Carta a mi madre para mi hijo (Carla Simon, 2022)

 

Título original: Carta a mi madre para mi hijo. Dirección: Carla Simon. País: España. Año: 2022. Duración: 24 min. Género: Drama, Cortometraje.

Guión: Carla simon. Fotografía: Alana Mejía González. Producción: Elastica Films, Hi! Production, Kino Produzioni, Miu Miu.

 

Reparto: Ángela Molina, Cecilia Gómez, Jesús Carmona, Carla Simón, Ainet Jounou, Anna Otín, Josep Abad, Elna Folguera, Manel Canadell Simón.

 

Sinopsis:

Carla está embarazada y desnuda, igual que en las fotos donde su madre posa embarazada de la misma Carla. La luz del sol se cuela a través de las ventanas. Vemos ráfagas de Super 8 de abuelos, tíos, padres, bisabuelos; sonriendo, cosiendo, recitando poesía. Entonces, vemos crecer a una joven desde los 60 hasta la actualidad, pasando por la década de los 80, cruzando los umbrales de la feminidad y la historia, hasta que se encuentra con Carla embarazada junto al cielo azul de la costa catalana.

 

Comentarios: 

Al contrario que la desnudez, que remite a lo desangelado, lo vulnerable o lo que falta, el desnudo es siempre la mayor expresión de la belleza y la esencia. Somos lo que somos después de despojarnos de ropajes innecesarios, de lo superfluo. La desnudez da frío y necesita de atención; lo desnudo es autónomo. Y libre. Carla Simón, directora de cine, lo sabe. Y lo sabe hasta tal punto que en su corta filmografía se ha esforzado en una peculiar y muy personal metafísica del desnudo. 'Verano 1993' remitía a su propia infancia sin padres cerca de la desnudez. Desvalida. La idea de la película era aprender del dolor para reconocerse, por fin, desnuda y libre. 'Alcarràs', a su manera, remite del mismo modo a la desnudez de una familia despojada de sus tierras y que encuentra, en el valor desnudo de su identidad, refugio y sentido. Y así.

Era cuestión de tiempo que se desnudara del todo. Y que lo hiciera de manera, física y real. Sin excusas ni coartadas. Completamente libre y, por qué no, perfecta. Incontrovertible y sin metáforas. Y así hace en 'Carta a mi madre para mi hijo', el cortometraje presentado en la Mostra de Venecia que, a su manera quizá, completa un ciclo. O no. La película que, de nuevo, tiene mucho de autorretrato se inventa un pasado y una vida para la madre que apenas conoció con idea de mostrárselo al hijo que todavía apenas conoce. La cinta está rodada con ella embarazada. 

Cuenta la directora que recibió la propuesta de la película cuando se encontraba en el Festival de Málaga en mitad del tumulto causado después de lograr el Oso de Oro en el Festival de Berlín con 'Alcarràs'. El ofrecimiento de la firma de ropa Miu Miu es en realidad un proyecto global que viene de muy atrás y por el que han pasado directoras como Agnès Varda o Lucrecia Martel. "No sabía muy bien qué hacer.

'Carta a mi madre para mi hijo' insiste en esa memoria familiar que, como reconoce la cineasta, no tiene. Sus padres, como ya contó en su debut, murieron de sida. "Hago cine para poder inventarme", comenta. La película empieza con Carla embarazada y desnuda. Posa exactamente igual que en las fotos que conserva en las que su madre se exhibía sin pudor, orgullosa, embarazada de ella. Desde ahí, la historia se convierte en un cuento de mariposas que luego es canción que cantan Lole y Manuel; la historia se enreda en una huida por el mar que termina siendo un encuentro entre una hija a punto de ser madre y su madre transfigurada de Ángela Molina; la historia son cuerpos en llamas; la historia queda apenas perdida en ráfagas de Súper 8 que retratan abuelos, tíos, padres, bisabuelos...

"Imagino que volver una y otra vez a la familia es una forma de exorcismo. Mi próximo proyecto también va de esto... y ya", dice Carla Simon. Lo que queda es una película febril y, ya se ha dicho, desnuda. Carla ya no aparece transfigurada en cada uno de los personajes de sus películas ligeramente enfermos de desnudez. Ahora es ella enteramente. La desnudez es temporal, el desnudo es eterno. Al contrario que la desnudez, la finalidad del desnudo no consiste en señalar lo impúdico ni excitar, sino señalar lo que importa. Metafísica del desnudo. (Luis Martínez)

Recomendada.

