jueves, 30 de junio de 2011

100º aniversario del nacimiento de Bernard Herrmann


Hoy hace 100 años que nació uno de los mayores compositores cinematográficos de todos los tiempos: Bernard Herrmann, nacido en Nueva York (EE.UU.), el 30 de junio de 1911.
Su música ha revestido de gloria numerosos títulos y su filmografía está asociada a buena parte de la obra de Alfred Hitchcock y Ray Harryhausen.
Entró por la puerta grande componiendo la música de Ciudadano Kane (1941) y se despidió con una extraordinaria partitura para la película Taxi Driver (1976). Entre ambas, desarrolló una impresionante labor que abrió un enorme campo para la música como elemento básico de este arte.


Su avocación con el mago del suspense fue mucho más allá de la mera composición, ya que ambos llegaron a estar fuertemente compenetrados. Herrmann enriqueció de contenido sus películas y lo que escribió permanece entre lo mejor. Prueba de ello son sus composiciones para Psicosis (1960), Con la muerte en los talones (1959), Vértigo (1958), El hombre que sabía demasiado (1956), Marnie (1964), etc.
François Truffaut, gran admirador de Hitchcock, contó con Herrmann para dos de sus películas: Fahrenheit 451 (1966) y La novia vestía de negro (1968).

Alfred Hitchcock y Bernard Herrmann
Por lo que respecta al género fantástico, Herrmann experimentó nuevos conceptos musicales ampliándolos admirablemente: Ultimatum a la Tierra (1951), Viaje al centro de la Tierra (1959), La isla misteriosa (1961), Jasón y los argonautas (1963), etc.
Herrmann perteneció la época dorada de Hollywood, una época y un estilo en el que se movieron la mayoría de los grandes maestros, pero él jamás se definió como músico cinematográfico: “Soy un compositor que, a veces, hace música para películas”. La realidad es que su obra se extiende a la composición clásica, las cantatas, óperas, etc.
Uno de los rasgos que le caracterizan es su completa independencia en un momento en que, de una u otra forma los Grandes Estudios de Hollywood absorbían a sus contratados. Herrmann era de los pocos que trabajaban en las películas que quería y probablemente el único que no aceptó el apetitoso puesto de jefe del departamento musical de un Estudio. Esa completa independencia en la que creaba le permitió hacer de cada una de sus partituras una pieza de arte.
Falleció el 24 de diciembre de 1975, poco después de acabar Taxi Driver, filme de Martin Scorsese que está dedicado a su memoria.    
Recordemos la música de Herrmann en este aniversario, escuchando el precioso tema romántico compuesto para el filme “Vértigo”, de Alfred Hitchcock. Espero que os guste.

martes, 28 de junio de 2011

X-Men Primera Generación, de Matthew Vaughn


Título original: X-Men: First class. Dirección: Matthew Vaughn. País: USA. Año: 2011. Duración: 132 min. Género: Acción, ciencia-ficción. Guion: Matthew Vaughn, Jane Goldman, Ashley Miller, Jamie Moss y Zack Stentz; basado en un argumento de Sheldon Turner y Bryan Singer. Producción: Gregory Goodman, Simon Kinberg, Lauren Shuler Donner y Bryan Singer. Música: Henry Jackman. Fotografía: John Mathieson. Montaje: Eddie Hamilton y Lee Smith. Diseño de producción: Chris Seagers. Vestuario: Sammy Sheldon.  Estreno en España: 3 Junio 2011.
Intérpretes: James McAvoy (Charles Xavier), Kevin Bacon (Sebastian Shaw), Michael Fassbender (Erik Lehnsherr / Magneto), Rose Byrne (Dra. Moira MacTaggert), Jason Flemyng (Azazel), Nicholas Hoult (Hank/Bestia), Jennifer Lawrence (Raven/Mística), January Jones (Emma Frost), Zoë Kravitz (Angel Salvadore/Alas), Lucas Till (Alex Summers / Kaos), Álex González (Janos Questad/Riptide), Oliver Platt (The Man in Black Suit).

