible y húmedo del desenlace. (Oti Rodríguez Marchante)

Recomendada.

En los márgenes (Juan Diego Botto, 2022)

 

Título original: En los márgenes. Dirección: Juan Diego Botto. País: España. Año: 2022. Duración: 105 min. Género: Drama.

Guión: Juan Diego Botto, Olga Rodríguez. Música: Eduardo Cruz. Fotografía: Arnau Valls Colomer. Producción:     Penélope Cruz, Álvaro Longoria.

Sección “Horizontes” del Festival de Cine de Venecia 2022. Sección “Perlas” del Festival de Cine de San Sebastián 2022.

Fecha del estreno: 7 Octubre 2022 (España)

 

Reparto: Penélope Cruz, Luis Tosar, Adelfa Calvo, Christian Checa, Aixa Villagrán, Juan Diego Botto, Font García, Nur Levi, María Isabel Díaz, Javier Perdiguero, Fabrice Boutique, Irene Bueno Royo.

 

Sinopsis:

La cuenta atrás de tres personajes, con senda historias entrelazadas, que tratan de mantenerse a flote y sobrevivir a 24 horas claves que pueden cambiar el curso de sus vidas. El film explora el efecto que una situación de estrés económico tiene sobre las relaciones personales, y cómo el afecto y la solidaridad pueden ser un motor para salir adelante.

 

Comentarios:

Era previsible que la primera película como director de Juan Diego Botto fuera un intenso drama social, incluso que tuviera un cierto aire, aroma, del cine de Ken Loach, Laverty o Guédiguian, por poner sólo unos casos de cine europeo ‘comprometido con la causa’. Lo que no era tan previsible es que, más allá del ‘tema’, estuviera tan bien aliñado de ritmo, tensiones, atmósferas y verosimilitud dentro de un carril ideológico que suele preocuparse más por el ‘mensaje’ que por su credibilidad.

Hay varias historias cruzadas en el interior de esos márgenes y el hilo conductor de ellas es un personaje, un abogado solidario que interpreta Luis Tosar y que maneja las tensiones de los varios sucesos que se relatan, el de una mujer y su pequeño hijo que van ser desahuciados de su casa, una niña magrebí que recogen los Servicios Sociales porque aprecian desatención por parte de la madre o un hombre atrapado por el banco que dilapidó el dinero de su madre…, además de su propia causa, pues el abogado está en mil batallas mientras pierde la suya personal al no estar nunca donde su familia lo necesita.

Es decir, desahucio, inmigración, crisis financiera y crisis personal, asuntos actuales, cotidianos, angustiosos y que le dan trabajo a la conciencia. También muy susceptibles de caer en el cliché, en lo convencional.

El peso físico de la película cae en Luis Tosar, actor de mucho aliento y fuertes espaldas para sujetar el peso del mensaje y la adrenalina de su personaje, que no se da un respiro entre el agobio, el tráfico, las prisas y un sinfín de vueltas para estar en todos sitios y en ninguno. El peso emocional lo provoca Penélope Cruz, la madre a desahuciar, y los intentos de parar el desalojo por lo legal o por lo alegal. Y el peso de la aflicción, de la máxima pesadumbre, lo aporta la actriz Adelfa Calvo, la madre sola y esquivada por su hijo mal inversor, en una escena contra la cámara realmente conmovedora.

Película bien construida, narrada e interpretada con pasión, quizá con tanta que sus personajes no consiguen desencorsetarse y la cámara no deja de mirarlos nerviosa, excitada y con apetito documental (alguna escena de asamblea vecinal con el estilo real y directo de las de Loach). Tosar y Penélope tienen la función (y el deber) de estar en el centro del plano, pero con qué arte se lo disputan Adelfa Calvo y Christian Checa, el hijo no, el hijastro. (Oti Rodríguez Marchante)

Recomendada.

Ali y Ava (Clio Barnard, 2021)

 

Título original: Ali & Ava. Dirección: Clio Barnard. País: Reino Unido. Año: 2021. Duración: 95 min. Género: Drama.  

Guión: Clio Barnard. Fotografía: Ole Bratt Birkeland. Música: Harry Escott. Producción: BBC Films, BFI Film Fund, Moonspun Films.

Nominada a Mejor Film Británico y Mejor Actor (Akhtar) en los Premios BAFTA 2021. Sección Oficial del Festival de Cine Europeo de Sevilla (SEFF 2021).