Fuego fatuo (João Pedro Rodrigues, 2022)

 

Título original: Fogo Fátuo. Dirección: João Pedro Rodrigues. País: Portugal. Año: 2022. Duración: 67 min. Género: Comedia, Musical.

Guión: Paulo Lopes Graça, João Rui Guerra da Mata, João Pedro Rodrigues. Música: Paulo Bragança, Oceano Cruz. Fotografía: Rui Poças. Producción: House on Fire, Filmes Fantasma, Terratreme Filmes.

Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine Europeo de Sevilla (SEFF 2022). Sección “Quincena de realizadores” del Festival de Cine de Cannes 2022.

Fecha del estreno: 31 Marzo 2023 (España).

 

Reparto: Mauro Costa, André Cabral, Joel Branco, Anabela Moreira, Margarida Vila-Nova, Miguel Loureiro, Ana Bustorff, Raquel Rocha Vieira, João Villas-Boas, Cláudia Jardim, Joana Barrios, Paulo Bragança, João Reis Moreira, João Caçador, Catarina Marques, Mário Santos, Maria Miguel Rodrigues, Oceano Cruz, Dinis Vila-Nova, Luisa Castelo Branco, Vasco Redondo, Teresa Madruga.

 

Sinopsis:

En su lecho de muerte, su alteza real Alfredo, rey sin corona, regresa a lejanos recuerdos de juventud y a la época en la que soñaba con ser bombero. El encuentro con el instructor Afonso, del cuerpo de bomberos, abre un nuevo capítulo en la vida de los dos jóvenes inmersos en el amor y el deseo, y suscita su voluntad de cambiar el status quo.

 

Comentarios: 

Feu Follet es una pieza breve que permite a Rodrigues adentrarse en el terreno del musical y de la comedia (con la que ensayara ya en Morir como un hombre, de 2009). La película empieza y termina en 2069, en el lecho de muerte del príncipe Alfredo (la muerte, de nuevo, uno de los grandes temas de Rodrigues), para elaborar un gran flashback que recuerda sus memorias de juventud, cuando quería ser bombero y se enamoró de Alfonso, su instructor negro (los amores interracializados se definen ya como otra de las líneas subterráneas que relacionan la propuesta global de programación de la Quincena). Un arranque de fábula que conecta a continuación con una canción infantil portuguesa de los años ochenta que alude a la naturaleza y a los árboles de manera ingenua, pero que hila el relato hacia una cierta idea de la conciencia medioambiental mientras permite al cineasta pasar después a la llegada de Alfredo a la estación de bomberos.

Inserta en el terreno de la fantasía, Feu Follet deja abierto el camino para que Rodrigues intervenga libre y subversivo sobre sus materiales. La película es una pieza pequeña, pero tremendamente rica y generosa en recursos, inventiva y hallazgos. Feu Follet contiene, de hecho, una sátira sobre la monarquía (a partir de esta idea de la revisitación del cuento popular de príncipes y princesas), pero también referencias cinéfilas (“no confundir familia real con cine de lo real”, dice la reina Teresa, madre de Alfredo) o una puesta en escena estilizada que por momentos se teatraliza para romper la cuarta pared, utilizar las puertas como telón y dirigirse de manera directa al espectador para hacer evidente la conciencia, que compartimos todos, de estar siendo observados por los otros y de actuar en consecuencia. Pero el film de Rodrigues ofrece también coreografías de una fuerte carga estética, colorista y sensual (especialmente la que bailan Alfredo y Alfonso sobre el tema Noir sur blanc) mientras es capaz de pervertir el estereotipo de las imágenes de los calendarios de bomberos, en el que es uno de los grandes momentos de la propuesta, a través de la resignificación de algunas obras clásicas de la Historia del arte y del desnudo masculino. Pero la película de Rodrigues, en su aparente levedad y ligereza, habla también (cómo no) de la búsqueda de la identidad, de la diversidad de los cuerpos y de la expresión de una sexualidad libre que se centra, eso sí, en lo masculino (con la imagen fálica como gran exponente). En definitiva, la película de Rodrigues es una celebración divertida, sofisticada, inteligente y rica del arte, el amor y el sexo que, en su insubordinación, contiene una poderosa potencia política. (Jara Yañez)

Recomendada.

