domingo, 29 de abril de 2012

Patricia Ferreira gana la Biznaga de Oro en Málaga




La película Los niños salvajes, dirigida por Patricia Ferreira, ha sido la ganadora de la Biznaga de Oro al mejor largometraje en el 15º Festival de Cine Español de Málaga, según el palmarés dado a conocer por el presidente del jurado, el cineasta Gonzalo Suárez.

Los niños salvajes ha ganado también los premios al mejor guión, para Patricia Ferreira y Virginia Yagüe; a la mejor actriz de reparto, para Aina Clotet, y al mejor actor de reparto, para Álex Monner, aunque en este caso "ex aequo" con Álvaro Cervantes por El sexo de los ángeles.

La triunfadora del certamen malagueño es una película "que toma partido por los adolescentes y es una defensa absoluta de los jóvenes y una llamada de atención a los adultos", según afirmó la propia directora en el Festival. “A pesar del título -aclaró Ferreira- ni los niños son salvajes, ni vienen de familias desestructuradas, ni son delincuentes comunes, ni se drogan: es el término con el que los adultos nos referimos a los adolescentes cuando los vemos actuar por las calles, a lo mejor porque hemos olvidado lo que hemos sido y la necesidad que tuvimos de gritar y decir aquí estamos".


 


Mientras, el premio al mejor director ha sido para Imanol Uribe por Miel de naranjas, y el premio al mejor actor, para Antonio Dechent por A puerta fría, de Xavi Puebla, película que también se ha alzado con el premio de la crítica.
El jurado ha otorgado su premio especial a Carmina o revienta, ópera prima como cineasta del actor Paco León, que también ha logrado el premio del público y el premio a la mejor actriz, para su madre Carmina Barrios.
La Biznaga de Plata a la mejor banda sonora original ha sido para Aziza Brahim por Wilaya, de Pedro Pérez Rosado; la de mejor fotografía, para Sergi Gallardo por El sexo de los ángeles, de Xavier Villaverde; la de mejor montaje, para Koldo Idígoras por The Pelayos, y la de mejor guionista novel, para Remedios Crespo por Miel de naranjas.
Además de estos premios, el jurado ha concedido menciones especiales a la película Kanimambo, de Abdelatif Hwidar, Carla Subirana y Adán Aliaga, y a Ángela Molina en la categoría de mejor actriz de reparto por Miel de naranjas.


 


Junto a Gonzalo Suárez han formado parte del jurado los actores Goya Toledo, Raúl Arévalo e Inma Cuesta, la productora Isona Passola, el cineasta mexicano Iván Trujillo y el pintor Enrique Brinkmann.

Por su parte, el jurado joven del Festival de Málaga, formado por alumnos universitarios, ha concedido su premio a Memoria de mis putas tristes, adaptación de la novela homónima de Gabriel García Márquez dirigida por el danés Henning Carlsen.

Destacar, por último, la Biznaga de Plata al Mejor Cortometraje. En esta ocasión, recayó en Aquel no era yo, de Esteban Crespo.

Enhorabuena a los premiados y hasta el próximo año.

Os dejamos, con el trailer de la película ganadora. La esperaremos con impaciencia en la cartelera.


sábado, 28 de abril de 2012

La pesca del salmón en Yemen, en cartelera



Título original: Salmon fishing in the Yemen. Dirección: Lasse Hallström. País: Reino Unido. Año: 2012. Duración: 107 min. Género: Comedia romántica. Guión: Simon Beaufoy, basado en la novela de Paul Torday. Producción: Paul Webster. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Terry Stacey. Montaje: Lisa Gunning. Diseño de producción: Michael Carlin. Vestuario: Julian Day. Estreno en Reino Unido: 20 Abril 2012. Estreno en España: 20 Abril 2012.
Intérpretes: Ewan McGregor (Dr. Fred Jones), Emily Blunt (Harriet Chetwode-Talbot), Kristin Scott Thomas(Patricia Maxwell), Amr Waked (jeque Mohamed ben Zaidi bani Tihama).