Sinopsis:
La acción de ”X-Men: Primera generación” se sitúa en los años 60, en los inicios de la era espacial, el punto álgido de la Guerra Fría, cuando las crecientes tensiones entre Estados Unidos y la Unión Soviética amenazaban a todo el planeta, y cuando el mundo descubrió la existencia de los mutantes. También fue durante este período cuando Charles Xavier conoció a Erik Lehnsherr. Antes de que Charles y Erik adoptasen los nombres de Profesor X y Magneto, eran dos jóvenes inmersos en el proceso de descubrir sus poderes. Antes de ser archienemigos trabajaban juntos y con otros mutantes para detener la mayor amenaza que el mundo hubiera conocido nunca. En “X-Men: Primera generación” tendremos respuesta a las preguntas que nos han intrigado desde hace tiempo: ¿cómo llegaron a juntarse los X-Men? ¿por qué está Charles en una silla de ruedas? ¿cuál es el origen de la Mansión X y de Cerebro?

James McAvoy

Calificación:  5, Mediana.
Lo mejor de la película: Producto de entretenimiento que cumple su objetivo, con demasiado metraje. La química entre McAvoy y Fassbender es estupenda. Los títulos de créditos finales dignos de mención.  Jennifer Lawrence, recientemente nominada al Óscar, muy destacable.  
Lo peor de la película: El antagonista no destaca, no está a la altura de los protagonistas (Charles y Erik), interpretado por un Kevin Bacon, con un ridículo casco anti-telepatía, que poco puede hacer. El español Álex González no tiene diálogos. También resulta un poco ridículo que Charles Xavier se ponga continuamente el dedo en la cabeza cuando ejerce la telepatía.

Trailer de la película:

lunes, 27 de junio de 2011

Pilar Miró y Henry Purcell en "El pájaro de la felicidad"



 


Uno de los elementos mas singulares de El pájaro de felicidad es, sin duda, su banda sonora.  Temas españoles, ingleses e italianos de los siglos XVI, XVII y XVIII, interpretados –y versionados a veces– por Jordi Savall con instrumentos originales, se unen a la pintura, a la fotografía de José Luis Alcaine, a la poesía de Ángel González y, sobre todo, a la dirección de Pilar Miró para dar como resultado una obra estéticamente impecable y, al menos para mí, algo mucho más importante: una película excelente. 

El disco compacto con la banda sonora, que en su día editó AUVIDIS (como el de Tous les matins du monde –1991–, la célebre película de Alain Corneau que dio a conocer a Jordi Savall ante el gran público), incluye todas las piezas que se oyen en la película y algunas más, pero con una excepción clamorosa.  En un momento culminante del guión, justo cuando Carmen (Mercedes Sampietro) se queda por fin sola, con la única compañía de su nieto y de su perro, comienza a sonar una de las arias más hermosas de la ópera barroca y de la historia de la música: el “lamento de Dido” de Dido and Aeneas  de Henry Purcell. 

Según nos cuenta Virgilio en su Eneida, el troyano Eneas, hijo de Venus y Anquises, había conseguido escapar del desastre de Troya y, de camino hacia Italia, donde estaba llamado a ser el fundador de la estirpe de los romanos, llegó con su nave a Cartago, de la que era reina por entonces la hermosa Dido, hija del rey Belo de Tiro.  Venus, que velaba por la seguridad de su hijo, recurrió a Cupido para infundir en Dido un amor irresistible por el troyano cuando éste relataba ante la reina los terribles sucesos de los últimos días de Troya.  La pareja termina entregándose al amor, pero Júpiter, preocupado por el destino del héroe, envía ante Eneas a su hijo Mercurio para instarlo a abandonar Cartago.  Dido, desesperada por la partida de su amor, ordena encender una pira y se arroja a ella ante el espectáculo de las naves que partían.


Nahum Tate, el libretista de Purcell, deja de lado semejante final, introduce a una hechicera que, haciéndose pasar por Mercurio, conspira contra el amor de la pareja, y retrata a Eneas como un personaje vacilante, que decide marcharse y que se arrepiente acto seguido, aunque sea ya inútil, pues Dido, despechada, lo expulsa para siempre de su lado.  Justo cuando el troyano ha partido, Dido muere en el regazo de su hermana Belinda, lamentándose de su amor desdichado y rogándole que se acuerde de ella, pero no de su destino fatal.



Thy hand, Belinda, darkness shades me.
On thy bosom let me rest.
More I would, but Death invades me;
Death is now a welcome guest.
When I am laid in earth,
May my wrongs create
No trouble in thy breast;
Remember me, but ah!, forget my fate.