Mitomanía... Errol Flynn

 

Nacido para la aventura, el cine fue para Errol Flynn la sublimación de sus más irracionales caprichos y la exaltación de su narcisismo a flor de piel. Todo en él estaba fuera de norma.

 

Errol Flynn nació el 20 de junio de 1909 en Hobart (Tasmania, Australia). Su nombre completo era Errol Leslie Thomson Flynn. Hijo de Theodore Thomas Flynn, un respetado y famoso biólogo, zoólogo y marino británico, y de Marrelle Young, una joven aventurera que aseguraba ser descendiente de uno de los amotinados de la celebérrima tripulación del Bounty. Su vida estuvo siempre dominada por un espíritu inquieto, de manera que su posterior caracterización cinematográfica de aventurero fanfarrón encajaba a la perfección con su modo de vida desde la infancia; así, fue sistemáticamente expulsado de todos los colegios en los que sus padres le ingresaron (la mayoría de muy buena categoría), tanto en Australia como en Inglaterra (tras haberse establecido allí su familia).

 

A los quince años consiguió un trabajo en la compañía naviera de Sidney, y un año después navegó a Nueva Guinea hasta que decidió dedicarse a la búsqueda de oro, empresa que resultó infructuosa. Mientras, desempeñó los más variados y extraños oficios, entre ellos el de buscador de tesoros, castrador de ovejas, marino, pescador, soldado, friegaplatos o, incluso, buscador de perlas. En 1930 volvió por una temporada a Sydney, donde compró un pequeño barco al que llamó Sirocco, y navegó, con tres amigos, hacia Nueva Guinea. Allí consiguió trabajo como capataz de una plantación de tabaco, además de ser columnista en el Sydney Bulletin. Todas estas experiencias fueron narradas por él mismo en tres libros autobiográficos, más o menos novelados: Beam Ends (1937), Showdown (1946) y My Wicked, Wicked Ways (1959).

 

De regreso a Australia, aceptó el papel de Fletcher Christian en una película semidocumental titulada In the Wake of the Bounty (1932). Así, casi por casualidad, tomó contacto con la interpretación, y fue ganando poco a poco experiencia al intervenir en obras producidas por la Northampton Repertory Company. En Londres tuvo la oportunidad de participar en un filme de bajo presupuesto, Murder at Monte Carlo (1934), en el cual consiguió ser contratado, ya para Hollywood, por la compañía de los hermanos Warner.

 

Llegó a Hollywood en 1935, donde apareció en algunas pequeñas producciones como actor secundario (a veces, casi de extra). Su verdadera oportunidad surgió muy pronto, ya que Robert Donat, actor de enorme parecido físico a Flynn (incluso portaba aquel pequeño bigote que le hiciera famoso), se cayó del reparto de la película que estaba preparando Michael Curtiz, El capitán Blood (1935), y este director llamó a Flynn, que por entonces sólo contaba con 26 años, para que encarnara al doctor Peter Blood, personaje que terminaba convirtiéndose en pirata. La película es una vívida combinación de batallas en el mar, duelos a espada (contra el gran Basil Rathbone), y tempestuosos romances con la actriz Olivia de Havilland cerca de las playas caribeñas, ingredientes todos ellos que lanzaron al joven Flynn directamente al estrellato. Después de este éxito, la Warner puso a su disposición un generoso presupuesto para La carga de la brigada ligera (1936), de Michael Curtiz, donde el director y la pareja de actores protagonizaron una aventura con mayúsculas que tuvo su génesis en el famoso poema de Tennyson.

 

Al año siguiente participó en El príncipe y el mendigo (1937), de William Keighley, lujosa adaptación de la novela de Mark Twain que consiguió un gran éxito de taquilla y que fue objeto de un remake algunos años después. Inmediatamente después fue reclamado de nuevo por Curtiz para que encarnara a Robín de los bosques (1938), del propio Curtiz y Keighley, junto a Olivia de Havilland, además de Basil Rathbone y Claude Rains. Keighley, retirado al poco de comenzar el rodaje, dejó la dirección a Michael Curtiz, el director que, quizá junto a Raoul Walsh, mejor comprendió a Flynn, y cuya colaboración ha supuesto una de las páginas más brillantes y legendarias del cine de aventuras.

