Volver a nacer, de Sergio Castellitto

 

Título original: Venuto al mondo. Dirección: Sergio Castellitto. Países: Italia, España y Croacia. Año: 2012. Duración: 124 min. Género: Drama, romance. Guión: Sergio Castellitto y Margaret Mazzantini; basado en la novela “La palabra más hermosa”, de Margaret Mazzantini. Producción: Sergio Castellitto y Roberto Sessa. Música: Eduardo Cruz. Fotografía: Gianfilippo Corticelli. Montaje: Patrizio Marone. Diseño de producción: Francesco Frigeri. Vestuario: Sonu Mishra. Estreno en Italia: 8 Noviembre 2012. Estreno en España: 11 Enero 2013.

Intérpretes: Penélope Cruz (Gemma), Emile Hirsch (Diego), Adnan Haskovic (Gojko), Pietro Castellitto (Pietro), Saadet Aksoy (Aska), Luca De Filippo (Armando), Sergio Castellitto (Giuliano), Mira Furlan (Velida), Jane Birkin (psicóloga), Jovan Diviak (Jovan).

 

Sinopsis:

Diego (Emile Hirsch) y Gemma (Penélope Cruz) sienten un inmenso amor el uno por el otro. Sin embargo, la imposibilidad de concebir un hijo empaña la felicidad de la pareja y convierte la maternidad de Gemma en una obsesión. En el entorno más hostil, una Sarajevo destruida por la guerra, el destino acabará ofreciéndoles de la manera más cruel e inesperada ese hijo que desean. Años más tarde, Gemma regresa a Sarajevo con su hijo, Pietro, para asistir a una exposición en memoria de las víctimas del asedio que incluye fotografías de Diego, y tendrá que enfrentarse a su pasado.

 

Emile Hirsch y Penélope Cruz

 

Calificación: 4, Deficiente.

Lo mejor de la película: La efímera presencia de Jane Birkin. El reparto principal hace lo que puede, que es bastante poco.

Lo peor de la película: Un montón de cosas, pero sobre todo, el guión. ¡Menudo folletín! Basado en una novela de su propia mujer, Sergio Castellitto se empeña en un proyecto megalomaníaco que naufraga a cada instante. Demasiado metraje, mala música y una de las peores interpretaciones de Penélope Cruz.   

 

Trailer de la película:

 

 

Les Girls, un musical de George Cukor

Historia de un grupo de tres encantadoras chicas cantantes que descubren que sus románticas aventuras tomaron un camino previsto ya en su época de esplendor. La explosiva combinación de Barry -Gene Kelly-, Angele -Taina Elg-, Joy -Mitzi Gaynor- y Sybil -Kay Kendall- componían los miembros de Barry & Les Girls, un popular grupo de cabaret europeo. Años después, el grupo se disolvió. Una demanda por la publicación de escandalosas revelaciones de los componentes llevará a los antiguos componentes del grupo ante un juicio.

 

La gran mayoría de musicales clásicos acostumbran a tener una trama muy floja, simple pretexto o coartada para encajar el plato fuerte y razón de ser del film, los números musicales. De vez en cuando sí se logra el equilibrio perfecto entre la parte "hablada" y la "cantada/bailada" ("Cantando bajo la lluvia" resulta el ejemplo más paradigmático, y es ahí donde creo que reside su grandeza). En "Las Girls" —como curiosamente ocurre también en el melodrama "Ha nacido una estrella", del propio Cukor—, asistimos a un caso atípico, ya que se trata más bien de una estupendísima alta comedia, con un magnífico guión, aderezada con algunos números; incluso varios de ellos, en lugar de nacer de la "irrealidad" que caracteriza al género, forman parte diegética de la trama: se trata de las chicas del título en el ejercicio de su profesión. Forzando un poco las cosas, esta historia podría incluso no haber sido un musical.