Fecha del estreno: 26 Agosto 2022 (España)

 

Reparto: Adeel Akhtar, Claire Rushbrook, Ellora Torchia, Shaun Thomas, Natalie Gavin, Mona Goodwin, Krupa Pattani, Vinny Dhillon, Tasha Connor, Macy Shackleton.

 

Sinopsis:

Por diferentes razones, Ali y Ava se sienten solos. Se conocen a través de Sofía, la hija de los inquilinos eslovacos de Ali a quien Ava cuida. A partir de ahí y durante un mes lunar, una conexión profunda comienza a crecer entre ellos, a pesar de las secuelas de la relación anterior de Ava y la confusión emocional de Ali; y todo ello alimentado por la pasión de ambos por la música.

 

Comentarios: 

Clio Barnard vuelve a rodar en Bradford, West Yorkshire, para elaborar una historia de amor que puede ser descrita como un film de realismo social pero también como un luminoso musical. Una combinación poderosa que deja de lado esa dureza fría que dominaba el tono de sus dos películas anteriores para ofrecer aquí una celebración de la vida que, sin rehuir su dureza ni sus conflictos, opta por el color en un nuevo retrato de Bradford donde los niños juegan con luces de colores y muchas noches se iluminan con fuegos artificiales. La historia se basa en las vivencias de personas que Barnard conoció durante los rodajes de The Arbor (2010) y The Selfish Giant (2013) y también es un homenaje vitalista a todos ellos. De fondo aparece la realidad de la diferencia de clases, del racismo, de la violencia de género o del alcoholismo. Son las presiones externas que deben afrontar los personajes y forman parte de ese telón de fondo ineludible, pero lo que de verdad importa en la película es la expresión de la lucha interior de sus dos protagonistas, Ali y Ava, y del modo en que esa realidad exterior afecta a su vida más íntima y a sus conflictos más personales.

La música en Ali & Ava es un elemento crucial no solo para la búsqueda de ese tono optimista (que no naif) sino también para mostrar su poder sanador y, sobre todo, como mecanismo a través del cual trasladar la subjetividad y los gustos personales de los personajes principales. En su interesante juego entre música diegética y extradiegética destaca la secuencia en la que Ali y Ava, subidos a un sofá, escuchan música juntos. Pero cada uno escucha la suya, con sus propios auriculares y en la diferencia de los temas se expresa, mientras bailan unidos (en lo que es el inicio de su historia de amor) la posibilidad de conectar a pesar de las numerosas distancias que los separan: edad, clase social, creencias religiosas, ambiente familiar… A ella le gusta el folk. A él el punk y el rock. Pero el hecho de que finalmente Ali aprecie un tema de Dylan hace que la música represente también la posibilidad definitiva de acercarnos, a pesar de las diferencias. (Jara Yañez)

Recomendada.

Te estoy amando locamente (Alejandro Marín, 2023)

 

Título original: Te estoy amando locamente. Dirección: Alejandro Marín. País: España. Año: 2023. Duración: 107 min. Género: Drama.

Guión: Carmen Garrido Vacas, Alejandro Marín. Música: Nico Casal. Fotografía: Andreu Ortoll. Producción: Escándalo Films, ESCAC Films, Zeta Studios, La Pepa Films.

Fecha del estreno: 6 Julio 2023 (España).

 

Reparto: Ana Wagener, Omar Banana, Carlos Bernardino, Lola Buzón, María Cabrera, Mar Cambrollé, Jesús Carroza, La Dani, Ignacio de la Puerta, Úrsula Díaz Manzano, Alba Flores.

 

Sinopsis:

Sevilla, 1977. En un momento en el que la homosexualidad es delito, Reme, una madre tradicional movida por el amor de su hijo, un adolescente aspirante a artista, se involucrará en el movimiento LGTBI andaluz, gestado paradójicamente en el seno de la Iglesia.

 

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En un momento de Te estoy amando locamente, conmovedor debut en el largometraje de Alejandro Marín, joven director malagueño formado en la ESCAC de Barcelona, su protagonista, un chaval de 17 años que acaba de terminar el bachillerato y que ansía participar en el mítico programa Gente joven, envía el formulario de inscripción al concurso de TVE (una especie de Operación Triunfo orquestal y en blanco y negro) introduciendo la carta de sus ambiciones personales en un buzón de correos. Es en ese momento cuando Marín, maravillosamente simbólico, decide introducir un plano detalle del sobre, con dos sellos que marcan una época: uno de Franco, muerto dos años antes, pues estamos en 1977, pero aún presente en la legalidad postal, en una parte de la sociedad y de la gente, y en unas leyes dictatoriales que aún pervivieron durante demasiados años; y otro sello del nuevo rey, joven emblema de un país que pretendía empezar a circular por el camino de la modernidad.