 

Como los éxitos se sucedían película tras película, la Warner decidió que el trío debía seguir unido. Así, nacieron películas como Dodge City, ciudad sin ley (1939), o Camino de Santa Fe (1940), acompañados de Ronald Reagan, o El halcón del mar (1940), todas de Curtiz. Ésta última no contó con la Havilland, aunque sí intervinieron en ella Brenda Marshall y Flora Robson en el papel de la reina Isabel I de Inglaterra, la cual reprocha a Flynn (en un personaje inspirado en el pirata Drake) en público (aunque felicita en privado) que aborde los galeones españoles en el Caribe. El personaje de Isabel I aparecía asimismo en La vida privada de Elizabeth y Essex (1939), también de Curtiz, esta vez interpretada por Bette Davis, la cual se enamora de Robert Devereaux, Conde de Essex, personaje encarnado por Flynn.

 

En la plenitud de su carrera volvió a trabajar junto a Olivia de Havilland en uno de los filmes míticos de la historia del cine, Murieron con las botas puestas (1941), de Raoul Walsh. La importancia de esta producción estriba probablemente en el impresionante vigor que Walsh imprimió a la puesta en escena y en el excelente guión, así como la prestancia de Flynn, que ofrece incluso a su personaje, más allá de su evidente heroísmo, una cierta inestabilidad que le enriquece.

 

Quizá el año en el que alcanzara mayor popularidad (por diferentes motivos) fue 1942. Por un lado, protagonizó Gentleman Jim (1942), de Raoul Walsh, adaptación de la novela autobiográfica de James J. Corbett "The Roar of the Crowd", que alcanzó gran éxito; en ella encarnó a un personaje insolente que encajaba a la perfección con el tipo de papeles que solía interpretar Flynn. No obstante, su carrera sufrió un duro revés al ser acusado de violar a dos adolescentes en su yate. A pesar de que acabó siendo absuelto del delito, su imagen pública se resintió de tal modo que ya no pudo recuperarse. A esto debe añadirse que, en los últimos meses del año, su mujer, la actriz Lili Damita, le pidió el divorcio.

 

Foto promocional de "El capitán Blood"

Fruto del matrimonio con la citada actriz nacería un hijo, Sean Flynn, que intentó seguir los pasos de su padre, y así, en los años sesenta, interpretó varias películas de aventuras. Su carrera se desvió en los setenta hacia la fotografía; cuando cubría como fotógrafo profesional la Guerra de Vietnam desapareció sin dejar rastro.

 

A partir de la segunda mitad de la década de los cuarenta, la carrera y la estrella de Errol Flynn empezaron a decaer. Los motivos de ello hay que buscarlos en sus problemas con la bebida, el tabaco y, sobre todo, las drogas, además de haberse ganarse una fama de mujeriego que nunca le abandonaría. A pesar de ello, su participación (en plena época del cine de propaganda bélica de Hollywood) en Objetivo: Birmania (1945), de Raoul Walsh, fue unánimemente aclamada, así como la excelente fotografía de James Wong Howe. Como curiosidad, la película fue rodada en blanco y negro, y los decorados, que emulaban la selva birmana y que habían sido construidos en un rancho californiano, eran ciertamente sorprendentes.

 

En los cincuenta abandonó Hollywood para intentar relanzar su carrera en Europa, pero fracasó de manera estrepitosa. Para empeorar las cosas, perdió hasta el último dólar que tenía en un, desde el principio, maldito proyecto, William Tell (1954), que ni siquiera fue terminado.

 

En 1956 volvió a Hollywood para, irónicamente, recibir estupendas críticas por su interpretación, completamente ebrio, en Fiesta (1957), de Henry King, basada en la novela de Ernest Hemingway. Volvió a interpretar absolutamente bebido sus dos siguientes películas, Too Much, Too Soon (1958), de Art Napoleon (donde da vida a John Barrymore), y Las raíces del cielo (1958), de John Huston. Por último, participó (además de coproducirlo) en un desastroso filme semidocumental, a mayor gloria de Fidel Castro y su guerra contra Batista, titulado Cuban Rebel Girls (1959), de Barry Mahon.

 

Un ataque al corazón acabaría con su vida cuando sólo contaba con cincuenta años, si bien en los últimos años su cuerpo y su rostro aparentaban una edad mucho más avanzada. Errol Flynn, a pesar del menoscabo que supusieron para su figura los escándalos en los que se vio inmerso y sus problemas con las drogas, ha pasado a la historia del cine como el más grande actor de aventuras; el gran magnate de la Warner, Jack L. Warner, al referirse a Flynn en sus memorias, dijo de él "fue todos los héroes en uno, magnífico, sexy, un auténtico animal".

