No, de Pablo Larraín

 

Título original: No. Dirección: Pablo Larraín. Países: Chile, USA y México. Año: 2012. Duración: 110 min. Género: Drama. Guion: Pedro Peirano; basado en la obra “El plebiscito”, de Antonio Skármeta. Producción: Daniel Marc Dreifuss, Juan de Dios Larraín y Pablo Larraín. Fotografía: Sergio Armstrong. Montaje: Andrea Chignoli y Catalina Marín Duarte. Diseño de producción: Estefanía Larraín. Estreno en Chile: 9 Agosto 2012. Estreno en España: 8 Febrero 2013.

Intérpretes: Gael García Bernal (René Saavedra), Luis Gnecco (Urrutia), Néstor Cantillana (Fernando), Alfredo Castro (Luis Guzmán), Antonia Zegers (Verónica), Pascal Montero (Simón), Jaime Vadell (ministro), Manuela Oyarzún (Sandra), Marcial Tagle (Alberto).

 

Sinopsis:

Ante la presión internacional, el dictador chileno Augusto Pinochet se ve obligado a organizar un referéndum de apoyo a su presidencia en 1988. Los líderes de la oposición convencen a René Saavedra, un joven y atrevido ejecutivo publicitario, para que se encargue de la campaña a favor del NO. A pesar de disponer de recursos muy limitados y del férreo control de la policía del déspota, Saavedra y su equipo llevan a la práctica un plan audaz para ganar el referéndum y liberar al país de la opresión.

Gael García Bernal

 

Calificación: 7, Buena.

Lo mejor de la película: Primera nominación al Óscar para una película de habla no inglesa de la filmografía chilena. ¡Enhorabuen!. Interesante la denuncia que proclama. Larraín da un paso de valentía al narrar esta historia. Estupendos los toques de humor de negro que presenta la historia. Gael García Bernal interpreta con soltura al creador del “arcoíris ideológico” René Saavedra.   

Lo peor de la película: El aspecto formal algo descuidado, su look un tanto cutre. Quizás esta estética haya sido elegida adrede para ensamblar de forma consciente el material filmado con otro de archivo, al mismo tiempo que consigue retratar fielmente un período gris de la historia de Chile. La vocalización de algunos actores impide en ocasiones comprender ciertos diálogos.     

Trailer de la película:

 

 

El vuelo, de Robert Zemeckis

Película: El vuelo (Flight). Título original: Flight. Dirección: Robert Zemeckis. País: USA. Año: 2012. Duración: 138 min. Género: Drama. Guion: John Gatins. Producción: Laurie MacDonald, Jack Rapke, Robert Zemeckis, Steve Starkey y Walter F. Parkes. Música: Alan Silvestri. Fotografía: Don Burgess. Montaje: Jeremiah O’Driscoll. Diseño de producción: Nelson Coates. Vestuario: Louise Frogley. Distribuidora: Tripictures. Estreno en USA: 2 Noviembre 2012. Estreno en España: 25 Enero 2013.

Intérpretes: Denzel Washington (Whip Whitaker), Kelly Reilly (Nicole Maggen), Don Cheadle (Hugh Lang), Bruce Greenwood (Charlie Anderson), Brian Geraghty (Ken Evans), Melissa Leo (Ellen Block), John Goodman (Harling Mays), Nadine Velazquez (Katerina), Tamara Tunie (Margaret Thomason), James Badge Dale, Garcelle Beauvais (Deana).

 

Sinopsis:

Tras un aterrizaje de emergencia en medio del campo gracias al cual salvan la vida un centenar de pasajeros, el comandante Whip Whitaker (Denzel Washington), que pilotaba el avión, es considerado un héroe nacional. Sin embargo, cuando se pone en marcha la investigación para determinar las causas de la avería, se averigua que el capitán tenía exceso de alcohol en la sangre y que puede ir a la cárcel si se demuestra que pilotó el avión en estado de embriaguez.

 

 Denzel Washington

 

Calificación: 6, Aceptable.

Lo mejor de la película: Los primeros minutos (25 aprox.), durante el accidente del avión. Denzel Washington demuestra, una vez más, el gran actor que es.

Lo peor de la película: La duración excesiva de la cinta y la presencia de John Goodman haciendo de “camello” gracioso, no acabo de entenderlo.