Sinopsis:
El doctor Alfred Jones (Ewan McGregor) trabaja en el Centro Nacional para el Fomento de la Piscicultura, donde realiza investigaciones sobre la reproducción de los moluscos. Mohamed ben Zaidi bani Tihama (Amr Waked), un acaudalado jeque yemení, se interesa por la introducción del arte de la pesca con mosca en las montañas del norte de Yemen. Jones rechaza inicialmente la oferta de dirigir el proyecto, pero un asesor del primer ministro británico le obliga a aceptar con el fin de mejorar la imagen del país en el mundo árabe. Así pues, el doctor Jones se ve obligado a colaborar con una  joven y atractiva representante del jeque y lanzarse a la aventura.

Kristin Scott Thomas

Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: Destaca la interpretación de Kristin Scott Thomas y su personaje, sobre el que descansa gran peso de la sátira política. Muy bueno el tono de comedia que predomina en la primera mitad de la cinta.
Lo peor de la película: El romanticismo y la fabulación con pretensiones trascendentes van desvirtuando la comedia. Las incursiones terroristas en la trama también descolocan un poco. En este caso, la mezcla de géneros, más que aportar originalidad, diluye la comicidad lograda.


Tráiler de la película:


viernes, 27 de abril de 2012

Los mocosos, de François Truffaut


COLECCIÓN DE CORTOS PROYECTADOS EN EL TALLER DE CINE


Título original: Les mistons. Dirección: François Truffaut. País: Francia. Año: 1957. Duración: 17 minutos. Guión: François Truffaut, según la novela de Maurice Pons. Producción: Les Films du Carrose. Dirección de Producción: Robert Lachenay. Fotografía: Jean Malige, en B/N. Montaje: Cécile Decugis. Música: Le Roux.

Intérpretes: Bernadette Lafont, Gérard Blain, “los mocosos” y Michel François en la voz en off.
                       
Sinopsis: En pleno verano de la Provenza, una pandilla de “mocosos” (“les mistons”) andan secretamente enamorados de la joven Bernadette. Contrariados por la llegada de un intruso, que comienza a salir con la chica, deciden declararle la guerra a la pareja.

Consideraciones: Obtuvo el premio a la mejor dirección del Festival del Cine Mundial de Bruselas de 1958 con este cortometraje, el segundo que realizó. Con él convenció a la crítica de la posibilidad de llevar nuevos aires al cine francés, como propugnaba desde Cahiers du Cinéma, sirviendo de carta de presentación para su siguiente trabajo, Los cuatrocientos golpes. Estamos en los albores de la Nouvelle Vague.

Prestar atención: A la sensación de libertad que desprende el corto, libertad proclamada por Truffaut en su teoría sobre el cine de autor. Vemos las primeras pinceladas de lo que serán constantes del director: el romance trágico, el punto de vista de los niños, el rodaje en exteriores (Nîmes), la mirada nostálgica, el erotismo femenino en el sensual marco de la naturaleza. Prestar atención también a las referencias cinematográficas que aparecen: El Regador regado (1895), Roma, ciudad abierta (1945) de Rossellini, del que Truffaut había sido ayudante de dirección, y Perros perdidos sin collar (1955) de Jean Delannoy (los chiquillos destrozan el cartel de dicha película cuyo director fue duramente criticado desde Cahiers du Cinéma al ser representante del cine tradicionalista francés de los años 50, “cinéma de qualité”, academicista y literario en exceso).

Bernadette Lafont

Cortometraje presentado por Joaquín Ritoré en el Taller de Cine.

jueves, 26 de abril de 2012

Universo Kieslowski: Dekalog, Dwa


CAPÍTULO 2. No invocarás el nombre de Dios en vano.




Dirección: Krzysztof Kieslowski.
Guión: Krzysztof Kieslowski y Krzystof Piesiewicz.
Fotografía: Edward Klosinskm.
Música: Zbigniew Preisnen
Sonido: Malgorzata Jaworska.
Dirección Artística: Halina Dobrowolska.
Montaje: Ewa Smal.
Producción: Ryszard Chutkowski para la Televisión Polaca.
Duración: 57'

Intérpretes:
Krystyna Janda (Dorota), Aleksander Bardini (el médico), Olgierd Lukaszewicz (Andrzej), Artur Barcis (el joven), Stanislaw Gawlik (el cartero), Krzystof Kumor (el ginecólogo), Macej Szary (el guarda), Krystyna Bigelmajer (la secretaria), Karol Dillenius (enfermo), Ewa Ekwinska (la señora Basia), Jerzy Fedorowicz (Janek), Piotr Siejka (médico), Aleksander Trabczynski.

Sinopsis:
Medicina, juramentos, y el dilema moral más brutal de la serie. Estratosférica actuación del viejo doctor. Dorota visita a Andrzej, su esposo moribundo, en el hospital. Ella está embarazada de otro hombre. Consulta con el doctor si su marido morirá. Ha tomado una determinación: si muere tendrá el bebé, pero si vive, abortará. El médico se ve obligado a tomar una decisión. Le dice que su marido morirá. Sin embargo, Andrzej sobrevive. Entonces, Dorota le dice a Andrzej que van a tener un hijo y él piensa que es suyo.



Fotograma de Dekalog Dwa


Reflexiones:

Segundo de los diez capítulos que Kieslowski realizó para la televisión pública polaca entre 1989 y 1990 sobre los Diez Mandamientos.

La historia se desarrolla en un barrio de Varsovia de grandes bloques de hormigón en el que se desenvuelven todas las historias relacionadas con las Sagradas Escrituras.

En esta ocasión, el argumento se centra en el Mandamiento “No invocarás el nombre de dios en vano”. En este capítulo, se cruzan las vidas de dos vecinos del mismo bloque, un doctor (Aleksander Bardini), y una mujer músico, llamada Dorota Geller (Krystyna Janda), una mujer profundamente sumida en una gran tristeza ocasionada por el dilema que se le presenta en el momento en que su marido está ingresado en un hospital esperando la muerte. Ella tiene el corazón dividido entre dos hombres: por una parte, su marido, y por otra un amigo con el que le ha sido infiel y del que se ha quedado embarazada. Ella se carcome por dentro debido a una profunda duda: abortar esperando la recuperación de su marido o tener al hijo y marcharse con su amante sabiendo que su marido es un  enfermo terminal.

El problema es: si el marido vive, el niño muere; y si el marido muere, el niño vive. Entonces ella habla con el médico y se lo explica, y éste quiere a toda costa que no aborte. Ahí veo al médico como si fuera Dios, porque el médico días antes sabía que el marido iba mejorando; no obstante, le dijo que estaba peor, que no abortara. Una decisión muy complicada para cualquier ser humano. Aquí el médico está tomando el nombre de Dios en vano, porque sólo Dios –para los creyentes- es el único que sabe cuándo morirá.

La película está llena de símbolos, con poco o ningún diálogo; refleja muy bien la Polonia postcomunista, con sus miserias, dudas y esperanzas. Uno de los símbolos más claros que Kieslowski emplea es el insecto saliendo del vaso, agarrándose a la cuchara: para mí es un canto a la vida. Y el vaso de café que ella tira intencionadamente es el aborto, la muerte.

Cuando ella va al hospital a ver a su marido, en otra sala hay un enfermero que la está observando, que no tiene nada que ver con los personajes centrales de la historia,  sale en ese momento y no vuelve a aparecer; bajo mi punto de vista parece como si fuera el ojo de Dios.

La racionalidad de sus personajes nunca alcanza para abarcar la complejidad del problema, la resolución siempre contiene al misterio, algo que opera por fuera de cualquier tipo de racionalidad o planificación. Así como el problema surge de lo contingente, en su solución opera lo misterioso. Lo que los personajes aportan es la persistencia, el deseo; el acto vital de sostenerse en la oscuridad, de no darse por vencido.

Para finalizar, el marido sale del hospital recuperado “milagrosamente” y va a ver al médico y le comenta que su mujer está esperando un hijo, ajeno totalmente a la realidad de este hecho. Aquí Kieslowski nos plantea la utopía de un amor único (Dios único), el azar en la paternidad biológica (origen de la vida) y sobre todo la prepotencia de la ciencia (el hombre como centro de la creación), desnuda la fragilidad de cualquier postulado, tanto físico como racional, a través de una simple historia tan cotidiana como compleja.

Como colofón, cito una frase bíblica: “Todo pecado y blasfemia será perdonado al hombre; mas la blasfemia contra el espíritu no será perdonada” (Mateo, XII, 31, 32).

Trabajo presentado en el Taller de Cine por Toñi Pascual Álvarez.


Aleksander Bardini (el médico)



Reflexiones:

Vemos perfectamente reflejado en este capítulo del Decálogo que nada podemos hacer ante la casuística y el comportamiento de la naturaleza que se rige por un azar que escapa de nuestro control.

El ser humano piensa que es dueño de su destino y creemos que sabemos cómo somos y cómo funcionamos y que podemos intuir lo que pasará.

En este episodio del Decálogo tenemos a dos personajes que son vecinos aunque no tienen una estrecha relación. Él, médico de profesión, cuenta entre sus pacientes con el marido moribundo de ella, personaje que se encuentra en un conflicto ya que está embarazada de su amante. Lo que une a estos dos personajes es la necesidad de ella de saber que su marido va a morir para seguir adelante con el embarazo o no.

Tenemos en este episodio dos fuertes dilemas:

  • Carlota que ama a dos hombres, su marido, enfermo terminal y estéril y, su amante, un músico de éxito del que espera un hijo.
  • El Doctor que intenta salvar vidas aunque nada pudo hacer por la de su propia familia.

Igualmente encontramos una serie de símbolos que nos llevan al mensaje de la película por ciertos recovecos: un ficus que poco a poco es podado hasta que se destruye, un vaso de agua que ella tira al suelo y se hace añicos. Estos dos primeros símbolos parecen indicar que el marido morirá como vaticina el médico pero…    

Por otro lado, un insecto atrapado en un vaso consigue escapar por una cuchara cuando parecía del todo improbable. Con un maravilloso plano detalle de cámara subjetiva descubrimos el mensaje final de la película: el marido habla con el médico y le dice “He vuelto de ahí. Vamos a tener un bebé”. Es decir, que el médico se equivocó y el marido no falleció, la mujer no abortó aunque tenía la cita para hacerlo y el marido aceptó tener un bebé aun a sabiendas de que no era suyo.

Cuando el médico contesta a la pregunta que le hace ella “¿Usted cree en Dios?” le dice “Tengo un dios que supongo que a mí me basta” ella le recrimina diciéndole “¿Privado? Pues vaya pidiendo la absolución”. No podemos invocar el nombre de Dios en vano.

Trabajo presentado en el Taller de Cine por Ana Salas Cardona.


Krystyna Janda (Dorota)


Os dejamos con una secuencia, en la que Dorota visita a su vecino, el doctor que tiene como paciente a su marido, Andrzej, ingresado en el hospital. Dorota quiere arrancarle alguna información al médico sobre el estado de Andrzej. Por otro lado, conviene conocer que, dos años atrás, Dorota había atropellado con su coche el perro del médico. La verdad es que la reacción del médico a la llamada de Dorota no es muy amable, al menos, en estos primeros instantes del capítulo. Fijémonos.





CAPÍTULO 3. Santificarás las fiestas.

miércoles, 25 de abril de 2012

Los juegos del hambre, en cartelera




Título original: The Hunger Games. Dirección: Gary Ross. País: USA. Año: 2012. Duración: 142 min. Género: Ciencia-ficción, drama. Guión: Gary Ross, Suzanne Collins y Billy Ray; basado en la novela de Suzanne Collins. Producción: Nina Jacobson y Jon Kilik. Música: James Newton Howard. Fotografía: Tom Stern. Montaje: Stephen Mirrione y Juliette Welfling. Diseño de producción: Philip Messina. Vestuario: Judianna Makovsky. Estreno en USA: 23 Marzo 2012. Estreno en España: 20 Abril 2012.
Intérpretes: Jennifer Lawrence (Katniss Everdeen), Josh Hutcherson (Peeta Mellark), Liam Hemsworth (Gale Hawthorne), Elizabeth Banks (Effie Trinket), Woody Harrelson (Haymitch Abernathy), Wes Bentley (Seneca Crane), Donald Sutherland  (presidente Snow), Lenny Kravitz (Cinna), Stanley Tucci (Caesar Flickerman), Isabelle Fuhrman (Clove), Toby Jones (Claudius).

Sinopsis:
Lo que en el pasado fueron los Estados Unidos, ahora es una nación llamada Panem: un fastuoso Capitolio ejerce un control riguroso sobre los doce distritos que lo rodean y que están aislados entre sí. Cada distrito se ve obligado a enviar anualmente un chico y una chica entre los doce y los dieciocho años para que participen en los Hunger Games, que son transmitidos en directo por la televisión. Se trata de una lucha a muerte, en la que sólo puede haber un superviviente. Katniss Everdeen, una joven de dieciséis años, decide sustituir a su hermana en los juegos; pero para ella, que ya ha visto la muerte de cerca, la lucha por la supervivencia es su segunda naturaleza.

Jennifer Lawrence

Calificación: 5, Mediana.
Lo mejor de la película: El comienzo es esperanzador, pero poco a poco se va desinflando, hasta caer en el último tercio completamente tedioso. Y es que 142 minutos son muchos minutos de película. En el haber, su protagonista principal,  Jennifer Lawrence, y unos secundarios maravillosos que, a veces, nos da vergüenza ajena verlos disfrazado en esta película, como Stanley Tucci o Toby Jones, por citar sólo dos. La música, del gran Newton Howard, enfatiza mucho las imágenes.
Lo peor de la película: La larga duración del filme lo hace tedioso y el final, preparado para una secuela. Ya tenemos con “Los juegos del hambre” un nueva saga cinematográfica, tipo “Crepúsculo”. ¡A comer palomitas!
 
Trailer de la película:


martes, 24 de abril de 2012

Cairo time, en cartelera




Título original: Cairo time. Dirección y guión: Ruba Nadda. Países: Canadá, Irlanda y Egipto. Año: 2009. Duración: 90 min. Género: Drama, romance. Producción: Daniel Iron y David Collins. Música: Niall Byrne. Fotografía: Luc Montpellier. Montaje: Teresa Hannigan. Diseño de producción: Tamara Conboy. Vestuario: Brenda Broer. Estreno en Canadá: 9 Octubre 2009. Estreno en España: 13 Abril 2012.
Intérpretes: Patricia Clarkson (Juliette Grant), Alexander Siddig (Tareq Khalifa), Elena Anaya (Kathryn), Amina Annabi (Yasmeen), Tom McCamus (Mark), Mona Hala (Jameelah), Fadia Nadda (Hanan).
 
Sinopsis:
Breve e inesperada historia de amor de una mujer casada, Juliette (Patricia Clarkson), editora de una revista de moda, que viaja a El Cairo para reunirse con su marido y pasar unas vacaciones de tres semanas. Sin embargo, ante la imposibilidad de estar con ella por motivos de trabajo, su marido Mark (Tom McCamus) envía a su amigo de confianza, Tareq (Alexander Siddig), para hacerle compañía. Tareq la guía a través de los lugares, sonidos y costumbres únicos de la ciudad egipcia y surgen sentimientos inesperados que conducen, por sorpresa, a un despertar de la emoción en Juliette.


Patricia Clarkson


Calificación: 5, Mediana.
Lo mejor de la película: Las estupendas estampas que podemos ver de El Cairo. Muy recomendada para los amantes de Egipto. La música y la fotografía son muy correctas.
Lo peor de la película: La historia romántica que nos cuenta Nadda nos parece muy poco novedosa. El tema de la mujer madura que encuentra un nuevo amor de la noche a la mañana, resucitando sentimientos y aventuras propias de la adolescencia, lo hemos visto muchas veces en el cine. Basta recordar la excelente “Breve encuentro” de David Lean o la estupenda “Los puentes de Madison” de Clint Eastwood. Aquí la novedad, es el paisaje exótico de fondo, en plena capital egipcia. La película descansa básicamente en el personaje de Juliette, produciéndonos un importante empacho de Patricia Clarkson. El personaje que interpreta Elena Anaya queda desfigurado, no aporta nada a la historia y es absolutamente prescindible en el argumento.  
 
Trailer de la película:
 

lunes, 23 de abril de 2012

Banda Sonora de... A sangre fría




In cold blood (1967) es una película que presentaba un duro alegato contra la pena capital, basada en la novela de Truman Capote sobre el caso real de dos asesinos. Esta película le proporcionó a Richard Brooks, director y guionista, sendas nominaciones al Óscar, además de otra para la banda sonora compuesta por Quincy Jones.

Tomando un cálido jazz como referencia, Jones consiguió una innovadora partitura, sensible y atmosférica, con experimentales sonidos complejos de identificar que incluyen licencias vocales realmente sorprendentes. Desde el órgano agobiante de “Murder scene” hasta el jazz dinámico de “Lonely Bottles”, la música acaba integrándose de tal forma en la historia que termina convertida en una amalgama de efectos cada vez más obsesivos.


Fotograma de "A sangre fría"

Para acompañar los recuerdos de uno de los criminales, escribió el sugestivo “Perry´s theme”, mientras que “Clutter family theme” es una dulce melodía que hace referencia a la felicidad de la familia antes de ser masacrada. También la banda sonora incluye una bellísima canción mexicana, “Nina”, interpretada en español por Gil Bernal.

Steven Spielberg siempre la tuvo como una de sus bandas sonoras de referencia, sobre todo para ayudar a describir las ya de por sí impactantes imágenes creadas por Brooks.

Quincu Jones nunca volvió a realizar un trabajo de esta complejidad, decantándose después por comedias (Flor de cactus) y ligeras películas de atracos (Dolores).  

Recordemos uno de los cortes más bello de este score. Nos quedamos unos minutos con el tema “Clutter family theme”.


domingo, 22 de abril de 2012

De tu ventana a la mía, en cartelera



Título original: De tu ventana a la mía. Dirección y guion: Paula Ortiz. País: España. Año: 2011. Duración: 101 min. Género: Drama, romance. Producción ejecutiva: Kike Mora, Puy Oria, Raúl García, David Matamoros y Montxo Armendáriz. Música: Avshalom Caspi. Fotografía: Miguel Ángel Amoedo. Montaje: Irene Blecua y Javier García Arrendondo. Diseño de producción: Jesús Bosqued. Vestuario: Arantxa Exquerro y Guillén Doz. Estreno en España: 9 Marzo 2012.
Intérpretes: Maribel Verdú (Inés), Leticia Dolera (Violeta), Luisa Gavasa (Luisa), Roberto Álamo (Paco), Fran Perea (Pedro), Pablo Rivero (Manuel), Cristina Rota (Isabel), Carlos Álvarez-Novoa (tío Fernando), María José Moreno (tía), Luis Bermejo (Valentín), Julián Villagrán, Ramón Barea (Marín), Álex Angulo (médico).

Sinopsis:
Inés, Violeta y Luisa son tres mujeres en diversas épocas: tres edades, tres paisajes, tres silencios y un amor que se entreteje como el hilo de un ovillo mágico que rueda de una a otra mientras cosen tras la ventana. Hasta que sus vidas sufren un giro inesperado. Desde ese momento, las tres se enfrentan a una decisión vital en busca de sus sueños, sus pasiones, su dignidad, su felicidad. Porque hay historias de amor que son como las amapolas: rojas, frágiles, casi viento, pero se agarran a la garganta toda la vida.

Luisa Gavasa

Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: La opera prima de la aragonesa Paula Ortiz alberga un estupendo diseño de producción y magnífica dirección de actores. Las tres actrices principales (Dolera, Verdú y Gavasa) recrean con convicción sus tres personajes. Luisa Gavasa sobresale principalmente, gracias a que su personaje (Luisa) es el que parece más auténtico, sin embargo, fue Maribel Verdú quien estuvo nominada al Goya.
Lo peor de la película: La poesía y el esteticismo están bien, pero alcanzan cotas desmesuradas, cayendo en una cierta artificiosidad. Tanta, tanta, tanta tristeza… se podía matizar.

Trailer de la película:

sábado, 21 de abril de 2012

Las malas hierbas, de Alain Resnais




Título original: Les herbes folles. Dirección: Alain Resnais. Países: Francia e Italia. Año: 2009. Duración: 104 min. Género: Drama, romance. Guión: Alain Resnais y Laurent Herbiet; basado en la novela “L’incident”, de Christian Gailly. Producción: Jean-Louis Livi. Música: Mark Snow. Fotografía: Eric Gautier. Montaje: Hervé de Luze. Diseño de producción: Jacques Saulnier. Vestuario: Jackie Budin. Estreno en Francia: 4 Noviembre 2009. Estreno en España: 16 Marzo 2012.
Intérpretes: Sabine Azéma (Marguerite Muir), André Dussollier (Georges Palet), Anne Consigny (Suzanne), Emmanuelle Devos (Josépha), Mathieu Amalric (Bernard de Bordeaux), Michel Vuillermoz (Lucien d’Orange), Edouard Baer (narrador), Sara Forestier (Elodie), Nicolas Duvauchelle (Jean-Mi).

Sinopsis:
Marguerite no contaba con que le robaran el bolso al salir de la tienda. Y menos aún con que el ladrón tirara lo que había dentro en un aparcamiento. En cuanto a Georges, de haberlo sabido, no se hubiera agachado a recogerlo. Entre estos dos personajes que no tenían ninguna probabilidad de encontrarse, va a establecerse una relación sentimental llena de sobresaltos e imprevistos.


Sabine Azéma


Calificación: 7, Buena.
Lo mejor de la película: La interpretación de la pareja de protagonistas, Sabine Azéma y André Dussollier. Una música fantástica de Mark Snow. Estupendo el uso de flashbacks. Los movimientos de cámara del inicio de la película, impidiéndonos ver el rostro de los protagonistas, dan lugar a unas preciosas acrobacias.
Lo peor de la película: Algunas reacciones de los personajes son desconcertantes, invitándonos a unos ambientes poéticos e irreales propio de los toques artificiosos y llenos de fantasía del cine de Resnais, realizador que filma esta cinta con 87 años, experiencia digna de halagos. Resnais abusa de la voz en off.

Trailer de la película:


viernes, 20 de abril de 2012

Mis terrores favoritos... Historias para no dormir


En mi opinión, la mayor parte de los “terrores” que, a lo largo de su vida, permanecen indelebles en una persona suelen ser aquellos que provienen de su infancia. En esos momentos, si se sufren, no pueden tildarse de “favoritos”, precisamente. Con los años, los “terrores” cambian, se modulan, atemperan o crecen, pero los que proceden de los años en que eres un niño no suelen modificarse: estarán ahí siempre, como tantas cosas de la infancia que se te quedan grabadas y marcan tu personalidad futura.
En ese contexto, y al “final de un pasillo” (luego lo entenderéis!), recuerdo mis primeros miedos y angustias terroríficas. Se trataba, entre otros, de la serie de TV tan famosa de Narciso Ibáñez Serrador “Historias para no dormir”.
La alusión al “final del pasillo” tiene su sentido ahora, y su punto especial complementario de terror, que paso a explicar seguidamente. Mi madre, fanática de la serie, no me dejaba verla pues yo aún era pequeño cuando la misma comenzó. En mi casa, existía un largo pasillo, al fondo del cual estaba mi habitación. Yo hacía como que me iba a la cama, pero cuando empezaba la serie, ya mi madre perdía todo interés en mi temblorosa persona y, por tanto, yo me iba acercando poco a poco a la salita donde estaba la tele y la veía detrás de una puerta y en la oscuridad. Oculto y siniestro como un bandido!
De momento, lo que más me gustaba y empezaba a aterrorizarme era la propia presentación de la serie. Ese sonido final de aquella puerta cerrándose, bajo el fondo blanco y negro, común por demás a la serie en sí, con ese grito desgarrador al final, como si fuera un penetrante aullido fantasmal, ya me ponía los vellos de punta y hacía que temblara de miedo y emoción al mismo tiempo.


Ya más adelante, dado el paso de los años, mi madre me permitió ver la serie acompañando al resto de la familia que “disfrutaban” todos de la emisión que tocase por la noche.
Por supuesto, como siempre y más en una familia numerosa, se producían opiniones encontradas sobre aquellas que nos aterrorizaban más o menos, según cada cual. Ello resultaba emocionante pues se abría un debate familiar muy interesante que revelaba los “terrores” de cada miembro de la familia…Pero, como lo que cuenta ahora son los míos, las series que a mí particularmente más me fascinaron y constituían el caudal de pesadillas nocturnas que me asolaban durante algunos días fueron, entre muchas otras, dos capítulos que me proporcionaron gran deleite terrorífico.
Un episodio que me resultó especialmente tenebroso y macabro fue el denominado “El Tonel”. En el mismo, se narraba la historia de un personaje que, abusando de la hospitalidad de un buen vecino, se aprovecha de dicho recibimiento y atenciones y, de paso, se marcha con la mujer de tan hospitalaria persona. La acción se desarrolla durante una fiesta de vendimia y, en dicho contexto, se produce una terrible venganza……


Lógicamente, hubo muchos episodios a lo largo de esos años 60 y 70 y es imposible rememorarlos todos, pero ya por acabar, sí quisiera hacer mención y destacar uno de ellos que a toda la familia, y a mí particularmente, nos aterrorizó sobremanera. La atmósfera de dicho capítulo y, sobre todo, la muy notable actuación de José Orjas; Paco Morán y la genial Irene Gutiérrez Caba, contribuyeron a ocasionarme numerosas pesadillas al respecto.
Llevaba por título “El Regreso” y su argumento central era la historia de dos primos que esperan con ansiedad el fallecimiento de su tío para heredar su inmensa fortuna. A través del médico que atiende al anciano, se enteran de que ninguno de los dos figura en el testamento, por lo que los sobrinos planean robar y matar al tío. Incluyo un breve fragmento, algo más largo, de este episodio, en el que os sugiero que os detengáis en la fuerza expresiva de la escena protagonizada por Irene Gutiérrez Caba, quien era realmente la auténtica malvada de esta emisión pues también se cargaba al primo. Con el mismo, pongo el punto final a esta exposición de “Mis Terrores Favoritos” que espero haya sido de vuestro agrado. Gracias.


Trabajo presentado en el Taller de Cine por Alberto Jiménez Lirola.