  

Filmografía esencial.

 

·        1932 / In The Wake of the Bounty. Dir. Charles Chauvel

·        1934 / Murder at Monte Carlo. Dir. Ralph Ince

·        1935 / The Case of the Curious Bride. Dir. Michael Curtiz

·        1935 / Don't Bet on Blondes. Dir. Robert Florey

·        1935 / El capitán Blood. Dir. Michael Curtiz

·        1936 / La carga de la Brigada Ligera. Dir. Michael Curtiz

·        1937 / The Green Light. Dir. Frank Borzage

·        1937 / El príncipe y el mendigo. Dir. William Keighley

·        1937 / Another Dawn. Dir. William Dieterle

·        1937 / The Perfect Specimen. Dir. Michael Curtiz

·        1938 / Robín de los bosques. Dir. Michael Curtiz, William Keighley

·        1938 / Four's a crowd. Dir. Michael Curtiz

·        1938 / Las hermanas. Anatole Litvak

·        1938 / The Dawn Patrol. Dir. William Goulding

·        1939 / Dodge City, ciudad sin ley. Dir. Michael Curtiz

·        1939 / La vida privada de Elizabeth y Essex. Dir. Michael Curtiz

·        1940 / Oro, amor y sangre. Dir. Michael Curtiz

·        1940 / The Sea Hawk. Dir. Michael Curtiz

·        1940 / Camino de Santa Fe. Dir. Michael Curtiz

·        1941 / Footsteps in the Dark. Dir. Lloyd Bacon

·        1941 / Murieron con las botas puestas. Dir. Raoul Walsh

·        1941 / Dive Bomber. Dir. Michael Curtiz

·        1942 / Desperate Journey. Dir. Raoul Walsh

·        1942 / Gentleman Jim. Dir. Raoul Walsh

·        1943 / Edge of Darkness. Dir. Lewis Milestone

·        1943 / Persecución en el norte. Dir. Raoul Walsh

·        1944 / Gloria incierta. Dir. Raoul Walsh

·        1945 / Objetivo: Birmania. Dir. Raoul Walsh

·        1945 / San Antonio. Dir. David Butler

·        1946 / Nunca te alejes de mí. Dir. James V. Kern

·        1947 / Cry Wolf. Dir. Peter Godfrey

·        1947 / Escape Me Never. Dir. Peter Godfrey

·        1948 / Río de Plata. Dir. Raoul Walsh

·        1948 / El burlador de Castilla. Dir. Vincent Sherman

·        1949 / La dinastía de los Forsyte. Dir. Compton Bennet

·        1950 / Kim de la India. Dir. Victor Saville

·        1950 / Montana. Dir. Ray Enright

·        1950 / Cerco de fuego. Dir. William Keighley

·        1952 / Maru Maru. Dir. Gordon Douglas

·        1952 / La isla de los corsarios. Dir. George Sherman

·        1953 / El señor de Balantry. Dir. William Keighley

·        1954 / Espadas cruzadas. Dir. Milton Krims

·        1954 / Lilacs in the Spring. Dir. Herbert Wilcox

·        1954 / William Tell (Incompleta).

·        1955 / Rapsodia real. Dir. Herbert Wilcox

·        1955 / The Dark Avenger. Dir. Henry Levin

·        1957 / Fiesta. Dir. Henry King

·        1957 / The Big Boodle. Dir. Richard Wilson

·        1957 / Istanbul. Dir. Joseph Pevney

·        1958 / Too Much, Too Soon. Dir. Art Napoleon

·        1958 / Las raíces del cielo. Dir. John Huston

·        1959 / Cuban Rebel Girls. Dir. Barry Mahon

 

 

Casi nunca aparece en su filmografía, pero en 1943, intervino como estrella invitada en la película musical Thank Your Lucky Stars (Estrellas adorables), dirigida por David Butler. Se trataba de un musical en el que las estrellas de la Warner cantan una serie de canciones para animar a los soldados americanos que estaban combatiendo en la Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Gracias a este film, podemos disfrutar de Errol Flynn cantando. Escuchar su verdadera voz (sin doblaje) es una gozada. De todas, formas, él siempre habló muy mal de esta película y de su intervención en ella. Le gustaban más los personajes aventureros.