 

Trailer de la película:

 

 

Adrian, diseñador de vestuario

Adrian (1903-1960) fue el principal diseñador de la Metro Goldwyn Mayer desde 1928 hasta 1942. Trabajó en más de doscientas películas, entre las que destacan títulos como La reina Cristina de Suecia (Rouben Mamoulian 1933), Maria Antonieta (W. S. Van Dyke, 1938), El mago de Oz (Victor Fleming. 1939) o Ninotchka (Ernst Lubitsch, 1939). Cuando salió de la Metro abrió su propio salón de costura en Beverly Hills, por donde pasaban todas las estrellas de la época.

Consideraba que sus mejores trabajos eran los diseños realizados para El gran Ziegfeld, Idiot´s Delight y Maria Antonieta. Para este último filme realizó cuatro mil lujosos trajes, usando sedas, terciopelos, encaje y bordados originales del siglo XVIII. La protagonista, Norma Shearer, se cambia treinta y cuatro veces de vestuario y dieciocho de peluca.

Adrian fue el responsable del vestuario de muchas películas de George Cukor, como Cena a las ocho (1933), Romeo y Julieta (1936), La dama de las camelias (1937), Mujeres (1939), Historias de Filadelfia (1940), Susana y Dios (1940), Un rostro de mujer (1941) y La mujer de las dos caras (1941). 

En la única escena en color de Mujeres, Adrian despliega todo su talento como creador. Asistimos a un desfile de alta costura, en el que algunas de las piezas muestran una clara influencia del surrealismo: broches en forma de mano, sombreros transparentes y guantes imposibles.

Con este trabajo, Adrían demuestra su admiración por Elsa Schiaparelli, que en su intento de aunar arte y moda, logró implicar en sus creaciones a artistas como Dalí (con quien realizó el zapato-sombrero y el vestido-langosta), Picasso o Giacometti (que creó para ella broches y botones exclusivos). Schiaparelli fue pionera en el uso de materiales como el latex o el celofán, e inventó el desfile de moda concebido como espectáculo de provocación para el público. Entre sus clientas fieles y "maniquíes mundanas" (así llamaba a las celebridades a las que prestaba o regalaba sus vestidos más llamativos) destacan actrices como Mae West, María Casares, Zsa Zsa Gabor, Katharine Hepburn, Claudette Colbert, Lauren Bacall y Marlene Dietrich.

7:35 de la mañana, de Nacho Vigalondo

COLECCIÓN DE CORTOS PROYECTADOS EN EL TALLER DE CINE

Título original: 7:35 de la mañana. Dirección: Nacho Vigalondo. País: España. Año: 2003. Duración: 8 minutos. Guión: Nacho Vigalondo. Dirección de Producción: Nahikari Ipiña. Dirección de Arte: Guillermo Llaguno. Fotografía: Jon D. Domínguez, en B/N. Montaje: Javier Díaz Vega. Sonido: Cristian Amores. Música: Fernando Velázquez.

Intérpretes: Marta Belenguer, Nacho Vigalondo, Antonio Tato, Borja Cobeaga, Javier Reguilón.

                       

Sinopsis: Como cada mañana, una mujer entra en una cafetería, encontrándose ese día con que todo el mundo está en silencio y con actitud extraña, en lugar de estar hablando, como sería lo normal en la hora del desayuno...

Consideraciones: Este cortometraje del polifacético Nacho Vigalondo fue nominado a los Oscar 2004.

Prestar atención: A cómo el director explota una idea sencilla que funciona bien. Si con sus largometrajes dio la vuelta al género de la ciencia ficción para no tener que desplegar unos grandes recursos en efectos especiales, aquí trabajó el género del musical sin nada de la espectacularidad a la que suele estar asociado. La unidad de tiempo y de espacio favorece que el presupuesto para el cortometraje no se dispare. Los tonos apagados del blanco y negro hacen que exista sintonía con el momento del día en que se sitúa la acción y también con el ánimo del protagonista.