Ese chaval, pendiente aún de la selectividad y a un paso de la carrera de Derecho, ser humano con las hormonas desbocadas, como todos a esa edad, sabe, sin embargo, lo que tiene por dentro y lo que desea. Y poco tiene que ver con estudiar leyes, sino con cambiarlas. Con poder desarrollar su homosexualidad en libertad. Así, la película se convierte en la historia de unos orígenes, los del movimiento homosexual y transexual en la Sevilla de la Transición, aún sin la Constitución de 1978, y la de una madre, la suya, que al fin y al cabo es la propia España del momento: descreída, pacata, pendiente de los vecinos, del qué dirán y de las represalias del poder, del rancio y fascista poder del que veníamos, pero luchadora hasta el fin.

Es Te estoy amando locamente una película inspiradora, muy bien producida y aún mejor interpretada, en la que apenas hay borrón. Un trabajo de una emoción desbordante que explota hasta la lágrima cuando surgen las primeras estrofas de la canción de Rigoberta Bandini Yo solo quiero amor junto a unas emblemáticas fotografías. Allí culminan los excelentes trabajos de vestuario y dirección artística, de banda sonora y de puesta en escena; el perfecto tono, entre el drama social, la comedia petarda y el melodrama testimonial; y un conjunto de magníficas interpretaciones: de la madre, Ana Wagener; del hijo, Omar Banana; y del fantástico grupo que los acompañan, sin fisuras, con especial mención para el debut de La Dani, carisma por arrobas, y para Álex de la Croix. Las nominaciones a los Goya están esperándoles.

La especial transversalidad del movimiento, tan bien conseguida, es otra de sus virtudes. Allí donde la lucha del movimiento homosexual (que entonces aún no se llamaba LGTBI+) convergía con el feminismo, y las reivindicaciones sindicales y obreras con la ayuda de cierto clero de corte activista, en busca de la mejora de los derechos sociales, cualquiera de ellos. Así, los entonces llamados “curas rojos” están representados por el precioso personaje que interpreta Jesús Carroza con su espontaneidad habitual.

Por último, hay un aspecto que es necesario tratar en una crítica, porque en principio puede sorprender en una película con un tema como este: la ausencia total de sexo. La amistad, las demandas sociales, la solidaridad, la dignidad y la nobleza están ahí. También el amor, aunque casi de soslayo y en torno a dos personajes secundarios, en una historia en la que todo se entiende (su pasado y su futuro), pero con poco desarrollo. Y, por supuesto, el amor fraternal entre una madre y un hijo. Sin embargo, nunca aparece el sexo. Ante esto, hay dos posibles explicaciones.

Un abogado del diablo podría acusar a los autores de Te estoy amando locamente —Marín y su coguionista, Carmen Garrido Vacas, además de los productores— de querer hacer una película para todos, popular en el más amplio (y peor) sentido de la palabra; de aligerar el lado más salvaje, procaz y lujurioso del movimiento, en pos del agrado de todo tipo de audiencias; de no querer ser una película nicho únicamente para radicalmente convencidos. Este crítico, en cambio, se apunta a una segunda opción, bastante más extraordinaria. La rabiosa libertad de haber hecho una película sin sexo cuando se está tratando un tema en el que el sexo resulta fundamental. E igual que aquellos seres humanos de mediados de los años setenta reivindicaban una existencia libre y desprejuiciada para poder desplegar su autonomía sexual en forma de liberación pública, pero también de un modo en el que nadie era quién para meterse en su vida privada, Te estoy amando locamente es la orgullosa muestra de que el cine también puede ser atrevido yendo a la contra.

Tan osado como para que apenas haya un beso entre un rosario de emociones solidarias, en un grupo de ciudadanos valientes hasta el heroísmo, que entonces (y, por desgracia, aún ahora en ciertos reductos a desterrar) eran calificados por demasiada gente como poco menos que alimañas enfermas sujetas a una Ley de Peligrosidad Social. (Javier Ocaña)

Recomendada.