Juan de los muertos, de Alejandro Brugués

Título original: Juan de los Muertos. Dirección y guión: Alejandro Brugués. Países: España y Cuba. Año: 2011. Duración: 96 min. Género: Comedia negra, terror. Producción ejecutiva: Claudia Calviño, Inti Herrera y Gervasio Iglesias. Música: Julio de la Rosa. Fotografía: Carles Gusi. Montaje: Mercedes Cantero. Dirección artística: Derubín Jácome. Vestuario: Esther Vaquero. Estreno en España: 13 Enero 2012.

Intérpretes: Alexis Díaz de Villegas (Juan), Jorge Molina (Lázaro), Andrea Duro (Camila), Andros Perugorría (Vladi), Jazz Vilá (la China), Eliecer Ramírez (el Primo), Antonio Dechent.

Sinopsis:

50 años después de la Revolución Cubana, otra nueva revolución llega a La Habana. Una misteriosa infección está convirtiendo a sus habitantes en muertos vivientes sedientos de carne humana. Juan, como buen cubano, decide montar un negocio para sacar partido de la situación: Juan de los Muertos, con el eslogan «matamos a sus seres queridos». Eliminando a los infectados, Juan y sus amigos comienzan a hacer fortuna. Sin embargo, la situación se complica cada vez más. Nadie sabe de dónde proviene la infección, ni mucho menos cómo acabar con ella, mientras el gobierno cubano insiste en que son disidentes pagados por los Estados Unidos para acabar con la Revolución. Muy a su pesar, Juan se va a convertir en un nuevo héroe.

Jorge Molina y Alexis Diaz de Villegas

Calificación: 6, Aceptable.

Lo mejor de la película: La historia subliminal que nos cuenta, satirizando al actual régimen cubano. El sentido del humor que despliega. La pequeña aparición de Antonio Dechent. Especialmente divertida es una de las secuencias finales, cuando Lázaro le pide a Juan que lo mate.    

Lo peor de la película: El contenido “gore” de esta comedia puede echar para atrás a espectadores más sensibles. Pero hay que tomárselo con sentido del humor.  

Trailer de la película:

Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres (2011), de David Fincher

Título original: The girl with the dragon tattoo. Dirección: David Fincher. Países: USA, Suecia, Reino Unido y Alemania. Año: 2011. Duración: 158 min. Género: Thriller. Guión: Steven Zaillian; basado en la novela de Stieg Larsson. Producción: Ceán Chaffin, Scott Rudin, Søren Stærmose y Ole Søndberg. Música: Trent Reznor y Atticus Ross. Fotografía: Jeff Cronenweth. Montaje: Kirk Baxter y Angus Wall. Diseño de producción: Donald Graham Burt. Vestuario: Trish Summerville. Estreno en España: 13 Enero 2012.

Intérpretes: Daniel Craig (Mikael Blomkvist), Rooney Mara (Lisbeth Salander), Stellan Skarsgård (Martin Vanger), Robin Wright (Erika Berger), Christopher Plummer (Henrik Vanger),  Steven Berkoff (Frode), Joely Richardson (Anita Vanger), Yorick Van Wageningen (Bjurman).

Sinopsis:

En el laberinto de la historia de “Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres” hallamos asesinatos, corrupción, secretos familiares y los demonios internos de dos inesperados socios en búsqueda de la verdad sobre un misterio oculto durante 40 años. Mikael Blomkvist (Daniel Craig) es un periodista financiero dispuesto a restaurar su honor tras ser declarado culpable por difamación. Contactado por uno de los empresarios más ricos de Suecia, Henrik Vanger (Christopher Plummer), para esclarecer la desaparición muchos años atrás de su querida sobrina Harriet —asesinada, según cree Vanger, por uno de los miembros de su familia— el periodista llega a una isla remota de la congelada costa sueca sin saber lo que allí le espera. Simultáneamente, Lisbeth Salander (Rooney Mara), una inusual pero ingeniosa investigadora, es contratada para averiguar los antecedentes de Blomkvist, una tarea que en última instancia la lleva a unirse a Mikael en su investigación sobre el asesinato de Harriet Vanger. Aunque Lisbeth se protege de un mundo que la ha traicionado una y otra vez, sus habilidades como hacker y su capacidad de concentración y determinación inquebrantable, la hacen imprescindible. Mientras Mikael se enfrenta cara a cara con los herméticos Vanger, Lisbeth trabaja en la sombra. Ambos comienzan a trazar una cadena de homicidios desde el pasado hasta el presente, forjando un frágil hilo de confianza, aun siendo arrastrados hacia una de las corrientes más salvajes del crimen contemporáneo.