Nacho Vigalondo actuando y cantando en su corto

Cortometraje presentado en el Taller de Cine por Virginia Rivas

Ai Weiwei, luchando por la libertad

Escultura, fotografía, instalación, arquitectura, diseño y vídeo son algunas de las disciplinas en las que se adentra el trabajo de Ai Weiwei, artista conceptual chino cuya obra continúa las sendas de Marcel Duchamp, Jasper Johns o Andy Warhol. En la diversidad y multiplicidad de sus creaciones, una inquietud común: la búsqueda de nuevas vías de expresión y comunicación. También es coleccionista, comisario, editor de libros de arte, publicista y director de documentales. Ai Weiwei es asimismo un ruidoso activista social, un elocuente disidente político, un tenaz dolor de cabeza para el gobierno de la República Popular China. La simiente de Ai Weiwei: Never Sorry, debut cinematográfico de la periodista Alison Klayman, bien puede localizarse antes, durante y después de los Juegos Olímpicos de Pekín, celebrados en agosto de 2008.

 

Antes, pues fue el 12 de mayo de aquel año cuando un terremoto asoló la provincia de Sichuan, arrojando cifras estremecedoras: 69.195 muertos, 18.392 desaparecidos, 374.177 heridos. Entre las víctimas mortales, miles de niños sepultados en sus escuelas, tragedia que empujó a Ai Weiwei a averiguar la identidad de esos estudiantes que el gobierno chino ocultaba. Con la ayuda de un grupo de voluntarios, recabó 5.212 nombres con apellidos, iniciando así una lucha por la transparencia que no ha abandonado. Durante, pues Ai Weiwei, asesor artístico en la construcción del estadio olímpico diseñado por el estudio Herzog & de Meuron, no acudió a ningún acto oficial, manifestando así su rechazo ante lo que consideró toda una acción propagandística del estado unipartidista gobernado entonces por Hu Jintao. Y después, pues fue tras la clausura de los Juegos Olímpicos cuando Alison Klayman inició un rodaje que se extendería durante tres años, el tiempo que acompañó a Ai Weiwei en su quehacer diario.

Ai Weiwei

Además de contextualizar parte de sus obras y de adentrarse en la esfera familiar de Ai Weiwei, Alison Klayman centra su atención en el proceder de su resistencia frente a la iniquidad de un sistema cuya burocracia lo hace impenetrable, que es tanto como hablar de su instigador activismo digital. Tras clausurarle las autoridades chinas su blog personal, Ai Weiwei, romántico y dogmático, eludió la censura contraatacando desde Twitter: @aiww sería el perfil desde el que canalizar su desobediencia civil y amplificar su denuncia contra la falta de libertad en China. “Si no actúas, la amenaza se hace más grande”, asegura. Ese activismo avivó el hostigamiento gubernamental hacia él, desembocando en su desaparición. Tras días de silencio, el gobierno chino reconoció que Ai Weiwei se encontraba detenido en un lugar indeterminado. Allí estuvo 81 días. ¿Balance? Una acusación de evasión de impuestos sin posibilidad de recurso y la confiscación de un pasaporte que aún no ha recuperado.

Testimonios directos de familiares, artistas, colaboradores, galeristas y periodistas, así como inédito material de archivo (resulta aclaratorio el relativo a sus años en Nueva York), completan las voces y las imágenes que conforman un documental, expositivo y de estructura segmentada, que no esconde su voluntad de servir como vehículo del mensaje de quien, al calor del Premio Nobel de la Paz concedido a Liu Xiaobo, manifestara que “El mundo no cambiará si no cargas con parte de la responsabilidad”. Como sugiere en su exhortación final, Ai Weiwei, combativo y optimista, parece decidido a no doblegarse: Never Retreat, Retweet!

 

Hitchcock, de Sacha Gervasi

Título original: Hitchcock. Dirección: Sacha Gervasi. País: USA. Año: 2012. Duración: 98 min. Género: Biopic, comedia dramática, romance. Guion: John J. McLaughlin; basado en el libro “Alfred Hitchcock and the making of Psycho”, de Stephen Rebello. Producción: Alan Barnette, Joe Medjuck, Tom Pollock, Ivan Reitman y Tom Thayer. Música: Danny Elfman. Fotografía: Jeff Cronenweth. Montaje: Pamela Martin. Diseño de producción: Judy Becker. Vestuario: Julie Weiss. Distribuidora: Hispano Foxfilm. Estreno en USA: 14 Diciembre 2012. Estreno en España: 1 Febrero 2013.