Iberia, naturaleza infinita (Arturo Menor, 2023)

 

Título original: Iberia, naturaleza infinita. Dirección: Arturo Menor. País: España. Año: 2023. Duración: 75 min. Género: Documental.

Guión: Arturo Menor. Fotografía: Arturo Menor. Producción: Acajú Comunicación Ambiental.

Fecha del estreno: 17 Marzo 2023 (España).

 

Reparto: Jesús Olmedo (voz).

 

Sinopsis:

Un águila real, expulsada de su territorio, emprende una aventura de supervivencia a lo largo y ancho de la península ibérica. Partiendo desde las altas cumbres de la cordillera cantábrica, surcará los cielos en un periplo lleno de historias sorprendentes, hasta establecerse definitivamente en un nuevo territorio en las sierras Béticas. Un relato en el que estará acompañado por algunas de las especies más emblemáticas de nuestra fauna como el quebrantahuesos, el urogallo, el sisón, el visón europeo y el oso, entre otras.

 

Comentarios: 

Una película que mira la península desde muy arriba, desde los ojos de un águila real, protagonista de este documental que recorre de norte a sur la geografía española. Es decir, es una especie de documental ‘road movie’ cuya intención es descubrir la enorme riqueza de la fauna y flora. Tiene el armazón clásico de este tipo de trabajos, a los que su director, Arturo Menor, le ha dedicado cantidades ingentes de paciencia y tiempo en su filmografía; clásico en el sentido de que la imagen busca la sorpresa del espectador, encuentra momentos peculiares, graciosos, dramáticos entre animales conocidos y otros de los que no sabíamos si tienen cuatro o más patas, y se explica con una voz en off.

Gran parte de la trama se desarrolla en el aire y, junto al águila, aparecen aves de todo tipo y tamaño, rapaces, carroñeras, invisibles como el urogallo, madereras, pescadoras o en peligro de extinción como el sisón. Esta trama aérea le obliga a Arturo Menor al exceso de vista a ojo de dron, pero también baja la cámara a ras de tierra y debajo del agua de los ríos para meter en su cuadro osos, lobos, dehesas, nutrias e infelices pececillos, conejillos y ranas, que son la oferta de ese supermercado que es la vida en la naturaleza.

Todo lo que vemos se le oye también a un narrador, cuya principal misión (además de decirnos que el sisón es un sisón y el jilguero, un jilguero) es construir una historia y alertarnos de los peligros no naturales que también hay allí, en el campo, como las torres eléctricas, el veneno trampa y otras respuestas humanas a la presencia de animales; es decir que cumple una función ecológica y atenta a la biodiversidad. Hay, si uno tiene ojo de águila, algún pequeño desajuste (o reajuste) visual o sobreimpresión trampa con el fin de que el discurso narrativo tenga intriga, peligro y sentimiento, pero lo importante es que te deja ver lo que desde tu terraza ni sospechas. (Oti Rodríguez Marchante)

Recomendada.

Conociendo a Lois Weber

 

Lois Weber

Cuando hablamos de los primeros años de la historia del cine en los Estados Unidos inevitablemente nos vienen a la mente nombres como David W. Griffith o Cecil B. DeMille, pero hubo también una mujer, una importante directora, que los trató de igual a igual, hasta el punto de contar con un puesto permanente en la poderosa Motion Pictures Directors Association: Lois Weber (1879-1939) la primera directora de cine norteamericana.

Una mujer emprendedora, valiente y arriesgada que llegó a ser la directora mejor pagada de Hollywood; una cineasta involucrada en todos los aspectos de la producción que utilizó el cine para exponer sus ideas. Hizo películas sobre la pena capital, la anticoncepción, el matrimonio o la pobreza, reflejando en su obra los profundos cambios que, especialmente para las mujeres, se estaban produciendo en los Estados Unidos a principios del siglo XX. Su carrera empezó hacia 1908 y se prolongó varias décadas, estima que en este periodo hizo unas doscientas películas, mayormente cortometrajes, de las que sólo se conserva algo más de una veintena. 

Lois Weber nació en Pittsburgh (Pennsylvania) en 1879, en el seno de una familia anglicana, desde pequeña mostró dos pasiones que terminarían confluyendo en su trabajo como cineasta: una extrema sensibilidad artística, que la empujó a iniciar una frustrada carrera como pianista, y unas profundas convicciones religiosas, que la llevaron, siendo poco más que una adolescente, como miembro de los Trabajadores del Ejército de la Iglesia (Church Army Workers) a ejercer de misionera y evangelizadora, cantando himnos por la calle y viviendo exclusivamente de las limosnas que recibía  durante algo más dos años.