 



Mitzy Gaynor



Ello no quita que los números estén plenamente integrados en el film —hacen avanzar la acción—, lo que justifica su presencia, y que algunos de ellos resulten antológicos. Especialmente, la parodia de "Salvaje" con Kelly y Mitzi Gaynor, o el cómico titulado "You’re Just Too, Too", con Kelly y Kay Kendall. Gene Kelly, además, explora como nunca sus posibilidades expresivas y coreográficas, sobrepasando con creces el típico claqué con el que se le asocia, y llegando plenamente al concepto de danza moderna tal como lo entendemos hoy.

 

Como se sabe, la estructura argumental se asemeja a la de "Rashomon", con los diferentes personajes dando su versión sobre un mismo caso. Pero incluso me atrevería a decir que su reflexión filosófica de fondo sobre la verdad y la mentira supera la del mítico film japonés, ya que Kurosawa se decanta más por dejar en evidencia la intencionalidad patente y maliciosa de algunos personajes en ofrecer una versión de acuerdo con sus intereses, mientras que aquí cada uno está firme e ingenuamente convencido de "su" verdad, lo que en última instancia nos habla de los límites de la subjetividad y la relatividad de la mirada de una manera más diáfana y, a la vez, más abstracta.

Fotograma de Les Girls

 

Es importante dejar bien claro que la posible pretenciosidad del párrafo anterior corresponde a las elucubraciones que la película puede provocar a posteriori, en su evocación, pero mientras transcurre ante nuestros ojos no contiene asomo alguno de pedantería. Bien al contrario, tal como expresaba al principio, nos sumerge en una deliciosa, burbujeante y sofisticada comedia, donde la sonrisa perpetua está garantizada. George Cukor demuestra su pleno, elegante y exquisito dominio de la puesta en escena, en majestuoso cinemascope, mientras que el elenco aparece en estado de gracia. Particularmente, destacamos a la malograda Kay Kendall, digna sucesora de Carole Lombard como finísima y genial comediante, que llega al cénit de la comicidad con una desternillante e impagable escena de borrachera.

 

Recordemos este maravilloso musical con parte de uno de los mejores números musicales:

 

 

 

Cirque du Soleil: Mundos lejanos 3D, de Andrew Adamson

Título original: Cirque du Soleil: Worlds away. Dirección y guión: Andrew Adamson. País: USA. Año: 2012. Duración: 91 min. Género: Fantasía. Producción: Andrew Adamson, Martin Bolduc y Aaron Warner. Producción ejecutiva: James Cameron, Jacques Méthé, Cary Granat y Ed Jones. Música: Benoit Jutras. Fotografía: Brett Turnbull. Montaje: Sim Evan-Jones y Dirk Westervelt. Dirección artística: Guy Barnes. Estreno en USA: 21 Diciembre 2012. Estreno en España: 4 Enero 2013.

Sinopsis:

Una joven pareja separada debe viajar a través de los increíbles mundos de ensueño del Cirque du Soleil para reencontrarse. El público tendrá la oportunidad de sumergirse en la tecnología 3D que le permitirá saltar, planear, nadar y bailar junto a los artistas.

Fotograma de Cirque du Soleil: Mundos lejanos 3D

 

Calificación: 7, Buena.

Lo mejor de la película: El espectáculo visual que nos ofrece es maravilloso. Aquí nos encontraremos con una puesta en escena impresionante: la luz, el sonido, la música, las coreografías, el vestuario, toda la riqueza que encontramos en cualquier espectáculo de Cirque du Soleil, filmados desde diferentes posiciones y ángulos, y con la técnica del 3D. Recomendada para amantes del circo y para los fans del Cirque du Soleil. No les defraudará.  Por destacar algo, el número final: el sublime baile entre los dos enamorados. ¡De vértigo!

Lo peor de la película: Habrá quienes quieran reclamar la falta de una estructura y un guión cinematográfico al uso. Andrew Adamson no ha visto la necesidad de ello, dejándose llevar por el esquema de cualquier espectáculo del Cirque du Soleil: sucesión de episodios circenses de demostración atlética y coreográfica.

 

Trailer de la película:

 

 

Paco Delgado, nominado al Oscar 2013

Paco Delgado, diseñador de vestuario habitual de cineastas como Pedro Almodóvar o Álex de la Iglesia ha sido nominado a los Oscar en la categoría de mejor vestuario por la película de Los Miserables. Paco Delgado también está dentro de los nominados a los Premios Goya por su trabajo en Blancanieves, dirigida por Pablo Berger.

Nacido en Lanzarote, Delgado ha trabajado junto a diseñadores como Jean Paul Gaultier en La piel que habito y fue responsable del vestuario de Biutiful de Alejandro González Iñárritu. En la actualidad trabaja para el nuevo film de Álex de la Iglesia, Las brujas de Zugarramurdi.

 

Paco Delgado aspira a convertirse en el segundo español con un Oscar al mejor vestuario, tras el conseguido en 1971 por Antonio Cánovas del Castillo, sobrino-nieto del estadista español homónimo, por Nicolás y Alejandra, compartido con Yvonne Blake.

El diseñador canario se formó en el Institut del Teatre de Barcelona y complementó sus estudios de diseño de vestuario con un año intensivo en el Motley Theatre Design Course en Londres entre 1993 y 1994, que le abrió las puertas del West End, al mundo shakespeariano e isabelino.Tres años después, y aún afincado en Londres, comenzaba a trabajar en algunas producciones importantes del cine español como ayudante de Lala Huete en En brazos de la mujer madura o Sonia Grande en Los otros, si bien su debut como responsable absoluto del vestuario de una película vino de la mano de Álex de la Iglesia, para quien diseñó la moda grotesco-doméstica de La comunidad.

Tras realizar también para el realizador bilbaíno 800 balas, llamó la atención de Pedro Almodóvar, quien lo fichó para La mala educación, donde recreó tanto las sofocantes sotanas y uniformes de un colegio de curas durante el franquismo como el exceso travestí en Valencia durante la democracia años después.

 

Fue entonces cuando volvió a España y abrió Femisa, su tienda de ropa y objetos perdidos en el barrio madrileño de Malasaña, junto a su socio Bernardo Corachán, y en cuyo sótano tiene su centro de operaciones, lleno de bocetos, libros y películas.Allí, en cambio, la ropa que vende es de diseñadores de moda, no suya. "Un diseñador de moda parte de una idea que es trabajar desde tu interior y sacar al exterior lo que consideras que son las propuestas que la gente se puede poner en el exterior. Yo trabajo todo lo contrario", afirmaba recientemente a Efe en su tienda en Madrid. "Miro qué es lo que se ha propuesto en el exterior, lo que lleva la gente en la calle, lo mastico y con eso convierto en un vestuario para un personaje. Son dos disciplinas no diría hermanas gemelas, pero quizá mellizas. Hay una diferencia importante", añadía.

Repitió con Álex de la Iglesia con quien consiguió su primera nominación al Goya por Balada triste de trompeta. Finalmente, Tom Hooper contó con él en el rodaje de un anuncio en Cádiz para una marca de ron y allí forjó la futura colaboración para la nueva película del oscarizado director de El discurso del Rey. "Me dijo que le encantaba mi trabajo y me preguntó si querría que trabajáramos juntos en el futuro. Pensé que era muy amable y que no pasaría de allí, pero unos meses después, recibí su llamada desde Los Ángeles para ver si tenía fechas libres y si podía conocer a los productores de la película", recordaba Delgado en una entrevista con Efe en Nueva York.

Paco Delgado en el rodaje de "Balada triste de trompeta"

Sobre su nominación al Oscar ha dicho "No soy muy mitómano, pero me hace muchísima ilusión". Ha explicado que comparte el honor con "la propia película" y un equipo "que ha trabajado durísimo para sacar adelante esta historia".

De sus competidores solo puede decir que luchará "con películas que son muy buenas y grandes diseñadores" entre las que, curiosamente, están los responsables de vestir el mismo cuento de los hermanos Grimm, Blancanieves, que él ha diseñado para Pablo Berger.

Ahora "toca esperar, con la misma calma que hasta ahora" y, de momento, por orden cronológico tiene que dar prioridad a ese premio Goya que todavía no ha ganado y al que opta por tercer año consecutivo tras sus nominaciones por Balada triste de trompeta y La piel que habito.

 

Fotograma de "Los Miserable"

 

Paseo, de Arturo Ruiz Serrano

COLECCIÓN DE CORTOS PROYECTADOS EN EL TALLER DE CINE

Título original: Paseo. Dirección: Arturo Ruiz Serrano. País: España. Año: 2007. Duración: 12 minutos. Guión: Arturo Ruiz Serrano. Producción: Arturo Ruiz Serrano, T.L.C.A. Dirección de Fotografía: Nicolás Pinzón. Montaje: Ángel Hernández Zoido. Montaje de Sonido: César Molina. Sonido directo: Ibiricu. Música: Iván Ruiz Serrano.

Intérpretes: José Sacristán, Paco Tous y Carlos Santos.

                       

Sinopsis: Gabino nunca se declaró a una mujer... y dos camaradas lo ayudarán a hacer realidad su sueño.

Consideraciones: Arturo Ruiz Serrano trabaja en el mundo del cortometraje desde el 2001 desempeñando labores de guionista, director y productor. Este corto fue nominado al Goya 2007 como Mejor Cortometraje de Ficción.

Prestar atención: A la crudeza del tema que queda subrayada por los colores fríos y los tonos apagados que nos ofrece el desapacible entorno. El título ya aborda el momento crucial que está a punto de suceder: aunque a algunos les pueda parecer irreal el interpretar una dramatización en una situación así, prevalece el sentido simbólico del acto. Los tres personajes quedan bien dibujados: el soldado ingenuo, el poeta (“lo contrario del político”), solemne y profundo, y el campesino rudo aportando el contrapunto de humor. Bien distintos pero unidos por las mismas circunstancias: en el plano final Luciano presta el brazo al compañero para compartir el último paseo y la cámara se eleva hacia el horizonte, el único que ya pueden ver. Y algo que siempre será un punto favorable: los versos de Mario Benedetti, recitados por José Sacristán, cual Cyrano, y que, en este caso, son una adaptación de su poema Corazón coraza.

Paco Tous, José Sacristán y Carlos Santos

The Master, de Paul Thomas Anderson

Título original: The master. Dirección y guión: Paul Thomas Anderson. País: USA. Año: 2012. Duración: 137 min. Género: Drama. Producción: Paul Thomas Anderson, Megan Ellison, Daniel Lupi y JoAnne Sellar. Música: Jonny Greenwood. Fotografía: Mihai Malaimare Jr. Montaje: Leslie Jones y Peter McNully. Diseño de producción: Jack Fisk y David Crank. Vestuario: Mark Bridges. Estreno en USA: 21 Septiembre 2012. Estreno en España: 4 Enero 2013.

Intérpretes: Joaquin Phoenix (Freddie Quell), Philip Seymour Hoffman (Lancaster Dodd), Amy Adams (Peggy Dodd), Laura Dern (Helen), Jesse Plemons (Val Dodd), Rami Malek (Clark), Ambyr Childers (Elizabeth Dodd), Kevin J. O’Connor (Bill  William), Christopher Evan Welch (John More).

 

Sinopsis: Lancaster Dodd (Seymour Hoffman), un intelectual brillante y de fuertes convicciones, crea una organización religiosa que empieza a hacerse popular en Estados Unidos hacia 1952. Freddie Quell (Joaquin Phoenix), un joven vagabundo, se convertirá en la mano derecha de este líder religioso. Sin embargo, cuando la secta triunfa y consigue atraer a numerosos y fervientes seguidores, a Freddie le surgirán dudas.

 

Joaquín Phoenix

 

Calificación: 8, Muy Buena.

Lo mejor de la película: La maestría de Paul Thomas Anderson dirigiendo su propio guión, un estupendo guión que aborda el tema de las nuevas neo-religiones con una profundidad inusitada. No se nombra expresamente a la Cienciología, pero se palpa en el ambiente. Tampoco aborda el desarrollo de esta nueva religión, la película se adentra en otras cuestiones. Destacable la magnífica interpretación de Phoenix y sublime también Seymor Hoffman, tal como siempre se espera de él. El intercambio de miradas de ambos en varias de sus conversaciones es suficiente para transmitir sus emociones. Entre las muchas secuencia reseñables, fijémonos en el momento en el que Freddie fotografía a Lancaster, está lleno de magia, repleto de enigmas para el espectador, son dos personas que se desnudan, uno frente al otro, el maestro frente a su alumno, dos personajes que parecen tan diferentes y realmente ¿no lo son?, quizás dos lados de una misma moneda. De verdad, nos da la impresión de encontrarnos ante una obra llena de enigmas no fáciles de desentrañar y eso es de agradecer.   

Lo peor de la película: Un guión demasiado complejo y enigmático puede suscitar desapegos a ciertos espectadores. Su atmósfera lenta, a ratos, excesivamente lenta. Pero éste, claro está, no es cine comercial, no es cine de palomitas, hablamos de otra cosa.  

 

Trailer de la película:

 

 

Helen Hunt, asistente sexual en “Las sesiones”

Helen Hunt se convierte en la cinta “Las sesiones” en una terapeuta que enseña a John Hawkes a practicar el sexo a pesar de su poliomelitis. Un papel por el que vuelve a sonar para el Óscar y que demuestra, según ella, “la belleza potencial de una vida sexual sana”.

Con los mejores elementos de ese cine independiente que alcanza fácilmente al gran público y con un tema que este año, gracias al éxito de “Intocable”, parece haber encontrado su vía directa al corazón del público, Helen Hunt ha preparado su regreso a la primera línea cinematográfica y ya es candidata al Globo de Oro y a los premios Indendent Spirit.

Desde que ganó el Óscar por “Mejor… imposible” en 1997, Hunt no había vuelto a tener un papel tan jugoso en el cine como el de esta película de Ben Lewin, director a su vez poliomelítico, y que recoge el testimonio real del periodista y escritor californiano Mark O’Brian, que a sus 38 años decide que ha llegado el momento de perder la virginidad.

Hunt interpreta “a una esposa, mujer, asistente sexual, prescrita por un terapeuta para trabajar con el protagonista durante un número limitado de seis sesiones, para ayudarle a afrontar sus problemas sexuales. Para tener un futuro sexual como él quiere tener”, explica en una entrevista en Londres.

Lewin, que durante toda su vida ha tenido que lidiar con la mirada compasiva, sin embargo llena de humor y relativiza las discapacidades hasta crear un divertido y refrescante (aunque no por ello menos descarnado) pulso emocional entre la terapeuta que esconde sus emociones tras su férrea profesionalidad y el carisma desenfadado del inválido, en una celebrada interpretación de John Hawkes.

Su personaje, más allá del relato de superación, consigue el milagro de ser un auténtico seductor y un hedonista pese a los impedimentos, ayudado por la presencia del cura que interpreta William H. Macy.

 

La noche más oscura, Kathryn Bigelow

 

Título original: Zero dark thirty. Dirección: Kathryn Bigelow. País: USA. Año: 2012. Duración: 157 min. Género: Thriller, drama, bélico. Guión: Mark Boal. Producción: Kathryn Bigelow, Mark Boal y Megan Ellison. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Greig Fraser. Montaje: William Goldenberg y Dylan Tichenor. Diseño de producción: Jeremy Hindle. Vestuario: George L. Little. Estreno en USA: 19 Diciembre 2012. Estreno en España: 4 Enero 2013.

Intérpretes: Jessica Chastain (Maya), Jason Clarke (Dan), Joel Edgerton (Patrick), Jennifer Ehle (Jessica), Mark Strong (George), Kyle Chandler (Joseph Bradley), Edgar Ramirez (Larry), Reda Kateb (prisionero), Scott Adkins (John), Chris Pratt (Justin), Taylor Kinney (Jared), Harold Perrineau (Jack), Mark Duplass (Steve), James Gandolfini (director de la CIA).

Sinopsis:

La captura de Osama Bin Laden preocupó al mundo y a dos administraciones presidenciales estadounidenses durante más de una década. Al final, un pequeño grupo de agentes de la CIA le encontró. Fue una misión llevada a cabo en el secreto más absoluto. Algunos detalles han salido a la luz, pero las partes más significativas de la operación secreta y, sobre todo, el papel que jugó el equipo de agentes, se verán por primera vez en este filme. La descripción de la busca y captura de Bin Laden lleva al espectador hasta el corazón del poder y a la primera línea de la histórica misión, que culmina en el asalto por parte de las fuerzas especiales a una misteriosa residencia en Pakistán. El título original, Zero Dark Thirty hace referencia a la hora: las 00:30 de la madrugada del 1 de mayo de 2011, momento en que el comando SEAL de los marines penetró en la residencia de Bin Laden en Pakistán para eliminar al hombre más buscado de la historia.

Mark Strong

Calificación: 8, Muy Buena.

Lo mejor de la película: Demoledora y potente historia con una impecable factura técnica, consolidando a su directora como una de las mejores directoras del momento. Suspense garantizado hasta el último minuto en este interesante documento sobre la búsqueda y muerte de Bin Laden. Chastain borda el papel. Strong perfecto. Desplat, como siempre, en su nivel. La cinta mantiene el interés tanto las secuencias de despacho, como en las de pura acción (sobre todo en su tramo final), son insuperables. Ningún maniqueísmo, la película propone al espectador una escalofriante reflexión.   

Lo peor de la película: Saber en manos de quién estamos.

Trailer de la película:
 

En la Epifanía de 1904. "The Dead" ("Dublineses") de John Huston

Ayer fue día de Reyes, o en términos más apropiados, la festividad cristiana de la Epifanía.  Pero cito esta circunstancia no para entrar en cuestiones litúrgicas o en sumarme al ridículo revisionismo de precisar si los Magos eran de Persia o de La Palma del Condado, sino por razones puramente cinematográficas.  El 6 de enero de 1904, en Dublín, por entonces una destacada ciudad del Reino Unido, tiene lugar una comida familiar que es el centro de la trama de una de mis películas favoritas, The Dead (1987) (Dublineses –Los muertos–, fue su título en España), la última obra que firmó un ya muy enfermo John Huston con la colaboración de su hijo Tony como guionista y su hija Anjelica como protagonista.  The Dead es la adaptación de un relato homónimo de James Joyce que forma parte de su colección Dubliners, y, además de un ejemplo magistral de adaptación cinematográfica de una obra literaria, sintetiza en unos brillantes ochenta minutos el aliento que atraviesa de principio a fin toda la obra de Huston: un amor incondicional y absoluto por la vida.

No era la primera vez que el director norteamericano se enfrentaba a la tarea de adaptar un relato o una pieza teatral.  De hecho, Huston inició su carrera como guionista-adaptodor y algunas de sus grandes películas son, en efecto, guiones adaptados: The Maltese Falcon (Dashiel Hammet), The Treasure of Sierra Madre (Bernard Traven), The Asphalt Jungle (William R. Burnett), The African Queen (C.S. Forrester), The Night of the Iguana (Tennesse Williams), The Man Who Would Be King (Rudyard Kipling).  Pero en esta ocasión se trataba de algo especial, de llevar al cine, por medio de uno de los mejores relatos de Joyce, su secreto amor por una tierra, Irlanda, en la se hundían sus raíces familiares y en la que tuvo ocasión de vivir durante el tiempo que pasó en Galway con sus hijos Anjelica y Tony.

La trama, igual que el relato original, mantiene  inquieto al espectador desde su inicio.  Bajo la calma aparente de una reunión familiar –la cena que organizan dos hermanas solteronas, Kate y Julia Morkan, que viven con su sobrina Mary Jane– una serie de indicios, a veces exabruptos, nos avisan de un mar de fondo muy turbulento en lo político, lo religioso y en las relaciones entre los personajes, en particular entre Gabriel Conroy (Donal McCann) y su esposa Gretta (Anjelica Huston), quienes a la postre, a solas en su casa, revelarán las claves para interpretar todo lo ocurrido.  Se ha escrito muchísimo sobre las alteraciones que Huston se permite hacer sobre el relato de Joyce, sobre todo las que acentúan el protagonismo de Gretta (los primeros planos, la secuencia de la escalera).  Lo cierto es que, a mi modo de ver, un buen guión adaptado debe saber, como en el ajedrez, “sacrificar a la reina” para ganar la partida: alterar, si es necesario, el original para transmitir, con lenguaje cinematográfico, el espíritu de la obra, que es, en definitiva, de lo que se trata.  Y eso es lo que consigue el director norteamericano.

Cuando se termina de ver la película, uno se pregunta quiénes son los muertos, si aquellos que como Michael Furey perecieron por amor bajo la lluvia ante las ventanas de la casa de su amada, o aquellos otros, que, supuestamente vivos, arrastran vidas llenas de renuncias y mentiras mientras cae la nieve sobre los campos de Irlanda igualando en último término, como dice Joyce, a los vivos y a los muertos.  Un amor del pasado, encerrado en la canción tradicional que Gretta oye embelesada en la escalera de la casa familiar (“The Lass of Aughrim” –“La joven de Aughrim”–), en una de las secuencias finales, llena de luz y de sentido todo lo que se nos cuenta a lo largo de la película.  Una obra “de cámara”, escueta y concentrada, resume, pues, lo que en tan magníficos ratos de cine nos cuenta Huston a lo largo de su carrera, en el corazón de África o en las costas de Méjico: el amor y la pasión nos hace estar vivos.

El capital, de Costa-Gavras

Título original: Le capital. Dirección: Costa-Gavras. País: Francia. Año: 2012. Duración: 114 min. Género: Drama. Guion: Costa-Gavras, Jean-Claude Grumberg y Karim Boukercha; basado en la novela “Le capital”, de Stéphane Osmont. Producción: Michèle Ray-Gavras. Música: Armand Amar. Fotografía: Eric Gautier. Montaje: Yannick Kergoat y Yorgos Lamprinos. Dirección artística: Sébastian Birchler. Vestuario: Eve-Marie Arnault. Estreno en Francia: 14 Noviembre 2012. Estreno en España: 30 Noviembre 2012.

Intérpres: Gad Elmaleh (Marc Tourneuil), Gabriel Byrne (Dittmar Rigule), Natacha Régnier (Diane Tourneuil), Céline Sallette (Maud Baron), Liya Kebede (Nassim), Hyppolite Girardot (Raphäel Sieg), Daniel Mesguich (Jack Marmande), Bernard Le Coq (Antoine de Suze), Olga Grumberg (Claude Marmande).

 

Sinopsis:

Marc Tourneuil (Gad Elmaleh) es un cínico empleado de banca, un sector que está en plena crisis económica en todo el planeta. Desde la nada, Marc comenzará un ascenso imparable por los entresijos del mundo de la banca hasta convertirse en una de las personas más poderosas e influyentes del país. En palabras del director Costa-Gavras: «Somos esclavos del capital. Nos tambaleamos cuando se tambalea. Nos regocijamos cuando crece y triunfa. ¿Quién nos liberará? ¿Deberíamos liberarnos nosotros? Deberíamos conocer al menos a los que lo sirven y cómo lo hacen».



Gad Elmaleh

 

Calificación: 7, Buena.

Lo mejor de la película: De obligada visión para los que aún no se creen que esta crisis es un cuento, una auténtica estafa. Gavras, amante del cine con tintes políticos (Z, Missing, La caja de música, etc.) disecciona magistralmente en este filme, cómo el tiburón financiero Marc Tourneuil se enriquece con la misma rapidez con la que miles de personas se empobrecen y pierden sus empleos. Escalofriante la frase final de Tourneuil cerrando la película, convertido en un “Robin Hood de los ricos” (Tourneuil se jacta de decir que robará a los pobres para dárselo a los ricos). Sobrecogedora pero de aconsejable visión. A muchos les abrirá los ojos. Poderoso caballero Don Dinero.  

Lo peor de la película: Que muchos puedan pensar que todo esto es una simple novela y nada parecido a la realidad. ¡Pobres ilusos! ¿Demasiada didáctica para el pueblo?

Trailer de la película: