Título original: Les herbes folles. Dirección: Alain Resnais. Países: Francia e Italia. Año: 2009. Duración: 104 min. Género: Drama, romance. Guión: Alain Resnais y Laurent Herbiet; basado en la novela
“L’incident”, de Christian Gailly. Producción: Jean-Louis Livi. Música: Mark Snow. Fotografía: Eric Gautier. Montaje: Hervé de Luze. Diseño de
producción: Jacques
Saulnier. Vestuario: Jackie Budin. Estreno en Francia: 4 Noviembre 2009. Estreno en España: 16 Marzo 2012.
Intérpretes: Sabine Azéma (Marguerite Muir), André Dussollier
(Georges Palet), Anne Consigny (Suzanne), Emmanuelle Devos (Josépha), Mathieu
Amalric (Bernard de Bordeaux), Michel Vuillermoz (Lucien d’Orange), Edouard
Baer (narrador), Sara Forestier (Elodie), Nicolas Duvauchelle (Jean-Mi).
Sinopsis:
Marguerite no contaba con que le robaran el
bolso al salir de la tienda. Y menos aún con que el ladrón tirara lo que había
dentro en un aparcamiento. En cuanto a Georges, de haberlo sabido, no se
hubiera agachado a recogerlo. Entre estos dos personajes que no tenían ninguna
probabilidad de encontrarse, va a establecerse una relación sentimental llena
de sobresaltos e imprevistos.
Sabine Azéma
Calificación: 7, Buena.
Lo mejor de la película: La interpretación de la pareja de protagonistas,
Sabine Azéma y André Dussollier. Una música fantástica de Mark Snow. Estupendo
el uso de flashbacks. Los movimientos de cámara del inicio de la película,
impidiéndonos ver el rostro de los protagonistas, dan lugar a unas preciosas
acrobacias.
Lo peor de la película: Algunas reacciones de los personajes son
desconcertantes, invitándonos a unos ambientes poéticos e irreales propio de
los toques artificiosos y llenos de fantasía del cine de Resnais, realizador
que filma esta cinta con 87 años, experiencia digna de halagos. Resnais abusa
de la voz en off.
En mi opinión, la mayor parte de los “terrores” que, a lo largo de su vida, permanecen indelebles en una persona suelen ser aquellos que provienen de su infancia. En esos momentos, si se sufren, no pueden tildarse de “favoritos”, precisamente. Con los años, los “terrores” cambian, se modulan, atemperan o crecen, pero los que proceden de los años en que eres un niño no suelen modificarse: estarán ahí siempre, como tantas cosas de la infancia que se te quedan grabadas y marcan tu personalidad futura.
En ese contexto, y al “final de un pasillo” (luego lo entenderéis!), recuerdo mis primeros miedos y angustias terroríficas. Se trataba, entre otros, de la serie de TV tan famosa de Narciso Ibáñez Serrador “Historias para no dormir”.
La alusión al “final del pasillo” tiene su sentido ahora, y su punto especial complementario de terror, que paso a explicar seguidamente. Mi madre, fanática de la serie, no me dejaba verla pues yo aún era pequeño cuando la misma comenzó. En mi casa, existía un largo pasillo, al fondo del cual estaba mi habitación. Yo hacía como que me iba a la cama, pero cuando empezaba la serie, ya mi madre perdía todo interés en mi temblorosa persona y, por tanto, yo me iba acercando poco a poco a la salita donde estaba la tele y la veía detrás de una puerta y en la oscuridad. Oculto y siniestro como un bandido!
De momento, lo que más me gustaba y empezaba a aterrorizarme era la propia presentación de la serie. Ese sonido final de aquella puerta cerrándose, bajo el fondo blanco y negro, común por demás a la serie en sí, con ese grito desgarrador al final, como si fuera un penetrante aullido fantasmal, ya me ponía los vellos de punta y hacía que temblara de miedo y emoción al mismo tiempo.