Intérpretes: Anthony Hopkins (Alfred Hitchcock), Helen Mirren (Alma Reville), Scarlett Johansson (Janet Leigh), Toni Collette (Peggy), Jessica Biel (Vera Miles), Danny Huston (Whitfield Cook), James D’Arcy (Anthony Perkins), Michael Stuhlbarg (Lew Wasserman), Michael Wincott (Ed Gein), Kurtwood Smith (Geoffrey Shurlock), Richard Portnow (Barney Balaban).

 

Sinopsis:

Detrás de Alfred Hitchcock, el denominado “maestro del suspense”, había un aspecto que se ocultaba: su extraordinariamente creativo romance con su leal esposa y colaboradora en la realización cinematográfica, Alma Reville. “Hitchcock” saca a la luz su fascinante y compleja historia de amor. Y lo hace mientras se filma su más audaz aventura cinematográfica, “Psicosis” (1960), que se convertiría en la película más controvertida del director y también en la más legendaria. Cuando, contra todo pronóstico, la tumultuosa producción llegó a su fin, la forma de hacer cine cambió para siempre, pero solo unos pocos supieron que realmente hicieron falta dos para llevar a cabo el filme.

Anthony Hopkins

Calificación: 7, Buena.

Lo mejor de la película: Lo bien documentada que está la cinta. Los forofos de Hithcock encontrarán en este filme un sinfín de auténticos detalles sobre el rodaje de “Psicosis” y sobre aspectos personales del maestro del suspense, fruto de una intensa labor investigadora por parte del guionista. Estupenda la interpretación de Mirren, dando vida una mujer invisible como Alma Reville llena de talento. La película es todo un homenaje a ella, la deja en el sitio que nunca tuvo en vida. Destacar la magnífica caracterización de Scarlett Johansson como Janet Leigh. Película recomendada para los amantes del biopic en general y de Hitchcock en particular.  

Lo peor de la película: No me gusta el maquillaje de Hopkins, es muy estrafalario, le pone un punto falso al personaje, a pesar de la excelente interpretación de actor. Esto detalles habría que pulirse más, no acabo de comprenderlo. Ocurría lo mismo en la película del año pasado interpretada por Leonardo DiCaprio llamada “J. Edgar”, un maquillaje horroroso.

 

Trailer de la película:

Django desencadenado, de Quentin Tarantino

 

Título original: Django unchained. Dirección y guión: Quentin Tarantino. País: USA. Año: 2012. Duración: 165 min. Género: Western. Producción: Pilar Savone, Stacey Sher y Reginald Hudlin. Fotografía: Robert Richardson. Montaje: Fred Raskin. Diseño de producción: J. Michael Riva. Vestuario: Sharen Davis. Estreno en USA: 25 Diciembre 2012. Estreno en España: 18 Enero 2013.

Intérpretes: Jamie Foxx (Django), Christoph Waltz (Dr. King Schultz), Leonardo DiCaprio (Calvin Candie), Kerry Washington (Brommhilda), Samuel L. Jackson (Stephen), Walton Goggins (Billy Crash), Dennis Christopher (Leonide Moguy), Don Johnson (Big Daddy), James Remar (Butch Pooch / Ace Speck), James Russo (Dicky Speck), Franco Nero (Amerigo).

 

Sinopsis:

El Sur de los Estados Unidos, dos años antes de estallar la Guerra Civil. El Dr. King Schultz es un caza-recompensas de origen alemán que sigue la pista de unos asesinos: los hermanos Brittle. Para lograr su objetivo busca la ayuda de un esclavo llamado Django (Jamie Foxx). El poco ortodoxo Schultz se hace con Django bajo la promesa de dejarlo en libertad una vez que hayan capturado a los Brittle, vivos o muertos. El éxito que obtienen en su cometido hace que Schultz libere a Django, pero ambos deciden no separarse y seguir juntos su camino. Django perfecciona su destreza como cazador con un único objetivo: encontrar y rescatar a Broomhilda, la esposa que perdió hace tiempo en el mercado de esclavos. La búsqueda de Django y Schultz finalmente los lleva hasta Calvin Candie, propietario de la infame plantación Candyland. Django y Schultz exploran las instalaciones y despiertan las sospechas de Stephen, el esclavo de confianza de Candie.

 

Christoph Waltz

 

Calificación: 8, Muy Buena.

Lo mejor de la película: La factura completa de la cinta. Fotografía, montaje, vestuario, etc… envuelto en una cuidada banda sonora. Un homenaje magnífico al spaguetti-western. Los toques de humor, al estilo Tarantino, no dejan de aflorar en cada secuencia, lo que convierten al filme en pura diversión. El metraje no se hace nada pesado, a pesar de su larga duración. Los actores son para quitarse el sombrero (Foxx,  Waltz, DiCaprio, Samuel L. Jackson, alguien da más).

Lo peor de la película: Absténganse alérgicos al western, aunque en esta ocasión, no sale ni un indio.   

 

Trailer de la película:

 

 

 

Bestias del sur salvaje, de Benh Zeitlin

Título original: Beasts of the southern wild. Dirección: Benh Zeitlin. País: USA. Año: 2012. Duración: 92 min. Género: Drama, fantasía. Guión: Lucy Alibar y Benh Zeitlin; basado en la obra “Juicy and delicious”, de Lucy Alibar. Producción: Michael Gottwald, Dan Janvey y Josh Penn. Música: Dan Romer y Benh Zeitlin. Fotografía: Ben Richardson. Montaje: Crockett Doob y Affonso Gonçalves. Diseño de producción: Alex DiGerlando. Vestuario: Stephani Lewis. Estreno en España: 25 Enero 2013.

Intérpretes: Quvenzhané Wallis (Hushpuppy), Dwight Henry (Wink), Levy Easterly (Jean), Lowell Landes (Walrus), Pamela Harper (Little Jo), Gina Montana (Miss Bathsheba), Amber Henry (LZA), Jonshel Alexander (Joy), Joseph Brown (Winston).

 

Sinopsis:

Nos trasladamos a una olvidada y orgullosa comunidad, instalada en una zona pantanosa formada por los meandros del río Mississippi, apartada del mundo por un inmenso dique, donde la pequeña Hushpuppy, de seis años, está a punto de quedarse huérfana. Hace tiempo que su madre se fue, y su adorado y alocado padre siempre está de juerga. Hushpuppy debe arreglárselas como puede en medio de la nada, rodeada de animales semisalvajes. Percibe la naturaleza como una frágil red poblada de cosas que viven, respiran y expelen agua, y que el universo depende de que todo encaje a la perfección. Pero cuando una tormenta eleva las aguas alrededor de su pueblo, su papá enferma de pronto, y Hushpuppy descubre que el orden natural que tanto ama está a punto de derrumbarse. En un intento desesperado por reparar la estructura del mundo y así salvar a su padre y su hogar, esta diminuta heroína deberá aprender a sobrevivir a una catástrofe imparable de proporciones épicas.

Quvenzhané Wallis

 

Calificación: 7, Buena.

Lo mejor de la película: Importante debut de Benh Zeitlin, que también colabora en el guión y en la banda sonora. Aquí nos presenta a unos miserables, éstos no cantan, que viven felices en su cochambre. A pesar de ello, la cinta está llena de lirismo y ciertos toques de realismo-mágico, y nos descubre a una chica muy joven, Quvenzhané Wallis, que se ha colado en las nominaciones de los óscars 2013.

Lo peor de la película: En algunos momentos, sopor. Y solo dura hora y media.  

 

Trailer de la película:

 

 

Exprés, de Daniel Sánchez Arévalo

COLECCIÓN DE CORTOS PROYECTADOS EN EL TALLER DE CINE

Título original: Exprés. Dirección: Daniel Sánchez Arévalo. País: España. Año: 2003. Duración: 4 minutos. Guión: Daniel Sánchez Arévalo. Dirección de Producción: Santiago Oliver. Dirección de Arte: Daniel Sánchez Arévalo. Fotografía: Ernesto Santos. Montaje: Kateri Redondo. Sonido: Freak Level.

Intérpretes: Ana Wagener y Natalia Mateo.

                       

Sinopsis: Una madre lo daría todo por su hija. Casi todo. Maite está harta de que su hija Raquel le desvalije la casa para conseguir droga, harta de sus falsas promesas, de ver cómo se destroza la vida y de no poder hacer nada para evitarlo.

Consideraciones: Guionista de series de ficción, este corto supuso para Daniel Sánchez Arévalo su primera nominación a los Goya. Con su primer largometraje, AzulOscuroCasiNegro, se confirmaron las optimistas expectativas creadas respecto a su trabajo.

Prestar atención: A la manera de condensar en menos de cuatro minutos toda la historia de convivencia entre madre e hija. Rodado en apenas ocho horas, ajustándose a la economía de los medios, gran parte de la verosimilitud recae en los papeles bien perfilados de las dos actrices y en su buena interpretación. Los objetos también cuentan mucho en el relato: los que ya no están, los que se priorizan, los que se manipulan, los que se echan en falta... y el candado (defensa, barrera, arma).

Cortometraje presentado en el Taller de Cine por Ana Salas.

Cine y Pintura: Fernando Colomo se atreve con Picasso

 

El director de 'La Banda Picasso', Fernando Colomo, ha señalado que esta película "trata de la amistad y el arte", centrada en personajes como Pablo Picasso y Apollinaire. Es la historia que cuenta cómo el pintor malagueño "eligió el arte y perdió a los amigos" y, sin embargo, el francés "murió joven pero rodeado de amigos".

Así lo señaló Colomo durante la presentación de la película en Málaga junto al actor protagonista de la misma, Ignacio Mateos. El director la ha definido como "un trabajo largo de guion", que se ha centrado "en el hecho histórico de que a Picasso le detuvieron como sospechoso de haber estado implicado en el robo de 'La Gioconda'". Hecho que no se publicó hasta años más tarde y "que ha quedado en el olvido", ha recordado.

 

Fernando Colomo, director del filme

 

"El Picasso que aparece en esta película es más joven, todavía no ha triunfado, aunque al final de ella ya empieza a triunfar", así lo ha definido Colomo, quien ha precisado que es "un Picasso que quiere arriesgarlo todo, que está dispuesto a jugarse la vida por ser el pintor de la vida moderna".

En cuanto al robo de 'La Gioconda', hecho en el que se centra la acción de la película, el director ha aclarado que Picasso "no estaba implicado" pero que sí estaba detrás de otro robo, "el de cabezas ibéricas, unas cabezas pequeñas de Andalucía, encontradas en el Cerro de los Santos (Albacete) que pertenecían al prerrománico y que estaban apiladas en el Louvre (Francia)". "Hay diversas teorías de que las compró sabiendo de dónde venían, por lo que cometió un delito y no se le dio importancia", ha añadido.

En relación a la personalidad del pintor, Colomo ha precisado que "se ha exagerado mucho", ya que "hay que valorarle en su época". "Se habla de que era muy celoso y supersticioso pero en el siglo XX y en la sociedad francesa y catalana de la que provenía, practicaban eso de vivir la vida al extremo".

Esta personalidad del pintor malagueño es también lo que a Mateos le ha resultado "un reto", ya que, según ha contado el actor, "es un personaje que está tan prejuzgado y hay una conciencia colectiva tan concreta y tan clara que toda la información que había de Picasso era negativa".

 

Ignacio Mateos

 

Ante esta dificultad, Mateos ha precisado que ha afrontado este reto "con la ayuda de Fernando e intentando acercarlo lo máximo a mí porque soy malagueño y también me he ido a buscarme la vida a Francia". "La película habla de la exaltación de la amistad, de cómo en un grupo cuando de repente triunfa uno y los otros no, surge el conflicto de los egos y de que hay que tomar decisiones", ha explicado el actor.

Sobre el hecho de que sea Mateos el elegido para encarnar el papel de Picasso, Colomo ha precisado que "no se lo podía dar a otro, tenía que ser buen actor, tener un aire o parecerse a Picasso y ser bajito, eran las tres condiciones 'sine qua non', de propina es que era de Málaga y de súper propina que sabía francés, así que bingo".

Por último, preguntado por los medios acerca de por qué no ha presentado la película en el Festival de Málaga de Cine Español, el director ha señalado que le hubiera encantado pero que ha sido "por un problema de fechas, porque, aunque sólo quedan dos meses, tenía que presentarla ya por cuestiones económicas".