'Los días azules' (Laura Hojman, 2020)

 

‘Antonio Machado. Los días azules’ es un largometraje documental que recorre la vida de Antonio Machado en paralelo a la evolución social y política de España, y explica, con la ayuda de testimonios y otros recursos, la influencia de elementos biográficos en su estilo literario y su obra. La vigencia de su figura y su relevancia como poeta quedan claras al visitar la Fundación Antonio Machado, que recopila y archiva las cartas que todavía hoy, 86 años después de su fallecimiento, recibe el escritor por parte de personas de todo el mundo. Personas que también visitan su tumba y le honran.

Al aproximarse a la vida y la producción literaria de Rubén Darío en su primer trabajo en la dirección, Tierras Solares (2018), la directora ya tomaba soluciones muy sencillas, pero efectivas, para su dispositivo formal. Intercalaba -como aquí- las declaraciones de un buen puñado de expertos y personalidades, explorando distintos hitos vitales, familiares y viajes, enlazados a las fases de su producción literaria y obras concretas. A esto sumaba escenificaciones para establecer cierta ambientación histórica y un tono consistente con la perspectiva poética del autor. Algo que sustituye en esta nueva producción por animaciones de carácter breve con estética de acuarela.

Antonio Machado en una de las acuarelas del filme

Del registro de esos lugares con el paso del tiempo emerge también una idea de reapropiación del espacio como un ejercicio de construcción de memoria y de recuerdo en el mismo hecho de filmar, que expresa el claro compromiso político de la cineasta para combatir el olvido. La cinta se contagia de esa vívida nostalgia por un paraíso perdido de infancia de Antonio Machado cuando aborda la época republicana y la guerra. Su dimensión política impregna por completo el discurso y marca -a través de sus innegables resonancias- un salto cualitativo y expansivo temáticamente respecto a su ópera prima, más centrada en el aspecto artístico y lo personal. La historia de Machado es la de muchos otros intelectuales, profesores y ciudadanos que creían en el potencial revolucionario de la educación del pueblo para transformar y modernizar la sociedad española, anquilosada por el tradicionalismo y las élites religiosas, políticas y económicas más reaccionarias.

Hojman abre el montaje de Antonio Machado. Los días azules en el lugar de su muerte y lo finaliza regresando al Palacio de las Dueñas en Sevilla, donde nació y vivió los primeros años de su niñez, de donde nunca pudo olvidar los limoneros y el rumor del agua de la fuente donde se reflejaba la luz que estos filtraban. Su película es asimismo un intento de capturar el reflejo de este escritor en nuestra cultura, historia y sociedad mientras le rinde homenaje. Un homenaje que celebra su legado como la posibilidad de un aprendizaje para el futuro e inspiración de nuevas generaciones.

Los días azules” es exquisito en su sensibilidad y compromiso, así como en su empaque formal gracias al portentoso e impagable trabajo en la dirección de Laura Hojman. Quizás porque lo que cuenta es tan terrible como bello. Quizás porque es imposible escabullirse ante la figura del poeta sevillano que terminó siendo universal y el mejor símbolo de su tiempo. Alguien que insufló vida definitivamente en la poesía, exigiendo que dejase de ser contemplativa al afirmar: “La poesía es acción”.

 

Laura Hojman presentó su película para 'Linterna Mágica'

Laura Hojman nos relata el periplo vital de Antonio Machado desde su Sevilla natal (idílica dentro de aquel patio de ensueño en el Palacio de Dueñas en el que habitó su familia como alquilada en una de sus estancias) hacia Madrid para formarse (y educarse en el más grande y mejor sentido del término) en la Institución Libre de Enseñanza de Ginés de los Ríos. Diversos testimonios mediante entrevistas recuerdan el mantenimiento de la familia por el abuelo ante la falta de autonomía y estabilidad económica del padre.

El trabajo de investigación presenta su temprana afición al teatro y su intento frustrado de ser actor, así como el gran impacto a los 19 años de la lectura del libro “Azul” de Rubén Darío. Éste libro del poeta y diplomático nicaragüense impulsó a muchos jóvenes inquietos a ir a París, entonces principal sede de la cultura mundial adonde se traslada transitando los caminos del modernismo y el simbolismo.

Tras su estancia parisina junto a su hermano mayor, el también poeta y escritor Manuel Machado, vuelven ante la falta de medios para mantenerse en la capital francesa. La muerte del padre en 1893 y del abuelo tres años después le obliga a la búsqueda de trabajo. Terminó el Bachillerato a los 25 años comenzando a trabajar a los 32. El trabajo le vuelve más práctico en la vida y cambia el carácter simbolista de su poesía a otra más realista. Consigue hacerse catedrático de francés obteniendo plaza en Soria donde escribe sus conocidos poemas sorianos. Imágenes de dibujos animados ilustran su recitado. Se recuerda el trágico amor del poeta con Leonor, joven de 15 años, que, enferma, fallece en 1912 abatiendo emocionalmente a Antonio Machado. A ella dedica su exitoso libro “Campos de Castilla”.

Consigue traslado al instituto de Baeza, como comenta el escritor Antonio Muñoz Molina revalorizando su faceta de profesor humanista. Da cuenta también de la gran influencia que tuvo Antonio Machado sobre el entonces joven Federico García Lorca en una visita grupal que hizo siendo estudiante.

Llega a Segovia el año 1919 creando una universidad popular gratuita tal como rememoran Jacques Isorel y Elvira Lindo. Nueve años después surge su otro gran amor con Pilar de Valderrama. Mujer casada de mediana edad y madre de tres hijos, que se niega al amor pero acaba cediendo a verse con el poeta en viajes discretos de ambos a Madrid.

Se traslada a Madrid donde vive una apasionada y apasionante aventura personal de compromiso político, ético y cultural con la II República a través de las Misiones Pedagógicas, para llevar la cultura al proletariado al que nunca antes se le había concedido esa posibilidad para evitar que pudieran pensar por sí mismos.

Los terribles acontecimientos que concluyeron en la fatídica Guerra Civil, provoca la progresiva huida del gobierno republicano según avanza la guerra y hace que muchos artistas e intelectuales marchen al extranjero o a Valencia siguiendo al gobierno que perdía la guerra. La familia Machado se resiste a irse pero finalmente accede continuando luego en la retirada hasta Barcelona alojándose en el hotel Majestic. Ante el intenso asedio de la Ciudad Condal Antonio Machado y su madre salen de Barcelona en un viaje de seis días por carretera en dirección a Port Bou. Ya en el país galo el escritor Corpus Barga intercede por él ante los gendarmes franceses evitando su internamiento en campo de refugiados. A final de enero de 1939 llega en tren a Colliure alojándose tres semanas en el hotel Quintana. Fallece Antonio Machado el 22 de febrero de 1939 y tres días después su madre, en la misma pensión donde se refugiaron, exiliado de todo y de todo, siendo enterrados en nicho prestado por la familia propietaria del hotel donde se alojaban.

En 1958 se trasladan sus restos mortales a una tumba sufragada por aportaciones de particulares.

En la tumba de Machado siempre hay flores y cartas para él

Frente a “Estos días azules y este sol de la infancia” (últimos versos del genio andaluz que se encuentran en el bolsillo de su abrigo a su fallecimiento); y culminando con la primera visita de un Presidente de nuestro Estado a su tumba en Collioure por parte de Pedro Sánchez en 2019 (hasta 2019, 42 años después de la restauración de la democracia, jamás había comparecido a rendir tributo al poeta ningún presidente, pero sí cientos de miles de personas agradecidas que dejan cartas en su tumba diariamente).

Pero también esta obra maestra del documental, es la narración poética caminando por los más importantes hitos de la poesía machadiana acompasada por la voz de Pedro Casablanc. Y para ello Laura Hojman es capaz de crear visualmente a través de impolutos planos fijos una belleza gráfica atemperada con los versos de forma sublime. Y, cuando no hay imágenes, se dibujan, para que nada nunca falte.

Su vida y su obra poética se va reconstruyendo a través de diferentes apuntes que escritores y catedráticos van desgranando a cámara, mientras que una sucesión de bellísimas imágenes caen en cascada delante de nuestros atónitos ojos, que quieren más y más sin cansarse nunca, deseando en todo momento que el documental fuese eterno. Pero lo más emotivo es para mí lo contemporáneo, cuando Laura Hojman nos asoma al buzón que existe junto a la tumba de Machado en el que diariamente se depositan cartas, o la marcha de los descendientes de los republicanos que tuvieron que salir a pie hacia Francia, repitiendo el recorrido de sus ancestros para que jamás vaya a ser olvidado.

Lola Rodríguez Olmedo junto a Laura Hojman

 

“Estos días azules y este sol de la infancia” cuentan que estaba escrito en un papel en el bolsillo del último abrigo del poeta, su poema postrero e inconcluso, cerrando el círculo, evocando a Sevilla en Collioure, principio y fin de la vida nunca fácil de Antonio Machado, soñando con Sevilla en una playa del sur de Francia, ejerciendo de andaluz hasta el último aliento. Y todo ello acompasado por una fotografía exquisita ciertamente sublime de Jesús Perujo y una música hipnótica de Pablo Cervantes.

Laura Hojman consiguió nueve nominaciones a los Premios ASECAN del cine andaluz, una nominación a mejor documental en los Premios José María Forqué, y, a nivel personal, el Premio Mejor Cineasta de Andalucía que Canal Sur concede en el Festival de Huelva Cine Iberoamericano.

 

Lola Rodríguez Olmedo 

 

 

Charlie Kaufman

Charlie Kaufman

Traemos hoy al blog lo más destacado de la obra del neoyorquino Charlie Kaufman (1958), guionista y director, centrándonos en los aspectos relacionados con el guión y queriendo subrayar su último trabajo fílmico Estoy pensando en dejarlo, estrenado en 2020 (en España en Netflix), que pasó de puntillas por el escenario cinematográfico: no fue un buen año para el cine ni para nada.

Curtido como guionista en el mundo de la televisión y la sitcom, consiguió ser nominado al Óscar y al Globo de Oro y ganar un Bafta por su primer guión cinematográfico, un guión original, para la película Cómo ser John Malkovich (Spike Jonze, 1999). Ya desde entonces encontramos la primera seña de identidad de su obra, su exacerbada imaginación, seña que lleva a gala y que explica como necesaria cuando le preguntan: “Cada vez que creas una obra de arte intentas hacer algo diferente. Toda película debería ser una anomalía”.

Es lógico defender esta postura. Si la exclusividad y originalidad es mínima, si la creatividad escasea, se hace más una labor de artesanía que arte. Y el resultado final es parecido a otras obras.

Ese intento de hacer algo diferente, Charlie Kaufman, lo consigue claramente en sus guiones. Tímido confeso, se ve que ha convertido la introversión en riqueza creativa. En Cómo ser John Malkovich, parte de la idea del hallazgo de un túnel que va a la mente del actor John Malkovich. Cuando menos, el planteamiento es peculiar y dará pie a multitud de situaciones que evidencian las temáticas que van a ser habituales en su filmografía: insatisfacción vital, soledad, depresión, dificultad para conectar con el otro, complejidad de la mente humana, desdoblamiento de la personalidad…

John Cusack, Catherine Keener y Cameron Diaz
en Cómo ser John Malkovich

Si en esta película John Malkovich pasaba a ser un personaje en cuya mente podían adentrarse los demás, en su guión para Adaptation. El ladrón de orquídeas (Spike Jonze, 2002) se mete de lleno en el metacine. Charlie Kaufman es el personaje protagonista de su propio guión: inmerso todavía en el rodaje de Cómo ser John Malkovich, le encargan la adaptación del libro El ladrón de orquídeas y, ante la dificultad para hacerlo, investiga sobre el protagonista del libro y la autora, de modo que pasan a ser también personajes de la película. Dejando claro su gusto por las duplicidades, crea además el personaje de su hermano gemelo, Donald Kaufman, al que incluye en los títulos de crédito como coguionista, haciendo un guiño al espectador.

Igual que le ocurrió en Cómo ser John Malkovich, estuvo nominado al Óscar y al Globo de Oro, pero nuevamente lo que ganó fue el BAFTA, esta vez por mejor guión adaptado, ya que existía la novela previa de El ladrón de orquídeas, de Susan Orlean. Por cierto, los miembros de la Academia también incluyeron en la nominación al inexistente Donald Kaufman.

Tras escribir el guión de Confesiones de una mente peligrosa (George Clooney, 2002) y tener diferencias con el director, volvió a trabajar con Michel Gondry (le había hecho el guión para Human nature en 2001) y esta vez sí obtuvo merecidamente el Óscar a mejor guión original, entre numerosos premios más, por Olvídate de mí (Michel Gondry, 2004). La peculiar historia que nos cuenta merece que accedamos a ella sin ideas previas y sin saber siquiera una sinopsis, si es que todavía no se ha visto.

Más incluso que en sus obras anteriores, se le exige al espectador el papel activo de organizador de la información que recibe. De género mixto (la he visto clasificada como drama, comedia, romántica, ciencia-ficción), lo cierto es que el trabajo de Charlie Kaufman va evolucionando desde un tono ligero  cercano a la comedia hasta un humor lleno de cinismo.

Su pareja protagonista, Kate Winslet y Jim Carrey, está espléndida, aunque quizá la única pega que podría ponerse a su elección es que, especialmente él, podría ser un reclamo para un público que fuera buscando la comedia simplona y, al mismo tiempo, el factor disuasorio para el espectador que suela huir del cine en el que suele participar. Es una película a la que hay que acudir libre de prejuicios.

Kate Winslet y Jim Carrey en Olvídate de mí

El reconocimiento de público y crítica que obtuvo con Olvídate de mí le animó a querer dirigir sus guiones. Tras su debut como director con otro ejercicio metalingüístico, Synecdoche, New York (Charlie Kaufman, 2008), continuó con Anomalisa (Charlie Kaufman, 2015), película de animación usando la técnica de stop motion, cuyo protagonista escucha en los demás siempre la misma voz. Estuvo nominada al Óscar como mejor película de animación, pero se lo arrebataría Inside out (Pete Docter, 2015).

                      

Su último trabajo como director y guionista ha sido Estoy pensando en dejarlo (Charlie Kaufman, 2020). Es un guión adaptado, basado en la novela del mismo título de Iain Reid. Es denso, con mucho peso literario, y con él sigue siendo fiel al sello de su cine en cuanto a originalidad y temática. Comienza con la voz en off de la actriz protagonista (¿es ella la protagonista de la película?), Jessie Buckley: “Estoy pensando en dejarlo (…) Una idea está más cerca de la verdad, de la realidad, que una acción. Puedes decir cualquier cosa, hacer cualquier cosa, pero no puedes fingir una idea”.

Sus personajes están teñidos abiertamente ya de amargura y la mezcla de géneros llega a tal punto que la inquietud crece en el espectador, que llega a sospechar que la trama puede derivar en terror. No llega a tanto, si es que los temas de los que hemos dicho que son del gusto de Kaufman (la soledad, la insatisfacción, los laberintos de la mente humana…) no son terror en sí mismos.

Jesse Plemons, Jessie Buckley, Toni Collette y David Thewlis en Estoy pensando en dejarlo

Genera tensión que no está producida por una música efectista, por una trama de suspense o imágenes sobrecogedoras, sino por la sensación desde temprano de que hay pequeños detalles que no encajan bien, nombres que creemos no haber entendido (aquí tenemos la ventaja del visionado a través de plataforma), secuencias que contradicen la lógica del espacio y el tiempo  y a las que cada uno tiene que dar su propia respuesta porque Charlie Kaufman no nos la va a dar. De hecho, parece ser que ha optado por ser más críptico que lo que es la novela. Eso sí: va a ser generoso en los mensajes. “El ser humano es el único que conoce la inevitabilidad de su muerte. Los otros animales viven en el presente. Como los humanos no pueden, inventaron la esperanza”.

La película más oscura del cineasta otorga al espectador un protagonismo extremo: le muestra las piezas y él tiene que montarlas para construir su significado. Pero esta ambigüedad y diversidad de interpretaciones es la que le concede la belleza del misterio.

Lecturas para el nuevo curso

 

La producción editorial en nuestro país supera, año tras año, las cifras del anterior, sorprende saber que se cuentan por miles los nuevos títulos de libros publicados cada mes, cifras que muchas veces no están en consonancia con la de lectores activos, pero ese es otro tema...

Dentro de este mare magnum de ediciones son también cada vez más numerosas las publicaciones dedicadas al mundo del cine, en todas sus facetas: técnica, económica, artística, antropológica o social.

Aprovechando el inicio del curso, repasamos algunas de estas novedades editoriales relacionas con el séptimo arte, con el fin de incentivar, más si cabe, vuestro interés por la lectura.

 

El Nueva York de "El Padrino" y otras películas de la mafia

María Adell Carmona y Pau Llavador

La mafia ha dado lugar a infinidad de películas y series que se han convertido en iconos universales, como El Padrino, Uno de los nuestros, The French Connection, Érase una vez en América, Cotton Club o Los Soprano. Todas forman parte de nuestra memoria colectiva, y a través de ellas podemos trazar una ruta por la también mítica ciudad de Nueva York, escenario de momentos brillantes del cine negro.

Con esta guía imprescindible repasaremos las principales localizaciones de la Gran Manzana y sus alrededores: restaurantes y clubes que han alimentado la leyenda de los grandes capos, hoteles cuyas habitaciones han oído secretos inconfesables, bares, parques y calles donde se han matado a tiros miembros de clanes enfrentados…  Un fascinante recorrido por la Gran Manzana a través del cine de mafiosos y una obra de culto que, como la oferta de Corleone, no podrás rechazar. Editorial Lunwerg Editores: 2022. 216 páginas, 22 €.

 

La Tercera Vía del cine español

 

 Ana Asión Suñer

La Tercera Vía es una visión de la realidad española desde el Séptimo Arte que combinó calidad y comercialidad en los años de la trasinción española. Impulsada por el productor José Luis Dibildos, se trató de una tendencia cinematográfica que apostó por comedias a medio camino entre el cine comercial y el cine de autor que incluyeran una leve perspectiva crítica. Siendo Ágata Films la productora que utilizó esta etiqueta para sus trabajos, hay que resaltar el papel de directores como Roberto Bodegas (Españolas en París, 1971; Vida conyugal sana, 1974; Los nuevos españoles, 1974) o Antonio Drove (Tocata y fuga de Lolita, 1974; Mi mujer es muy decente dentro de lo que cabe, 1975) y de actores como José Sacristán o María Luisa San José. Fuera de este círculo otros cineastas como José Luis Garci, José Luis García Sánchez, Jaime de Armiñán o Manuel Summers desarrollaron películas semejantes, aunque ninguno de ellos las calificó como Tercera Vía. Editorial Laertes: 2022. 380 páginas, 24 €.

 

 

Españoladas maestras

Javier Díez (textos) y Elena Gómez (ilustraciones)

Un recorrido ilustrado por el cine español a través de 50 películas. Repasa lo mejor del cine español a través de cincuenta películas fundamentales, muchas de ellas ocultas tras el estereotipo “españolada” del título. Desde las comedias ácidas de Berlanga, los films malditos de Fernán Gómez, las cintas más controvertidas y analíticas de Saura o las que Buñuel hizo en España, hasta clásicos imprescindibles, como El verdugo, Surcos, La caza o Muerte de un ciclista, o esos otros inclasificables, como Amanece, que no es poco, y películas casi desconocidas o rarezas, como El desencanto, Función de noche, ¿Quién puede matar a un niño? o Arrebato, hasta llegar al cine más actual de Almodóvar, Amenábar, Bollaín, Coixet, De la Iglesia o León de Aranoa, entre otros muchos. Un recorrido que divulga y reivindica la calidad y la variedad del cine hecho en España, marcado por las circunstancias sociales y políticas de nuestro país.  Ediciones JC: 2022. 112 páginas, 18 €.

 

50 maneras de morir. Cine negro y poética de la fatalidad

Violeta Kovacsics Grisolía

El cine negro, un género tan escurridizo que resulta difícil seguirle la pista a lo largo de la historia del cine: el noir se escapa como un falso culpable a la fuga, escondido entre oscuros callejones. Puede ser una inmersión en el mundo del crimen, pero también es una estética de claroscuros, flashbacks y voces en off, y sobre todo es un estado de ánimo apesadumbrado, definido por el signo trágico de la fatalidad.

Este volumen persigue las pistas del cine negro a lo largo de la historia, desde su período de esplendor, en las postrimerías del Hollywood clásico, hasta sus mutaciones más recientes. Lo hace indagando en el vínculo inquebrantable entre el género y la fatalidad, que aparece en el noir de la mano de la ambivalente figura de la femme fatale, de la moralidad agrietada de sus héroes o de sus funestos y arrebatados desenlaces. Editorial UOC: 2022. 190 páginas, 20 €.

21 cineastas españoles. Entrevistas

Augusto M. Torres

El escritor, realizador y productor Augusto M. Torres reúne una variada selección de entrevistas con directores, guionistas, productores, actores y técnicos para construir un peculiar, original y coherente dibujo del cine español de la segunda mitad del siglo XX. Antología de entrevistas realizadas a lo largo de décadas como profesional, tanto con los genios consagrados del cine español (Jorge Semprún, Luis Buñuel, Fernando Fernán Gómez, Luis García Berlanga, Gonzalo Suárez, Francisco Rabal, Juan Marsé, etc.), y con otros menos conocidos, o que ya no suenan tanto (Jesús Franco, Eduardo García Maroto, Pere Portabella, Jerónimo Mihura, Manuel Mur Oti o Antonio Isasi-Isasmendi). A los que se unen conversaciones con personas dedicadas a otras facetas, distintas a la escritura o la dirección, como son Alberto Reig (director de NO-DO entre 1953 y 1962) o Pablo G. del Amo (montador cinematográfico).
Ediciones Cátedra: 2022. 432 páginas, 19,95 €.

 

Linterna mágica

Ingmar Bergman

"Cuando yo nací en el mes de julio de 1918 mi madre tenía la gripe, mi estado general era malo y me hicieron un bautizo de urgencia en el hospital. El viejo médico de cabecera vino un día de visita, me miró y dijo: Este se está muriendo de hambre". 

Así comienza “La linterna mágica”, las primeras memorias de Ingmar Bergman publicadas en 1987. Este libro, más que una autobiografía o unas memorias al uso, es una verdadera obra de autor, a la altura del genio sueco, en la que de forma conmovedora y sincera confiesa cómo a muy temprana edad el miedo se instaló en su alma, cómo descubrió deslumbrado el cine, a qué problemas tuvo que enfrentarse como artista y realizador, cómo amó, las mujeres a las que más quiso y cómo la figura del padre, pastor luterano, marcó gravemente toda su existencia y, en gran medida, también su obra. 

Ahora contamos con una nueva edición de estas apasionantes memorias, publicadas en 1988 por primera vez en España, y cuyas sucesivas ediciones estaban todas descatalogadas. Tusquets Editores: 2022. 320 páginas, 21 €

El Jardín de los Finzi-Contini (Vittorio De Sica, 1971)

Vittorio De Sica (1901-1974) es una de las figuras clave del neorrealismo italiano, al que contribuyó con dos películas fundamentales como son “El limpiabotas” (1946) y “Ladrón de bicicletas” (1948). Ganador de cuatro premios Oscar, el último de ellos lo consiguió con “El Jardín de los Finzi-Contini” (1971), en la categoría de mejor película de habla no inglesa (ahora denominado mejor película internacional). En la misma categoría lo había obtenido antes con “Ayer, hoy y mañana” (1964), y había recibido asímismo sendos Oscar especiales por “El limpiabotas” (1946) y “Ladrón de bicicletas” (1948).

El jardín de los Finzi-Contini es un drama histórico ambientado a finales de los años 30, en Ferrara, Italia. Los Finzi Contini son una de las familias más influyentes de la ciudad: son judios ricos y aristócratas. Sus dos hijos, Micòl y Alberto buscan un grupo de amigos con los que las tardes jugando al tenis y olvidarse del resto del mundo, sobre el que empieza a surgir la sombra del fascismo y el nazismo. En ese círculo entra Giorgio, un judío de clase media que se enamora de Micòl, juntos harán el paso de la juventud a la edad adulta.

Aberto (Helmut Berger) y Micòl (Dominique Sanda)

Dominique Sanda y Lino Capolicchio

Dirigida con un ritmo sereno y estilo meticuloso, refleja la nostalgia que siente los distintos personajes, miembros de una clase acomodada, cuando las cosas empiezan a complicarse y la dictadura se hace más evidente. La Italia en el período anterior a la guerra es retratada por De Sica como un sitio en el que nadie espera o admite lo que esta a punto de explotar. El jardín rodeado de altos muros de los Finzi-Contini se convierte en el símbolo de ese compás de espera, parece que nada malo puede suceder, los judíos del pueblo parecen aferrase a la solidez de los muros del jardín como si fueran una prueba de su propia capacidad de resistencia frente a las leyes antisemitas que se están poniendo en marcha.

La pareja protagonista la interpretan Lino Capolicchio, como Giorgio y Dominique Sanda en el papel de Micòl, que sorprende radiante en este papel que conjuga ingenuidad y picardía. El reparto lo completa Helmut Berger, como Alberto y Fabio Testi, en el papel de Bruno Malnate.

Capolicchio, Sanda y Berger

Capolicchio y Testi

El guion se basa en la obra homónima de Giorgio Bassani (cuyo protagonista, Giorgio, es en realidad un alter ego del autor), y se centra en la relación que se establece entre Giorgio y Micol, la primogénita de los Finzi-Contini. La trama se situa en el año 1938, cuando ambos ya son adultos, recurriendo a flashbacks para narrar las etapas de su infancia y adolescencia que sí tienen más presencia en la novela.

Giorgio Bassani (1916-2000)

Giorgio Bassani (1916-2000) vivió su infancia y juventud en Ferrara, en el norte de Italia, donde sufrió la discriminación y posterior persecución que sufrieron los judíos al implantarse en Italia las llamadas leyes raciales. Su peripecia personal como miembro de esta comunidad reprimida por el régimen fascista está reflejada en esta, su obra más célebre “El jardín de los Finzi Contini”, donde narra el cerco y el posterior exterminio de los judíos de Ferrara. Publicada por vez primera en 1962, fue luego compilada en “La novela de Ferrara” (1974) donde el autor reunió distintos relatos, generalmente breves, dedicados a la ciudad de Ferrara.

El narrador, en primera persona, recuerda la historia de los Finzi-Contini, una familia judía de abolengo que lleva una vida apartada, en su lujosa villa de Ferrara, rodeada por un jardín majestuoso. Alberto y su hermana Micòl, los hijos de la familia, deciden invitar a algunos amigos a su casa, después de que a muchos de ellos los hayan expulsado del club de tenis de la ciudad. El protagonista de la historia, Giorgio, un joven judío de clase media, accede así a esta hermética comunidad, en cuyas reuniones convergen la poesía, la historia de Italia, la política, la vida privada, y aflora el amor entre el muchacho y la joven Micòl. Sin embargo, el curso de la historia parece arrastrarlos hacia un destino funesto y abocarlos a precipitarse al abismo que se abre bajo sus pies.

La crítica considera que De Sica está lejos de haber hecho aquí una obra maestra. El propio Bassani, preguntado en 1981 por la adaptación de su novela, dijo: «La película El jardín de los Finzi Contini en sí no vale mucho, porque carece por dentro de la tensión poética, pero es un buen producto artesanal. Me quedo con los diez últimos minutos del filme, que narran la detención de la familia por los fascistas. Estos últimos diez minutos son una auténtica obra de arte». No obstante os propongo comprobar por vosotros mismo la calidad, tanto del libro como de su adaptación al cine, sabiendo que ambas obras son muy recomendables. Ya tenéis deberes para estas vacaciones.

Almudena Grandes en el Cine

 

Almudena Grandes nació el 7 de mayo de 1960. Escritora y columnista española. Estudia Geografía e Historia en la Universidad Complutense de Madrid, trabaja en el sector editorial como redactora y correctora y coordina una colección de guías turístico-culturales. Colabora habitualmente en prensa, principalmente en El País, y participa como tertuliana en algunos programas de la Cadena SER.

 

Interviene en varios libros colectivos, como Libro negro de Madrid (1994), Madres e hijas (1996) y Érase una vez la paz (1996), y está comprometida con diferentes colectivos: desde 1998 es miembro del Comité Asesor del Legado Andalusí y, en numerosas ocasiones, ha manifestado su apoyo a Izquierda Unida.

 

Su primera novela, Las edades de Lulú (1989), obtiene un gran éxito de crítica y público y es traducida a más de 20 idiomas. Obtiene con ella el premio Sonrisa Vertical de novela erótica y es llevada al cine por Bigas Luna en 1990. Su siguiente novela, Malena es un nombre de tango (1994), es adaptada al cine por Gerardo Herrero en 1996.

 

Después publicó varias novelas protagonizadas por mujeres, como Atlas de geografía humana (1998), o Los aires difíciles (2002), llevada también al cine por Gerardo Herrero en 2006. En 2007 publica El corazón helado, que en 2008 gana el premio José Manuel Lara y el del Gremio de Libreros de Madrid.

 

En 1997 es la primera mujer que recibe el premio Rossone d’Oro, que antes habían obtenido escritores como Alberto Moravia o Ernesto Sábato. Vive a caballo entre Granada y Madrid, participa en encuentros literarios, y se reivindica como heredera de la gran novelística del s. XIX, especialmente del realismo francés y de la narrativa de Benito Pérez Galdós.

 

Gran parte de su novelística está ambientada en los años finales del s. XX, y muestra la vida cotidiana de la España de cambio de siglo. También le interesa la guerra civil española: En El corazón helado (2007) presenta el establecimiento de varias dinámicas de poder de la España contemporánea. Esta mirada al pasado se sistematiza a partir de Inés y la Alegría (2010), que da comienzo a una serie centrada en el conflicto bélico denominada Episodios de una guerra interminable, continuada con El lector de Julio Verne (2012), Las tres bodas de Manolita (2013) y Los pacientes del doctor García (2017). La quinta entrega de la serie, La madre de Frankenstein (2020), está ubicada en la década de los 50.

 

En octubre de 2018 gana el Premio Nacional de Narrativa. Falleció en Madrid, el 27 de noviembre de 2021.

 

Almudena Grandes y Luis García Montero

Almudena Grandes ha sido una de las escritoras más leídas de las últimas décadas en España. Autora con gran vinculación cinematográfica, Grandes comenzó a trabajar escribiendo textos para enciclopedias. Coqueteó con la interpretación, siendo su papel más destacado en la cinta A contratiempo, junto a Óscar Ladoire. Las edades de Lulú, publicada en 1989, fue su primera novela, que Bigas Luna se encargó de transformar en largometraje y que le valió la nominación al Goya a Mejor Guion Adaptado junto a Bigas Luna.

 

Después llegarían las adaptaciones de Malena es un nombre de tango y Los aires difíciles, ambas de Gerardo Herrero; Castillos de cartón, de Salvador Garcia Ruiz; Aunque tú no lo sepas, de Juan Vicente Córdoba y Atlas de geografía humana, de Azucena Rodríguez.

 

LAS EDADES DE LULÚ (Bigas Luna, 1990).

Primera y quizás más mítica adaptación al cine de la obra de una Almudena Grandes que firmó el guion junto al director de la cinta, Bigas Luna. Protagonizada por Fracesca Neri, Javier Bardem y Óscar Ladoire, narra la historia de amor y atracción de Lulú por Pablo desde la adolescencia, hasta los 30.

 

MALENA ES UN NOMBRE DE TANGO (Gerardo Herrero, 1996).

La segunda llegada de Grandes al cine fue dirigida por Gerardo Herrero, que repetiría en 2006 con 'Los aires difíciles'. Aquí, Ariadna Gil interpreta a Malena, una joven a la que le costará encontrar su lugar en el mundo.

 

AUNQUE TÚ NO LO SEPAS (Juan Vicente Córdoba, 2000).

'El vocabulario de los balcones', un cuento de su obra 'Modelos de mujer', fue la base de 'Aunque tú no lo sepas', película de Juan Vicente Córdoba protagonizada por Silvia Munt en donde la protagonista, Lucía, vuelve a su antiguo barrio para recuperar un amor que no debió rechazar 25 años atrás.

 

LOS AIRES DIFÍCILES (Gerardo Herrero, 2006).

Cuca Escribano, en la que no sería su único papel adaptando a Almudena Grandes, protagoniza junto a José Luis García Pérez esta adaptación de Gerardo Herrero sobre un hombre y una mujer que encuentran refugio y conexión en su huida a Cádiz.

 

ATLAS DE GEOGRAFÍA HUMANA (Azucena Rodríguez, 2007).

Cuca Escribano, Montse Germán, María Bouzas y Rosa Vila protagonizaron esta adaptación de Azucena Rodríguez sobre cuatro compañeras de una editorial de las que iremos conociendo sus vidas a medida que se encargan de la edición de un atlas geográfico por fascículos.

 

CASTILLOS DE CARTÓN (Salvador García Ruiz, 2009).

Adriana Ugarte llamaba a las puertas del estrellato junto (o entre) Nilo Mur y Biel Durán en esta historia de Grandes que adaptó Enrique Urbizu y dirigió Salvador García Ruiz sobre un triángulo amoroso entre tres estudiantes de Bellas Artes.