Ya más adelante, dado el paso de los años, mi madre me permitió ver la serie acompañando al resto de la familia que “disfrutaban” todos de la emisión que tocase por la noche.
Por supuesto, como siempre y más en una familia numerosa, se producían opiniones encontradas sobre aquellas que nos aterrorizaban más o menos, según cada cual. Ello resultaba emocionante pues se abría un debate familiar muy interesante que revelaba los “terrores” de cada miembro de la familia…Pero, como lo que cuenta ahora son los míos, las series que a mí particularmente más me fascinaron y constituían el caudal de pesadillas nocturnas que me asolaban durante algunos días fueron, entre muchas otras, dos capítulos que me proporcionaron gran deleite terrorífico.
Un episodio que me resultó especialmente tenebroso y macabro fue el denominado “El Tonel”. En el mismo, se narraba la historia de un personaje que, abusando de la hospitalidad de un buen vecino, se aprovecha de dicho recibimiento y atenciones y, de paso, se marcha con la mujer de tan hospitalaria persona. La acción se desarrolla durante una fiesta de vendimia y, en dicho contexto, se produce una terrible venganza……
Lógicamente, hubo muchos episodios a lo largo de esos años 60 y 70 y es imposible rememorarlos todos, pero ya por acabar, sí quisiera hacer mención y destacar uno de ellos que a toda la familia, y a mí particularmente, nos aterrorizó sobremanera. La atmósfera de dicho capítulo y, sobre todo, la muy notable actuación de José Orjas; Paco Morán y la genial Irene Gutiérrez Caba, contribuyeron a ocasionarme numerosas pesadillas al respecto.
Llevaba por título “El Regreso” y su argumento central era la historia de dos primos que esperan con ansiedad el fallecimiento de su tío para heredar su inmensa fortuna. A través del médico que atiende al anciano, se enteran de que ninguno de los dos figura en el testamento, por lo que los sobrinos planean robar y matar al tío. Incluyo un breve fragmento, algo más largo, de este episodio, en el que os sugiero que os detengáis en la fuerza expresiva de la escena protagonizada por Irene Gutiérrez Caba, quien era realmente la auténtica malvada de esta emisión pues también se cargaba al primo. Con el mismo, pongo el punto final a esta exposición de “Mis Terrores Favoritos” que espero haya sido de vuestro agrado. Gracias.
Trabajo presentado en el Taller de Cine por Alberto Jiménez Lirola.
Título original: Les infidèles. Dirección: Emmanuelle Bercot, Fred Cavayé, Alexandre Courtes, Michel Hazanavicius, Eric Lartigau, Jean Dujardin y Gilles Lellouche. País: Francia. Año: 2012. Duración: 109 min. Género: Comedia. Guión: Nicolas Bedos, Philippe Caverivière, Jean Dujardin, Stéphane Joly y Gilles Lellouche. Producción: Les Dujs, Éric Hannezo, Vincent Labrune y Guillaume Lacroix. Música: Evgueni y Sacha Galperine. Fotografía: Guillaume Schiffman. Montaje: Anny Danché. Diseño de producción: Maamar Ech-Cheikh. Vestuario: Carine Sarfati. Estreno en España: 4 Abril 2012.
Intérpretes: Jean Dujardin (Fred / Olivier / François / Laurent / James), Gilles Lellouche (Greg / Nicolas / Bernard / Antoine / Eric), Guillaume Canet (Thibault), Aina Clotet (Julia), Sandrine Kiberlain (Marie-Christine), Alexandra Lamy (Lisa), Mathilda May (Ariane).