Lois Weber junto a Phillips Smalley

En 1904 se trasladó a Nueva York con el objetivo de convertirse en actriz teatral. Entendía que el teatro y, más aún, la incipiente industria del cine le ofrecían la posibilidad de que su proselitismo llegara a un público mucho más numeroso, empezando por el propio gremio de los actores, cuya fe se propuso mejorar. Allí conoció al también actor Phillips Smalley, con quien se casó y trabajó como pareja artística. En 1908 los encontramos a ambos trabajando como actores para la filial americana de la productora Gaumont. Weber actuó el algunas películas a las órdenes de Herbert Blaché, al tiempo que detrás de la cámara filmaba fonoescenas y escribía guiones para la histórica compañía y luego también para la Solax Company, a las órdenes de Alice Guy-Blaché de la que aprendió el oficio de dirección.

A partir de 1911 Weber y Smalley decidieron probar suerte por su cuenta en la industria fílmica dirigieron conjuntamente numerosas películas cortas, tanto para Gaumont como para otras compañías como New York Motion Picture Co., Reliance Studio, Rex Motion Picture Company” etcétera. Weber escribía los guiones y los subtítulos, diseñaba los decorados y el vestuario, actuaba, dirigía, montaba e incluso revelaba los negativos. Todo indica que ella era la mitad más talentosa de la pareja.

Su primer cortometraje fue Una heroína de 76 (A Heroine Of ‘76, 1911), que ambos protagonizaron y codirigieron junto con Edwin S. Porter. 

Donde el talento como cineasta de Lois Weber quedó patente fue en Suspense (1913) un drama de acción y suspense de apenas diez minutos de duración, considerado una de las joyas de la historia del cine por su modernidad técnica y narrativa y el manejo de la cámara. La historia es la siguiente: un ama de llaves abandona su trabajo en una aislada casa, dejando una nota de despedida. Dentro queda una mujer y su bebé. La huida de la sirvienta es aprovechada por un buscavidas para asaltar la casa; la madre (interpretada por la propia Weber) al percatarse, telefonea a su marido que trabaja en la ciudad. El hombre, alarmado, roba un vehículo para acudir en su auxilio, por lo que es perseguido por el propietario del automóvil y varios agentes de policía.

Suspense

Utilizó de modo magistral el recurso de mostrar la pantalla dividida en forma triangular, para mostrar tres acciones de modo simultáneo, incrementando la tensión en el espectador; un recurso que utilizarían después muchos otros cineastas. Destaca también la variedad de planos y la originalidad de los encuadres, así como el rodaje de una de las primeras secuencias de persecución en automóvil de la historia del cine.

En 1914 se convirtió en la primera mujer en dirigir un largometraje en los Estados Unidos: El mercader de Venecia, adaptación de la obra de Shakespeare, un filme perdido del que, a día de hoy, se conservas sólo algunos fotogramas.

En 1915 consiguió un rotundo éxito con su título más ambicioso hasta el momento, Hypocrites en el que asumió en solitario la dirección, el guion, la producción y la interpretación. La cinta ponía en evidencia una sociedad obsesionada por el dinero, el deseo y el poder, pasiones que la llevan a corromperse. De esta cinta, lo que hizo correr ríos de tinta fue la aparición del primer desnudo femenino frontal, no pornográfico, de la actriz que interpretaba a la 'verdad desnuda' con la que un monje predicador intentaba convencer a sus feligreses. Como suele ocurrir, la polémica sirvió para llenar los cines, convirtiendo la película en un monumental éxito de taquilla.

La 'verdad desnuda'

Weber ha sido considerada como una de las directoras que mejor ha sabido mostrar la realidad y los problemas sociales de su época a través de sus películas, tocando temas que pocos se atrevían a representar en la época: la pena capital, el antisemitismo, la miseria, el alcoholismo, el aborto, la prostitución, la corrupción, la infidelidad conyugal, etc., esto la ponía a veces en el punto de mira de la censura.

Utilizaba las películas para difundir sus ideas, abordando temas muy peliagudos, así en ¿Dónde están mis hijos? (Where Are My Children? 1916), que trata del aborto invitando a las mujeres a tomar el control de su sexualidad, Weber defendía el acceso a los métodos anticonceptivos, al tiempo que se mostraba partidaria de la eugenesia como medida de control de la natalidad. 