Daniel Craig

Calificación: 7, Buena.

Lo mejor de la película: La puesta en escena es espectacular. Todo muy bien dirigido por Fincher. Craig y, sobre todo, Mara están estupendos. Destacamos los títulos de crédito iniciales, hoy en día en desuso por desgracia en la mayoría de las películas y la estupenda música de Trent Reznor y Atticus Ross (ganadores del Óscar por La red social) que proporcionan un clima perfecto a las imágenes.  

Lo peor de la película: Aún tenemos fresco el recuerdo de la fantástica versión sueca de 2009, dirigida Niels Arden Oplev. ¿Era necesario hacer un remake americano tres años después? Quizás hubiera merecido la pena que la versión sueca se hubiera estrenado en USA y nada más. Pero los americanos son como son. Tiene que hacer caja.

Trailer de la película:

Banda Sonora de... Blade Runner

Este thriller futurista, dirigido por Ridley Scott, protagonizado por Harrison Ford y basado en la novela de Philip K. Dick, acabó siendo una de esas películas con aureola mítica que aún hoy, 30 años después, sigue manteniendo.

Sin embargo, el asunto de su banda sonora fue muy complejo: el director hizo un primer montaje de las imágenes con extractos musicales de El planeta de los simios y Humanoides del abismo, ambas de James Horner.

Una vez contratado Vangelis, ganador del Óscar un año antes por Carros de fuego (1981), Scott mostró reticencias ante su capacidad para crear el ambiente adecuado al filme y, sin escuchar una sola nota, quiso reemplazarlo por Jerry Goldsmith (con quien había colaborado en Alien) o Gil Melle (La amenaza de Andrómeda).

Finalmente las composiciones electrónicas creadas por Vangelis y la capacidad de conectar con el espectador emocionalmente convencieron a Scott. Y es normal, ya que la obra de Vangelis resultó soberbia y hay que decir que el compositor nunca más ha vuelto a componer con tanto criterio cinematográfico.

No obstante, estos desencuentros entre compositor y director hizo que la banda sonora original no pudiese ser editada, saliendo a la venta una extraña aunque fascinante grabación del score a cargo de la “Nueva Orquesta Americana” conducida por Jack Elliot.

Posteriormente ha salido a luz siete versiones más de la Banda Sonora.

Entre los temas más relevantes hay que destacar “End Titles”, el tema que cubre los títulos de crédito finales, una música completamente diferente a la del resto de la película. El ritmo está construido sobre cuatro notas que se repiten a una velocidad de vértigo y dan como resultado un tema que parece más bien un alegato techno de los ochenta al más puro estilo Giorgio Moroder. Aquí tenéis su vídeo:

Existen muchos más temas sugerentes en esta Banda Sonora, basta recordar Blade Runner Blues,  One more kiss dear o Love Theme. Nos quedamos con éste último track, que a bien seguro os encantará:

Una boda de muerte, de Stephan Elliott

Título original: A few best men. Dirección: Stephan Elliott. País: Australia y Reino Unido. Año: 2011. Duración: 98 min. Género: Comedia. Guión: Dean Craig. Producción: Share Stallings, Laurence Malkin, Gary Hamilton y Antonia Barnard. Música: Guy Gross. Fotografía: Stephen Windon. Montaje: Sue Blainey. Diseño de producción: George Liddle. Vestuario: Lizzy Gardiner. Estreno en España: 5 Enero 2012.