Sinopsis:
Desde una conferencia de ventas en un hotel en los suburbios a una elegante clínica para adictos al sexo, desde un club nocturno en París a la ostentación de la carne en Las Vegas, los protagonistas de “Los infieles” se lanzan a una búsqueda tan antigua como el tiempo. Cualquier mala excusa es ofrecida, todos los trucos existentes se usan. La búsqueda del sexo está en marcha. Ingeniosos y conmovedores, honestos y cínicos, cobardes e inocentes, enternecedores y despreciables; chicos, en otras palabras. La esperanza late eternamente en el corazón del hombre, pero el camino hacia el placer prohibido nunca es fácil.
Gilles Lellouche y Jean Dujardin
Calificación: 3, Mala.
Lo mejor de la película: La unión de muchos realizadores para tejer una serie de historias en torno a la infidelidad de los hombres. El proyecto de hacer un filme colectivo resulta atractivo, el resultado es nefasto. ¿Dónde se ha escondido tanto talento que no aflora por ningún lado?
Lo peor de la película: Es increíble observar cómo tantos realizadores interesantes se reúnen para hacer este bodrio, incluido en recién ganador del Óscar, Michel Hazanavicius, por su filme “The Artist”.El resultado es una comedia casposa y chirriante a más no poder, que desprende dosis de misoginia en cada fotograma. Absténgase las/los feministas, porque pueden pasar un rato muy desagradable.
Tras su paso por el pasado Festival de Cine de Sevilla, donde tuvimos ocasión de verla, se estrena en nuestra ciudad esta película dirigida por Yorgos Lanthimos, realizador griego, que obtuvo gran éxito con su anterior trabajo “Canino”. La película de Yorgos Lanthimos se fue del Festival sin ningún premio, además no levantó gran entusiasmo entre el público asistente. A nosotros nos dejó un sabor de boca completamente indiferente. Rarezas y más rarezas propias de Lanthimos y poco más. La primera rareza es que la cinta se estrena esta semana en España, pero en Sevilla, no. Quizás dentro de varias semanas o meses aparezca por los cines Avenida, de momento, hay que ir a verla a Madrid o Barcelona.
Fotograma de Alps
Para más información, os remitimos a la entrada de nuestro Blog, de fecha 11-11-2011, donde hablábamos de esta cinta.
Título
original: The cold light of day. Dirección: Mabrouk
El Mechri. País: USA. Año: 2012. Duración: 93 min. Género:
Acción, Thriller.
Guión: Scott Wiper, John Petro. Música: Lucas Vidal. Fotografía: Remi Adefarasin. Montaje: Valerio Bonelli. Diseño de producción: Benjamín Fernández. Vestuario: Bina Daigeler. Producción: Marc
D. Evans, Trevor Macy.
Fecha del estreno: 4 Abril 2012
(España)
Reparto: Henry Cavill (Will),
Sigourney Weaver (Carrack), Bruce Willis
(Martin), Verónica Echegui (Lucía), Jim Piddock (Meckler), Caroline Goodall
(Laurie), Rafi Gavron (Josh), Emma Hamilton (Dara), Oscar Jaenada.
Sinopsis:
Will Shaw es un joven
norteamericano cuya familia es secuestrada cuando se encuentran en plenas
vacaciones por España. Shaw dispone de pocas horas para encontrarlos, poner al
descubierto una conspiración del gobierno y además encontrar la conexión
existente entre la desaparición de su familia y los secretos de su padre.
Comentarios:
La fría luz del día,
es la presentación del director -también guionista y actor- francés de origen
tunecino Mabrouk El Mechri, en el mercado norteamericano, oportunidad que se le
ha brindado seguramente por la gran acogida que tuvo su anterior película JCVD
(2088) por parte de la crítica.
Viendo el resultado,
resulta imposible creer que sea el mismo director quien recibió aquellos
elogios y quien firma este desastroso proyecto. Los males de la película
arrancan con el guion, insulso, manido y sin ningún interés, pero es que el
director en vez de minimizar las endebleces del libreto, se deja arrastrar por
él, encadenando despropósitos uno detrás de otro, una constante falta de
tensión, una desastrosa planificación, una pésima dirección de actores, todo
mal resuelto… lo dicho, un desastre.
Sobre los actores, hay
que tener en cuenta la malísima dirección que sufren por parte de su director,
que afecta especialmente al joven Henry Cavill, quien sin director, ni guion a
los que agarrase, se encuentra perdido, y su doblaje no le termina de ayudar.
Sigourney Weaver y Bruce Willlis cubren el expediente con oficio. El caso de
Mr. Willis llama la atención como teniendo un papel secundario, casi
testimonial -muere al inicio- sale en grandes letras en el cartel.
La cinta tiene el
atractivo para el espectador foráneo del paseo turístico por varios lugares de
la capital madrileña -Puerta del Sol, Plaza Mayor, Ventas…- eso sí sin
sincronía geográfica.
Así qué en resumen, un
total desastre. En lo único que acierta Mabrouk El Mechri, es en el metraje -93
minutos- más hubiera sido insufrible. Él es director joven y está a tiempo de
reconducir su carrera, pero para ello deberá mantenerse alejado de subproductos
comerciales como éste. (Fer Broto)
COLECCIÓN DE CORTOS PROYECTADOS EN
EL TALLER DE CINE
Título
original: Life of an american fireman.Dirección: Edwin S. Porter y George S. Fleming. País: Estados Unidos.
Año: 1903.
Duración: 6
minutos. Guión: Edwin
S. Porter. Producción: Edison
Manufacturing Company.
Intérpretes: Arthur White, Vivian Vaughan, James H. White.
Sinopsis: Recrea
el rescate de una mujer y su hija atrapadas en un edificio en llamas.
Consideraciones: Formando
parte del equipo de Edison, Porter trabajó como maquinista primero,
proyeccionista después y, finalmente, director. Se cree que fue el primero en
unir una serie de planos para formar una secuencia continua con acciones
paralelas.
Prestar atención: A
la ilusión de continuidad creada a partir de la concatenación de secuencias. Para
ello Porter combinó imágenes de la realidad (como el coche saliendo del parque de
bomberos) con otras de ficción creadas por él. También rueda la misma acción
desde dos puntos de vista distintos que no se alternan, sino que se presentan
uno después del otro (el rescate visto desde el interior y desde el exterior).
Título original: Grupo 7. Dirección: Alberto Rodríguez. País: España. Duración: 95 min. Género: Acción, thriller, policiaco, drama. Guión: Rafael Cobos. Producción: José Antonio Félez y Gervasio Iglesias. Música: Julio de la Rosa. Fotografía: Alex Catalán. Montaje: José M.G. Moyano. Dirección artística: Pepe Domínguez. Vestuario: Fernando García. Estreno en España: 4 Abril 2012.
Intérpretes: Antonio de la Torre (Rafael), Mario Casas (Ángel),Inma Cuesta (Elena), José Manuel Poga (Miguel), Joaquín Núñez (Mateo), Julián Villagrán (Joaquín), Estefanía de los Santos (La Caoba), Alfonso Sánchez (Amador), Carlos Olalla (don Julián), Lucía Guerrero (Lucía).
Sinopsis:
“Grupo 7″ es una película policiaca de acción e intrigas criminales, de persecuciones y arrestos, pero también un drama de lealtades y mentiras de un grupo de hombres arrogantes y desvalidos, vulnerables y violentos. El grupo lo componen: Ángel, un joven aspirante a inspector, inteligente y compasivo; Rafael, un policía expeditivo, contundente y arrogante; Miguel y Mateo, los socarrones del grupo, capaces de las mayores brutalidades, pero también de inesperadas muestras de ternura. Para el Grupo 7 no existe la delgada línea que separa los recursos poco éticos de los abiertamente ilegales. Su modus operandi: violencia, coacciones, mentiras y medias verdades… todo vale.
Mario Casas
Calificación: 7, Buena.