[¡Tu mano, Belinda! La oscuridad me envuelve.
¡Déjame reposar en tu pecho!
¡Qué más quisiera…! Pero me invade la Muerte.
A la Muerte le doy ya la bienvenida.
Cuando yazga en la tierra,
que mis errores no causen
turbación en tu pecho.
¡Recuérdame, pero, ay, olvida mi destino!]




El día de la proyección se sugirió que la elección de esta aria (ausente del CD) por parte de Pilar Miró era, en parte, un homenaje a Tatiana Troyanos, que la interpreta en la película acompañada por Sir Charles Mackerras.  Seguro que esto es así.  Pero no lo es menos que hay una justificación artística para que justo en ese momento irrumpa el lamento de la reina Dido.  Carmen ha sido abandonada por su nuera, Nani (Aitana Sánchez-Gijón), y renuncia también a retomar la relación con el vacilante Eduardo (José Sacristán), que es víctima de su miedo al compromiso.  Pero más allá de paralelismos más o menos forzados, lo cierto es que la música de Purcell y la letra de Tate calan con hondura en la soledad a la que se ve condenada Carmen, a pesar de sus compañeros de travesía (el bebé y el perro), como punto final de un viaje hacia sí misma, hacia los desérticos paisajes de Almería, donde el afecto y la independencia, tan contrarios y tan imprescindibles, dejan un final triste y abierto como lo es la vida humana:

"Añorar el futuro que no existe es aceptar la vida despojada de sus días mejores, y vivir es igual que haber vivido ya, sin que ese haber vivido suponga -por desgracia- estar ya muerto."   (Ángel González)

Aunque el aria comienza con When I am laid in earth… (“cuando yazga en la tierra…”), os enlazo a una maravillosa interpretación de la soprano Jessye Norman de la pieza completa, con el recitativo en el que Dido se dirige a su hermana y le pide su mano y su pecho en el momento final.



viernes, 24 de junio de 2011

Hermano, de Marcel Rasquin


Película: Hermano. Dirección: Marcel Rasquin. País: Venezuela. Año: 2010. Duración: 97 min. Género: Drama. Guión: Rohan Jones y Marcel Rasquin. Producción: Marcel Rasquin y Enrique Aular. Música: Rigel Mitxelena. Fotografía: Enrique Aular. Montaje: Carolina Aular y Juan C. Melian. Dirección artística: Maya Olde. Estreno en Venezuela: 2 Julio 2010. Estreno en España: 24 Junio 2011.
Intérpretes: Fernando Moreno (Daniel), Eliú Armas (Julio), Alí Rondón (Max), Marcela Cirón (Graciela), Gonzalo Cubero (Roberto).

Sinopsis:
La historia sencilla y poderosa de dos hermanos, Daniel (Fernando Moreno) y Julio (Eliú Armas), que luchan por convertirse en futbolistas profesionales. Daniel es un delantero excepcional, un fenómeno. Julio es el capitán del equipo, un líder nato. Ambos juegan al fútbol en el barrio La Ceniza. La oportunidad de sus vidas llega cuando un cazatalentos del Caracas Fútbol Club les invita a unas pruebas en el equipo. Pero la vida del barrio se interpone y una tragedia les sacude.

Fernando Moreno y Eliú Armas

Calificación:  5, Mediana.
Lo mejor de la película: El enfoque social que nos ofrece su director en esta ópera prima. Temible la realidad actual existente en Venezuela, basta observar la primera secuencia del filme.    
Lo peor de la película: Demasiado fútbol en el metraje.

Trailer de la película:

jueves, 23 de junio de 2011

Insidious, de James Wan


Título original: Insidious. Dirección: James Wan. País: USA. Año: 2010. Duración: 103 min. Género: Terror. Guión: Leigh Whannell. Producción: Jason Blum, Oren Peli y Steven Schneider. Música: Joseph Bishara. Fotografía: David M. Brewer y John R. Leonetti. Montaje: James Wan y Kirk M. Morri. Diseño de producción: Aaron Sims. Vestuario: Kristin M. Burke. Estreno en España: 10 Junio 2011.
Intérpretes: Patrick Wilson (Josh), Rose Byrne (Renai), Barbara Hershey (Lorraine), Lin Shaye (Elise), Angus Sampson (Tucker), Ty Simpkins (Dalton), Andrew Astor (Foster).

Sinopsis:
Josh y Renai han formado una familia feliz con sus tres hijos pequeños. Después de que uno de ellos sufra un terrible accidente y quede sumido en un coma, Josh y Renai empezarán a sufrir experiencias que la ciencia no es capaz de explicar.

Rose Byrne y Patrick Wilson

Calificación:  4, Deficiente.
Lo mejor de la película: Correcta dirección de Wan, famoso por la saga “Saw”, para una historia poco original. La secuencia del extraño niño cambiando la música del tocadiscos de Renai pone los vellos de punta.   
Lo peor de la película: No aporta nada nuevo al género, recurriendo a clichés de otros filmes como “El exorcista”, “Fantasma”, “Poltergeist”, “Los otros”, etc. La secuencia de espiritismo con máscara de gas, lo más ridículo y esperpéntico.

Trailer de la película:

martes, 21 de junio de 2011

El primer beso de la Historia del Cine


En 1896, el inventor y cineasta Thomas A. Edison revolucionó y escandalizó a muchos con su corto The Kiss.

Muchos consideraron indecente la escena, en la que May Irwin y John C. Rice se daban el primer beso de la Historia del Cine.

Ocurrió en abril de 1896, el señor John C. Rice (Billy Bilke) le dio a la señorita May Irwin (Beatrice Byke) un apasionado beso delante de las cámaras. La escena de 21 segundos se repitió 3 veces para hacer este cortometraje.

Ambos artistas estaban representando en Broadway (Nueva York) la comedia musical La viuda Jones, y un periódico neoyorkino les pidió que recrearan en un estudio esta escena de la parte final de la obra. El cámara y director fue William Heise, y la productora fue la Edison Manufacturing Co., propiedad de Thomas Alva Edison. La proyección pública del film motivó protestas en muchos lugares. Ni que decir que a pesar de ello fue todo un éxito comercial.

Recordemos este escandaloso corto de los pioneros del cine.

El nuevo resacón de Bradley Cooper


Hace unas semanas encontrábamos en nuestra cartelera a Bradley Cooper junto a Robert de Niro en la película “Sin límites”. (http://linternamagicasevilla.blogspot.com/2011/04/sin-limites-en-cartelera.html)
Nacido el 5 de enero de 1975 en Philadelphia, Pennsylvania (Estados Unidos), Bradley Cooper es un actor de ascendencia irlandesa e italiana. Estudió lengua y literatura inglesa en la Universidad de Georgetown e interpretación en el Actors Studio Drama School de la New School University de Nueva York tras acudir anteriormente a la Academia Germantown de Fort Washington, Pennsylvania.
Antes de llegar al cine intervino en numerosas series de televisión, como “Alias”, “The Street”, “Touching Evil”, “Jack y Bobby”, “Kitchen Confidential” y “Nip/Tuck”.
Debutó en el cine con “Wet hot american sumer” (2001). Más tarde lo pudimos ver en las comedias “De boda en boda” (2005), “Novia por contrato” (2006), “Un rockero de pelotas” (2008) y “Di que sí” (2009).
Triunfó en “Resacón en Las Vegas” (2009) interpretando a Phil Wenneck, quien viaja con unos amigos a la ciudad del juego de Nevada para participar en una despedida de soltero. El papel de Phil le ha valido consagrarse como actor y pasar de secundario a protagonista en sus siguientes papeles.


Sus últimos trabajos han sido “El Equipo A” (2010) encargado de dar vida cinematográfica a Templeton Peck y "Sin límites" (2011) donde era un escritor que consumía una droga experimental para incrementar su creatividad.
Pero a remolque de su gran éxito “Resacón en las Vegas”, una estupenda comedia, dentro de unos días nos llega a la cartelera sevillana una segunda parte de esta cinta titulada “Resacón 2: Ahora en Tailandia”, de nuevo dirigida por Todd Philipps.
En esta secuela la cuadrilla de amigos protagonistas, Phil (Bradley Cooper), Stu (Ed Helms), Alan (Zach Galifianakis) y Doug (Justin Bartha), se vuelven a juntar dos años después para viajar a Tailandia con el objetivo de asistir a la boda de Stu. Para no volver a tropezar con la misma piedra, obvian irse de juerga la noche anterior y optan por un almuerzo tranquilo antes del festejo matrimonial, pero las cosas no siempre salen como se tiene previsto.
Esperamos expectantes su próximo estreno en cartelera.

Fotograma de "Resacón 2: Ahora en Tailandia"

lunes, 20 de junio de 2011

Pequeñas mentiras sin importancia, de Guillaume Canet


Título original: Les petits mouchoirs. Dirección y guión: Guillaume Canet. País: Francia. Año: 2010. Duración: 154 min. Género: Comedia dramática. Producción: Alain Attal. Fotografía: Christophe Offenstein. Montaje: Hervé de Luze. Diseño de producción: Philippe Chiffre. Vestuario: Carine Sarfati. Estreno en Francia: 20 Octubre 2010. Estreno en España: 27 Mayo 2011.
Intérpretes: François Cluzet (Max), Marion Cotillard (Marie), Benoit Magimel (Vincent), Gilles Lellouche (Éric), Jean Dujardin (Ludo), Laurent Lafitte (Antoine).

Sinopsis:
La historia nos presenta a un grupo de amigos que tiene la costumbre de reunirse durante las vacaciones de verano. Este año deciden no romper la tradición a pesar de que uno de ellos ha sufrido un accidente en París unos días antes de partir. Ya en la playa, sus contradicciones afloran y su amistad se pone a prueba. Juntos se verán obligados a convivir con esas pequeñas mentiras sin importancia que se dicen cada día.

Marion Cotillard 

Calificación:  7, Buena.
Lo mejor de la película: El reparto en general. El plano-secuencia inicial y las canciones seleccionadas para salpicar la película.
Lo peor de la película: El metraje (demasiado largo) y lo previsible de algunas situaciones.

Trailer de la película:

sábado, 18 de junio de 2011

El Museo en el cine: Arquitectura

El Museo Guggenheim de Nueva York (inaugurado en 1959), es la última gran obra de Frank Lloyd Wright (1867-1959), uno de los principales arquitectos del siglo XX. Wright acuñó el término arquitectura orgánica: sostenía que la forma de cada edificio debe adaptarse a su función y al entorno natural. El edificio fue un encargo de Solomon Guggenheim para exhibir su importante colección de arte moderno.

El elemento más destacado de este edificio es su rampa helicoidal; según Wright, es más sencillo que el visitante suba en ascensor hasta el nivel superior y descienda por esta rampa, contemplando las obras expuestas en sus muros, convenientemente iluminadas gracias al gran lucernario de la cubierta.

Este edificio, situado en la 5ª Avenida, frente a Central Park, es uno de los iconos de la ciudad de Nueva York, y como tal ha aparecido en muchas películas; para cerrar esta serie de entradas relacionando los museos con el cine, hemos elegido un fragmento de The International (2009), de Tom Tykwer, en el que asistimos a una persecución en el inconfundible interior del museo.
Hay que aclarar que el rodaje de esta película no se llevó a cabo dentro del museo, sino que fue necesario construir una réplica a tamaño real del mismo, en la que poder dar rienda suelta a la imaginación del guionista, que había concebido escenas de acción sanguinolentas, persecuciones y tiroteos imposibles de rodar dentro de un museo real.

jueves, 16 de junio de 2011

Mitomanía... Judy Garland


Nací a los doce años en los estudios de la Metro Goldwyn Mayer”, solía bromear Judy Garland. Pero era cierto. Nunca tuvo infancia. Creció y vivió demasiado aprisa.
Nacida en Grand Rapids, Minnesota, el 10 de junio de 1922, Frances Gumm (éste era su verdadero nombre) debutó a los tres años en un espectáculo de music-hall en el que intervenían sus padres y hermanas. A los cinco años formaba parte del trío Gumm Sisters y a los siete años recorría toda California con la troupe de los Meglin Kiddies.
En 1934 el trio familiar, que se había convertido en Garland Sisters, se disuelve, y Judy (el nombre lo tomó de una popular canción de Haogy Carmichael) emprende una carrera como solista, por consejo y casi imposición de su dominante madre.
Contratada por la Metro Goldwyn Mayer gracias a su excepcional voz, cuando ya estaba pasada de edad vendría su gran éxito de El mago de Oz, celebrado como “la mejor actuación juvenil del año” y merecedor de un Óscar especial.
Convertida en gran estrella musical, su carrera prosiguió triunfante, contando siempre con los mejores músicos y letristas (Cole Porter, Irving Berling, los hermanos Gershwin), los más afamados bailarines (Fred Astaire y Gene Kelly) y los más prestigiosos técnicos (los directores Busby Berkely, Vicente Minelli y Charles Walters, y el productor Arthur Freed).
Para sobrellevar el vértigo de su acelerada existencia, Judy se había aficionado desde los trece años a los barbitúricos. Insegura y vulnerable, su vida de adulta atravesó grandes crisis emocionales, numerosos intentos de suicidio y escandalosos internamientos en hospitales, que provocaron su despido de la Metro.
Pero Judy se rehízo y emprendió una nueva carrera de cantante que reverdeció e incluso superó pasados laureles. Ninguna otra estrella de Hollywood había sido capaz de pasar del cine a la canción con similar respuesta popular.
Su muerte, a los 47 años de edad, todavía rodeada de misterio, significó el ocaso de todo un tipo de cine musical y el final de un estilo personal de “estar sobre un escenario” que ya no era compatible con los nuevos tiempos.
Hoy la recordamos cantando esa canción estupenda, convertida en un himno, de la película El mago de Oz, titulada “Somewhere over the rainbow”. A disfrutar, cinéfilos.

martes, 14 de junio de 2011

El pájaro de la felicidad, de Pilar Miró, en el Pabellón de Uruguay


El próximo miércoles, 15 de junio de 2011, nuestra Asociación organiza una nueva actividad, en esta ocasión dedicada la directora de cine Pilar Miró.
Comenzaremos con la proyección de su película "El pájaro de la felicidad" (1993), tras la cúal abriremos una Mesa Redonda con invitados/as para charlar sobre la película y su directora.
La actividad comenzará a las 19,30 horas y tendrá lugar en el Pabellón de Uruguay (situado detrás del Teatro Lope de Vega).
La película nos cuenta la historia de Carmen, una mujer dedicada a la restauración de obras de arte, que sufre un asalto sexual después de reencontrarse con su único hijo. El trastorno psicológico que ello provoca en su persona no afecta al hombre con quien mantiene relaciones, por lo que Carmen, hondamente decepcionada, decide emprender un viaje en busca de toda su vida anterior, sin más preocupación que la profesional.
  

     Producción: Central de Producciones Audiovisulaes, Sogepaq
     Productores Ejecutivos: José Luis Olaizola y Rafael Diaz-Salgado
     Jefe de Producción: Juan Carlos Caro
     Argumento: Una historia escrita por Mario Camus
     Guión: Mario Camus
     Fotografía: José Luis Alcaine, en Eastmancolor
     Operador: Julio Madurga
     Sonido: Carlos Faruolo
     Música: Jordi Savall
     Dirección Artística: Felix Murcia
     Vestuario: Javier Artiñano
     Montaje: José Luis Matesanz
     Maquillaje: José Antonio Sánchez
     Ayudante de Dirección: David Martínez
     Laboratorios: Madrid Film 
     Duración: 119 minutos
     Estreno: 5 de mayo de 1993

  
Aitana Sánchez-Gijón y Mercedes Sampietro

Intérpretes:
Mercedes Sampietro (Carmen)
Aitana Sánchez-Gijón (Nani)
José Sacristán (Eduardo)
Carlos Hipólito (Enrique hijo)
Lluis Homar (Fernando)
Daniel Dicenta (Enrique)
Mª Carmen Prendes (madre)
Jordi Torras (padre)
Asunción Balaguer (señora rica)
Ana Gracia (chica de la agencia)
Eulalia Ramón (Elisa)
Antonio Canal (Sergio)
Diego Carvajal (Mauro)
Felipe Vélez (asaltante)

Nos quedamos con unas imágenes de la película donde podremos apreciar las estupendas localizaciones en Almería elegidas por Pilar Miró para su película y su extraordinaria Banda Sonora a cargo de Jordi Savall.

Hanna, de Joe Wright


Título original: Hanna. Dirección: Joe Wright. País: USA. Año: 2011. Duración: 111 min. Género: Acción, thriller. Guión: Seth Lochhead y David Farr; basado en un argumento de Seth Lochlead. Producción: Leslie Holleran, Marty Adelstein y Scott Nemes. Música: The Chemical Brothers. Fotografía: Alwin Küchler. Montaje: Paul Tothill. Diseño de producción: Sarah Greenwood. Vestuario: Lucie Bates. Estreno en España: 10 Junio 2011.
Intérpretes: Saoirse Ronan (Hanna), Eric Bana (Erik), Tom Hollander(Isaacs), Olivia Williams (Rachel), Jason Flemyng (Sebastian), Cate Blanchett (Marissa), Jessica Barden (Sophie).

Sinopsis:
Hanna es una adolescente de 14 años que ha vivido toda su vida en el bosque, siendo entrenada por su padre para convertirse en una asesina. Tan sólo abandona dicho lugar cuando se le encarga que mate a un oficial de alto rango del gobierno que tiene bastantes cosas que ocultar.

Saoirse Ronan

Calificación:  4, Deficiente.
Lo mejor de la película: La música de The Chemical Brothers. Las apariciones de la siempre genial Cate Blanchett.
Lo peor de la película: Con el paso del metraje el guión pierde fuelle. Por cierto, prescindible por su ridiculez la secuencia en Córdoba (Spain) con el cuadro flamenco de por medio. Por favor, en Andalucía, además del flamenco existen otras cosas.

Trailer de la película:

viernes, 10 de junio de 2011

Jorge Semprún, el cineasta


Jorge Semprún ha fallecido este martes 7 de junio de 2011 en su domicilio de París. El escritor y exiliado español, ex ministro de Cultura, superviviente de los campos de exterminio nazis y ex militante comunista tenía 87 años.
Nació el 10 de diciembre de 1923 en Madrid, en una familia burguesa, católica y liberal. Se trasladó a Holanda al comienzo de la Guerra Civil con su padre y al acabar la contienda se exilió con su familia en París (Francia), donde cursó Filosofía y Letras en La Sorbona.
Ingresó en el Partido Comunista de España, y tomó parte en la Resistencia francesa durante la ocupación nazi, fue detenido por la Gestapo y deportado, en 1943, al campo de concentración de Buchenwald (este de Alemania), donde murieron más de 10.000 españoles y donde el propio Semprún, marcado con el nº 44.904, permaneció 16 meses. Fue liberado en 1945, regresando a París.
A finales de los años 60 vivió de incógnito en Madrid, dejó el partido comunista por desavenencias con su líder, Santiago Carrillo.
Publica su primera novela en París, “El Largo Viaje, continuando una prolija obra literaria (“La Deuxième mort de Ramón Mercader", “Repérages”, “Autobiografía de Federico Sánchez”, “Vaya Domingo”, “La Algarabía”, “Montand, la vida continúa”, “La montaña blanca”, “Netchaiev ha vuelto”, “L'écriture ou la vie”, “Pálida madre, tierna hermana”, “Adiós, luz de veranos”, “Viviré con su nombre, morirá con el mío”, “Veinte años y un día”, etc.) de fuerte componente autobiográfico, donde Semprún reflexionaba sobre los hechos más importantes del siglo XX en España y en Europa
Es nombrado ministro de Cultura español el 8 de julio de 1988, durante el mandato de Felipe González, sustituyó en el cargo a Javier Solana, medió en las negociaciones para la adquisición por parte del Estado Español de la gran Colección Thyssen de 700 obras de arte (1988-1993). Fue precursor del Decreto de ayuda a la Cinematografía de 1989 ('Decreto Semprún').
El presidente González remodeló su equipo el 11 de marzo de 1991 y, al frente de Cultura, designó a Jordi Solé Tura, y Jorge Semprún regresó a Francia como consejero de Canal+ el 10 de junio de 1992.


La relación de Semprún con el cine fue muy estrecha. Escribió para el cine más de una docena de guiones que se concentran entre 1966 y 1997 y se sustentan en 3 nombres propios: Alain Resnais, Costa Gavras y Yves Boisset.
La primera incursión cinematográfica fue “La guerra ha terminado” (1966) de Alain Resneis, con el que colaboraría de nuevo en el filme “Stavisky” (1974).
Fue el guionista de tres películas del director Costa Gavras: “Z” (1969), “La confesión” (1970) y “Sección especial” (1975). También realizó el guión de “El atentado” (1972), de Yves Boisset.
Otros guiones interesantes para el cine fueron “Una mujer en la ventana” (1976) dirigida por Pierre Granier-Deferre y “Las rutas del sur” (1978), dirigida por Joseph Losey. 
También realizó la adaptación cinematográfica de su novela “Netchaiev ha vuelto” (1991), película que dirigió Jacques Deray.
Es evidente, que Jorge Semprún, además de ser un escritor y un político de referencia, ha sido un destacado cineasta. Y hoy lo recordamos en nuestro Blog.