Intérpretes: Xavier Samuel (David), Kris Marshall (Tom), Rebel Wilson (Daphne), Olivia Newton-John (Barbara), Kevin Bishop (Graham), Elizabeth Debicki (Maureen), Laura Brent (Mia), Tim Draxl (Luke).

Sinopsis:

Cuando David viaja a Australia para casarse con el amor de su vida, sus tres padrinos dan un nuevo matiz a la frase “en lo bueno y en lo malo”. El caos en el que se convierte la boda es un ejemplo perfecto del choque de culturas entre los amigos de él y la familia de ella.

Olivia Newton-John, en el centro

Calificación: 4, Deficiente.

Lo mejor de la película: La correcta dirección de Stephan Elliott. Se agradece ver a Olivia Newton-John, aunque su personaje sea un poco pintoresco y tremendamente exagerado.

Lo peor de la película: La secuencia escatológica que protagoniza el carnero. Una historia supermanida a la que Dean Craig poco le puede sacar. No se confundan, estamos ante la enésima comedia descocada sobre bodas.  

Trailer de la película:

La dama de hierro, de Phyllida Lloyd

Título original: The Iron Lady. Dirección: Phyllida Lloyd. País: Reino Unido. Año: 2011. Duración: 105 min. Género: Biopic, drama. Guión: Abi Morgan. Producción: Damian Jones. Música: Thomas Newman. Fotografía: Elliot Davis. Montaje: Justine Wright. Diseño de producción: Simon Elliott. Vestuario: Consolata Boyle. Estreno en España: 5 Enero 2012.

Intérpretes: Meryl Streep (Margaret Thatcher), Jim Broadbent (Denis Thatcher), Richard E. Grant (Michael Heseltine), Iain Glen (Alfred Roberts), Anthony Head (Geoffrey Howe), Roger Allam (Gordon Reece), Alexandra Roach (Margaret Thatcher joven), Harry Lloyd (Denis Thatcher joven).

Sinopsis:

La Dama de Hierro cuenta la apasionante historia de Margaret Thatcher, una mujer que rompió todas las barreras de género y clase para ser escuchada en un mundo dominado por hombres. La historia trata sobre el poder y el precio que se paga por él, en un retrato sorprendente e íntimo de una mujer extraordinaria y compleja. Ahora, a sus 80 años de edad, se encuentra desayunando en su casa de Chester Square en Londres y le vienen los recuerdos.

Meryl Streep

Calificación: 5, Mediana.

Lo mejor de la película: Sin lugar a dudas la interpretación de la talentosa actriz Meryl Streep (nueva nominación al Óscar asegurada), está soberbia. Formidable el trabajo de maquillaje y peluquería para caracterizar a la protagonista.

Lo peor de la película: La historia no engancha, es demasiado plana y exenta de emociones.  Si el guión se hubiera volcado más en la vida pública y menos en la etapa anciana de Thatcher, el resultado habría salido más interesante.

Trailer de la película:

El topo, de Tomas Alfredson

Título original: Tinker, tailor, soldier, spy. Dirección: Tomas Alfredson. Países: Reino Unido, Francia y Alemania. Año: 2011. Duración: 127 min. Género: Thriller. Guión: Bridget O’Connor y Peter Straughan; basado en la novela homónima de John le Carré. Producción: Tim Bevan, Eric Fellner y Robyn Slovo. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Hoyte van Hoytema. Montaje: Dino Jonsäter. Diseño de producción: Maria Djurkovic. Vestuario: Jacqueline Durran. Estreno en España: 23 Diciembre 2011.