Lo mejor de la película: La atmósfera tan realista que transmite la película, todo gracias a una magnífica fotografía de Alex Catalán. La música está muy acertada, contribuyendo a mantener la tensión. La cinta goza de buenas interpretaciones, incluso, la apuesta de Rodríguez por incluir al niño guapo de moda, Mario Casas, no le sale mal, parece que Casas apunta maneras y puede convertirse en un futuro en el actor que pretende ser.
Lo peor de la película: La abundancia de tópicos en películas de este género: policías golpeados por la vida o con familias que se desquebrajan, confidentes que se venden, periodistas sin escrúpulos, etc. Todo este mundo que nos recrea Alberto Rodríguez nos recuerda a viejas películas pasadas.
Reconozco que me he comido el “coco” pensando en qué terror favorito era el más significativo para mí, porque son muchos…
Si añado que cada vez me produce más “miedo” visionarlos me he decantado por una película que la vi al poco de estrenarse junto a mi hermana (ella sí es una forofa del cine de terror) y dos de mis sobrinos.
Es la película Misery de 1990.
Nos impresionó a los tres y aún recordamos “la secuencia” que me ha hecho elegirla.
La he seleccionado también para resaltar el éxito que tiene el personaje psicópata como protagonista en el cine.
Misery es una película atemporal que envejece soberanamente bien, sobre todo cuando el mercado está lleno de productos con personajes dementes, obsesivo-compulsivos y maestros del terror que rara vez consiguen acercarse a la maravillosa interpretación de Kathy Bates y, en definitiva, superar la que sin duda es la mejor adaptación de una novela de Stephen King a la gran pantalla.
Lo mejor para mí: el duelo interpretativo entre Kathy Bates y James Caan.
Siendo una película previsible, me mantuvo alerta en todo momento, en un “in crescendo” que me generó intriga y ansiedad.
Ejemplo perfecto de tensión bien llevada y de terror psicológico, ‘Misery’ cuenta con un terrorífico retrato de una obsesión de la mano de Kathy Bates, que no es por nada, le valió un merecido Oscar.
Kathy Bates en Misery
La escena que más me marcó como dije al comienzo (y apuesto que no solo a mí) es la rotura de los tobillos con el mazo que ella le propina a su” ídolo”, como fan numero uno de él que es…
Esto sí que no me lo esperaba, tanta frialdad, la cara sin expresión, calma, alevosía y premeditación…un sin fin de calificativos contrarios a los que me produjo a mí cuando la vi: angustia, dolor, impotencia, impacto, miedo…
Si os apetece verla: La tensión está servida…
Trabajo presentado en el Taller de Cine por Gema Conejo Gaspar.
Esta tarde, a las 20,00 horas, disfrutaremos de una nueva actividad de “Linterna Mágica”.
En esta ocasión, tenemos como invitado a José Javier Pérez Prieto (Sevilla, 1976), guionista y director del cortometraje documental “Alma”.
Tras una breve presentación del cortometraje y su director, tendremos la oportunidad de proyectar el corto “Alma”, nominado en la última entrega de los Goya a Mejor Cortometraje Documental.
Fotograma de "Alma"
Su director ha comentado sobre esta nominación al Goya que "supone todo un reconocimiento", pues tras llevar mucho tiempo trabajando en el proyecto, "nos hemos visto bastantes solos, debido a que mucha gente finalmente no ha podido apoyarnos a causa de la crisis", afirma el director, aunque "una vez que conocimos a Mikel decidimos seguir adelante".
“Alma” cuenta la historia de Mikel Trueba, una joven de 34 años, de Santurtzi (Bizkaia) que padece una enfermedad degenerativa y terminal, la Esclerosis Lateral Amiotrófica (ELA), sin dejar por ello de disfrutar día a día de las pequeñas cosas. Junto a su mujer, Rosana, y su hija Anne, nos enseña que cada momento hay que vivirlo con intensidad y esperanza.
“Alma”, titulada así porque "intenta mostrar el alma de Mikel, y, además, porque, y tras todas las vicisitudes, es como si cada uno de nosotros hubiera puesto un poquito de su alma", explica Pérez Prieto, tiene una duración de 45 minutos y está producido por la empresa audiovisual sevillana Ketch, con la participación de Canal Sur. Su coste económico asciende a 78.000 euros.
El corto fue galardonado con el Primer Premio del IV Cicus - Sevilla Festival de Cine Europeo, al que hay que sumar el primer premio en el concurso estatal de Cortometrajes Ciutat de Valls.
Fotograma de "Alma"
Tras la proyección de la película, se abrirá una Mesa Redonda con la asistencia del director, donde se desgranarán diferentes aspectos de este magnífico corto.
Así pues, estamos ante una oportunidad única, ver el cortometraje en compañía de su director.
El acto tendrá lugar en el Salón de Actos de Emasesa, en la c/ Escuelas Pías, 1, de Sevilla. Un marco incomparable para pasar una maravillosa tarde.
La entrada es libre hasta completar aforo.
Os esperamos a todas y todos.
Fotograma de "Alma"
Director y guionista: José Javier Pérez. Realizador: Michael M. Valiente. Productor Ejecutivo y Jefe de Producción: Carlos Regidor. Ayte. de Dirección: Michael M. Valiente, Jose Escudier y Víctor Ontanilla. Edición: Víctor Ontanilla. Post-producción: Daniel Brylka. Música: Pablo Cervantes. Cámaras: José Escudier y Jose Javier Pérez. Cámara Subacuática: Antonio Márquez (Azul Videoproducciones). Post-Producción de Sonido: José Antonio Manovel. Sonido Directo: Juan José Mulero, Miguel Ramírez. Asesoramiento científico: Marigros Prieto y Fco. Javier Castro. Iluminación: Francisco Muñiz. Asesor Económico Financiero: Juan Sigüenza. Entrevistas: Toñi Murillo. Ayudantes de Producción: Almudena Sabido, Javier Esteban Romo. Grafismo: Juan Antonio Muñoz, Juanma "Oneman" Reyes".
Autor, editor, escenógrafo y cineasta de éxito, Oscar Micheaux es considerado el padre del cine afroamericano. Su segunda película, "Within Our Gates", es una de las cuarenta que escribió, dirigió y produjo de manera independiente entre 1919 y 1948. Además de su narración absorbente y sus méritos artísticos, "Within Our Gates" posee un valor histórico inmenso por ser la película más temprana que se conoce dirigida por un cineasta afroamericano. Potente, controvertida y con una descripción todavía fascinante de las atrocidades cometidas por los estadounidenses blancos contra los negros durante aquella época, la película continúa siendo, en palabras de un crítico, "un documento cultural esclarecedor y potente [que] no es menos importante hoy que en 1920".
Fotograma de Within our gates
Realizada solo cinco años después de la obra maestra racista de D.W. Griffith "El nacimiento de una nación", "Within Our Gates" sigue la lucha de Sylvia Landry (Evelyn Preer), una profesora negra del sur que viaja al norte con el propósito de recaudar dinero para el colegio. Pero esta es solo una de las diversas historias que Micheaux (que también escribió el guión) teje en su mirada a la represión física, psicológica y económica de los afroamericanos.
Fotograma de Within our gates
Muy poca gente logró ver "Within Our Gates" tal como Micheaux deseaba. El filme fue remontado repetidas veces por los censores, quienes consideraron las escenas de violación y linchamiento demasiado provocativas después de los disturbios raciales de Chicago. Perdida durante setenta años, "Within Our Gates" fue redescubierta en la Filmoteca Española de Madrid y restaurada poco después.
Gracias a esta copia, podemos ofreceros una secuencia de esta joya del cine mudo, quizás, la secuencia más polémica en aquellos tiempos.