Por su parte, en El pueblo contra John Doe (The People vs. John Doe, 1916), criticó con dureza la pena de muerte, mientras que en Hop, el brebaje del diablo (Hop, the Devil’s Brew, 1916) refleja la problemática de la drogadicción y el alcoholismo.

Shoes

En Zapatos (Shoes, 1916) aborda el tema de la incorporación de la mujer al trabajo remunerado, generalmente en jornadas interminables por las que recibe míseros salarios, sin respetar descansos laborales ni otras consideraciones. La protagonista, Eva Meyer, afronta la carga de sostener una familia en la que el padre está en el paro y sin muchas ganas de encontrar trabajo, tiene tres hermanas pequeñas a las que alimentar, mientras su madre intenta llevar cada día la comida a la mesa. Su mísero salario semanal no alcanza para que pueda permitirse un par de zapatos nuevos. La protagonista ve que sus zapatos se van desgastando y aunque renueva las suelas con cartón, no aguantarán mucho más, y lucha entre el deseo de tener unos zapatos nuevos y la resistencia a las propuestas sexuales de un pretendiente. Esta película ha sido recientemente restaurada y editada en DVD usando varias de las copias existentes y el guion original de Weber descubierto en la NBCUniversal.

Con esta trayectoria, en 1916 Weber era la cineasta mejor pagada de los estudios Universal, donde llegó a tener de ayudante a un joven y todavía desconocido John Ford. En la cúspide de su fama, decidió independizarse y crear su propio estudio en 1917: Lois Weber Productions.

El borrón (The Blot, 1921) fue una de sus películas más famosa y de las pocas que se conservaron y estuvieron siempre disponibles. Aborda de nuevo un tema social, la desigualdad entre clases sociales, con la estructura de un drama romántico. Lois Weber, preocupada por los bajos salarios de los maestros y profesores, nos cuenta la historia de los Griggs y sus vecinos adinerados, los Olsens. El profesor Griggs aunque mal pagado, ejerce su profesión con ahínco, su esposa intenta llegar a fin de mes y su única hija, Amelia, trabaja en la biblioteca local. Su vecino, el señor Olsen gana un buen sueldo como zapatero y tiene varios hijos. El mayor de los Olsen ha puesto sus ojos en la joven Amelia, que también ha llamado la atención de otro de los rebeldes alumnos de su padre.

En los años 20 su carrera empezó a entrar en declive: el fin de la Primera Guerra Mundial, con la llegada de los felices años veinte, y la irrupción del cine sonoro, marcaron un punto de inflexión en su trayectoria; sus historias moralizantes ya no eran bien recibidas por un público que sólo quería divertirse. Se divorció de Smalley en 1922, perdió su productora, en 1923 sufrió una crisis nerviosa que la mantuvo alejada de la vida pública hasta 1925. Dirigió luego algunos títulos más, aunque poco relevantes, para la Universal o la United Artists, y tuvo que aceptar trabajos menores de revisión de guiones o de asistencia en el rodaje de otros directores.

Murió en 1939 arruinada y olvidada, ni siquiera dejó dinero para pagar su entierro, que fue sufragado por varios de sus antiguos compañeros de la industria del cine. La noticia de su muerte apenas tuvo repercusión en la prensa de la época: Variety publicó un obituario de dos párrafos y Los Angeles Examiner la mencionó brevemente. Sólo Hedda Hopper le dedicó un tributo en Los Angeles Times. Dejó escritas sus memorias, El final del círculo, que no fueron publicadas pese a los esfuerzos de su hermana Ethel por editar el manuscrito, que luego desapareció misteriosamente.

Una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood recuerda a esta figura clave de la historia del cine, largo tiempo olvidada pero a la que recientemente se está recuperando gracias a monografías como “Lois Weber: The director who lost her way in history” (1996), “Lois Weber in early Hollywood” (2015) y “Lois Weber: Interviews” (2019). 

Dejamos aquí algunos enlaces a su obra: 

Suspense: https://www.youtube.com/watch?v=AeZkmyLC7-k

Hypocrites: https://www.youtube.com/watch?v=hf6IYsbqz6E

Where Are My Children: https://www.youtube.com/watch?v=X3iqQLTaHBU

The Blot: https://www.youtube.com/watch?v=1cWpeuz8lV0