Intérpretes: Gary Oldman (George Smiley), Colin Firth (Bill Haydon), Tom Hardy (Ricki Tarr), John Hurt  (Control), Mark Strong (Jim Prideaux), Benedict Cumberbatch (Peter Guillam), Stephen Graham (Jerry Westerby), Ciarán Hinds (Roy Bland), Toby Jones  (Percy Alleline), David Dencik (Toby Esterhase).

Sinopsis:

Años 70. El fracaso de una misión espacial en Hungría desencadena un cambio en la cúpula de mando de los servicios británicos. Uno de los defenestrados es el agente George Smiley. Cuando Smiley ya se ha hecho a la idea del retiro, le encargan una misión especial. Hay sospechas de que un “topo” está infiltrado entre las altas instancias del Servicio y sólo alguien de fuera puede descubrirlo. Con ayuda de otros retirados y de algún agente fiel, Smiley irá recabando información y encajando las piezas que le lleven al traidor. Por el camino encontrará historias de traición, ambición y mentiras.

Gary Oldman

Calificación: 7, Buena.

Lo mejor de la película: El impecable reparto masculino de la cinta (obsérvese la contención de Gary Oldman en su personaje o las expresiones sin diálogos del gran Colin Firth). Por otro lado, un montaje portentoso de Dino Jonsäter y una banda sonora formidable de Alberto Iglesias.

Lo peor de la película: En algunos momentos, la trama resulta bastante espesa.

Trailer de la película:

No tengas miedo a la oscuridad, de Troy Nixey

Título original: Don’t be afraid of the dark. Dirección: Troy Nixey. País: USA. Año: 2010. Duración: 85 min. Género: Terror. Guión: Guillermo del Toro y Matthew Robbins; basado en el telefilm de 1973 de Nigel McKeand. Producción: Mark Johnson y Guillermo del Toro. Música: Marco Beltrami y Buck Sanders. Fotografía: Oliver Stapleton. Montaje: Jill Bilcock. Diseño de producción: Roger Ford. Vestuario: Wendy Chuck. Estreno en España: 23 Diciembre 2011.

Intérpretes: Katie Holmes (Kim), Guy Pearce (Alex Hurst), Bailee Madison (Sally), Garry McDonald (Blackwood), Edwina Ritchard (Srta. Winter), Jack Thompson (Harris), Alan Dale (Charles), Julia Blake (Sra. Underhill), Nicholas Bell (doctor).

Sinopsis:

Sally (Bailee Madison) es una niña que se muda con su padre (Guy Pearce) y la novia (Katie Holmes) de éste a una casa en la que habitan unas criaturas demoníacas. Cuando la pequeña las descubre, primero sentirá cierta fascinación por ellas, pero luego comprobará lo peligrosas que son.

Bailee Madison

Calificación: 3, Mala.

Lo mejor de la película: El ambiente “pulp” que respira la película. La dirección artística no está mal.

Lo peor de la película: Que Guillermo del Toro esté tan sobrevalorado, va por ahí avalando películas como ésta, y luego te defrauda que no veas.  La niña protagonista (Bailee Madison) da más miedo que los monstruitos. ¡Increíble, pero cierto! ¿Por qué no sonríe esa niña alguna vez? Pearce y Holmes están fatal.

Trailer de la película:

Drive, de Nicolas Winding Refn

Título original: Drive. Dirección: Nicolas Winding Refn. País: USA. Año: 2011. Duración: 102 min. Género: Drama, thriller. Guión: Hossein Amini; basado en la novela homónima de James Sallis. Producción: Marc Platt, Michael Litvak, Gigi Pritzker, Adam Siegel y John Palermo. Música: Cliff Martinez. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Montaje: Mat Newman. Diseño de producción: Beth Mickle. Vestuario: Erin Benach. Estreno en España: 28 Diciembre 2011.

Intérpretes: Ryan Gosling  (conductor), Carey Mulligan (Irene), Ron Perlman (Nino), Christina Hendricks (Blanche), Bryan Cranston (Shannon), Oscar Isaac (Standard), Albert Brooks (Bernie Rose), Kaden Leos (Benicio), James Biberi (Chris Cook).

Sinopsis:

El protagonista es un conductor especialista de cine por el día y un conductor para fugas por la noche. Pero no importa el trabajo que tenga que hacer porque él se siente siempre a gusto detrás del volante. Shannon es mentor de este joven conductor a la vez que su jefe. Desde que se dio cuenta de su talento al volante, Shannon le busca directores de cine y televisión para sus películas o criminales que necesiten al mejor para sus fugas, llevándose una comisión en ambos casos. Pero el mundo de este chico cambia el día que se encuentra con Irene.

Ryan Goslig y Carey Mulligan

Calificación: 8, Muy Buena.

Lo mejor de la película: La estupenda interpretación de Ryan Gosling (atuendo incluido: chaqueta, botines, palillo en los dientes), uno de los actores en estos momentos en estado de gracia. Atención a los próximos óscars. Le da una perfecta réplica la maravillosa Carey Mulligan. Sus miradas largas y sus lacónicos diálogos, llenan la pantalla. La formidable banda sonora, tanto el score como la música adaptada.

Lo peor de la película: Algunos pensarán que, determinadas secuencias, huelen a “Tarantino”, por las dosis de violencia. Pero en la ambivalencia del personaje, tierno y a la vez, violento, es donde encontramos el quid de la cuestión. Imposible rebajar esas dosis de violencia, más que justificadas.

Trailer de la película:

Diane Keaton cumple 66 años

Hoy cumple 66 años la fantástica actriz Diane Keaton.

Diane Hall nace en Los Ángeles (California, EE.UU.)  el 5 de enero de 1946.

Hija de Dorothy Keaton y del agente inmobiliario Jack Hall. Estudió en el Instituto Santa Bárbara y pasó por el Santa Ana College de Drama. Duró poco tiempo en el centro ya que dejó las clases para dedicarse a interpretar obras de teatro y trabajar en locales de canto de Nueva York.

En esta época acudió al Neighborhood Playhouse y modificó su nombre artístico de Diane Hall por el de Diane Keaton (apellido de su madre).

En el teatro conoció a Woody Allen, ya que intervino en su obra “Play It Again, Sam” después de haber participado en una versión del musical hippy “Hair”.

En el cine Diane Keaton debutó con “Lovers And Other Strangers” (1970), una comedia coral dirigida por Cy Howard.

Su revelación se produjo dos años más tarde, cuando interpretó a Kay Adams en “El Padrino” (1972), adaptación de una novela de Mario Puzo que dirigió Francis Ford Coppola. Más tarde repitió el mismo papel en las dos secuelas de 1974 y 1990.

Con Woody Allen, con quien mantuvo una relación sentimental, coincidió por primera vez en el cine con la comedia de ciencia-ficción “El Dormilón” (1973).

Con posterioridad ambos compartieron créditos en “La Última Noche de Boris Grushenko” (1975), “Annie Hall” (1977), “Interiores” (1978), “Manhattan” (1979), “Días de Radio” (1987) y “Misterioso Asesinato en Manhattan” (1993).

Por su interpretación en “Annie Hall”, Diane logró un Oscar como mejor actriz principal. Fue nominada por “Rojos” (1981), película dirigida por Warren Beatty, “La Habitación de Marvin” (1996) y “Cuando Menos Te Lo Esperas” (2003), comedia co-protagonizada por Jack Nicholson.

Otros títulos reseñables de su filmografía son “Buscando al Señor Goodbar” (1977), drama dirigido por Richard Brooks que contaba con el co-protagonismo de Richard Gere y Tuesday Weld, “Crímenes Del Corazón” (1986), tragicomedia con Jessica Lange y Sissy Spacek, o “El Padre De La Novia” (1991), remake de un film clásico de Vincente Minnelli que le emparejó con Steve Martin.

Al margen de su labor como actriz, Diane Keaton, que nunca se ha casado y tiene dos hijos adoptados llamados Dexter y Duke, también ha debutado como directora con la comedia “Colgadas” (2000).

Entre sus últimos trabajos cinematográficos destacan “Tres Mujeres y Un Plan” (2008), "La Madre De Él" (2008) y "Morning Glory" (2010).

Aprovechamos la ocasión para hablar de un libro recientemente editado sobre su vida: “Ahora y siempre”.

Se trata de un libro de Memorias, donde la actriz repasa su vida familiar, su carrera artística y las relaciones sentimentales que mantuvo con Woody Allen, Al Pacino o Warren Beatty.

“Echo de menos a Woody. Se estremecería si supiera cuánto le aprecio. Soy lo bastante lista para no sacar el tema. Sé que casi le repugnaría lo grotesco de mi afecto por él. ¿Qué le voy a hacer? Todavía le quiero”. Son sólo algunas de las muchas palabras bonitas que Keaton le dedica al actor y director en sus memorias. 

Os dejamos recordando una de sus mejores interpretaciones, sin lugar a dudas "Anni Hall", donde también tuvo que cantar. Feliz Cumpleaños, Diane.

El Havre, de Aki Kaurismäki

Título original: Le Havre. Dirección y guión: Aki Kaurismäki. Países: Finlandia, Francia y Noruega. Año: 2011. Duración: 93 min. Género: Comedia dramática. Producción: Aki Kaurismäki, Fabienne Vonier y Reinhard Brunding. Fotografía: Timo Salminen. Montaje: Timo Linnasalo. Diseño de producción: Wouter Zoon. Vestuario: Frédéric Cambier. Estreno en Finlandia: 9 Septiembre 2011. Estreno en España: 28 Diciembre 2011.

Intérpretes: André Wilms (Marcel Marx), Kati Outinen (Arletty), Jean-Pierre Darrousin (Monet), Blondin Miguel (Idrissa), Elina Salo (Claire), Evelyne Didi (Yvette), Jean Pierre Léaud (vecino).

Sinopsis:

Marcel Marx, escritor y conocido bohemio, se ha autoexiliado en la ciudad de El Havre, donde siente que está más cerca de la gente después de adoptar el honrado —aunque no muy provechoso— oficio de limpiabotas. Ha enterrado el sueño de convertirse en un reconocido autor y vive felizmente dentro de un triángulo compuesto por su bar preferido, su trabajo y su esposa Arletty. Pero el destino provoca que se cruce con un inmigrante menor de edad llegado del África negra. Arletty cae enferma, y a Marcel no le quedará más remedio que alzarse una vez más ante el frío muro de la indiferencia humana con su optimismo y la solidaridad de los habitantes del barrio como únicas armas. Pero se enfrentará a la maquinaria ciega de un Estado constitucional, representado por la policía, que sigue la pista al joven refugiado. Ha llegado el momento de que Marcel se lustre los zapatos y enseñe los dientes.

André Wilms y Kati Outinen

Calificación: 8, Muy Buena.

Lo mejor de la película: La sensibilidad de Kaurismäki para contarnos un drama social con sencillez y una maravillosa belleza poética. El optimismo y la solidaridad que muestran los sosegados personajes del filme transmiten unas magníficas vibraciones al espectador. Kaurismäki demuestra que otro tipo de cine social se puede hacer, sin asperezas, sin acidez, sin acritud, pero donde igualmente se reconocen las necesidades, las injusticias y las inquietudes de las clases sociales menos favorecidas.  

Lo peor de la película: Kati Outinen, musa de Kaurismäki, interpreta a Arletty de la misma forma que interpretó personajes en otras películas de este director. Imaginamos que debe tener algún registro más, pero aquí no lo demuestra. Jean Pierre Léaud está “patético”. ¡Con lo bien que estaba en “Los cuatrocientos golpes”!

Trailer de la película: