Título original: Gloria Bell. Dirección: Sebastián Lelio. País: USA. Año: 2018. Duración: 102
min. Género: Drama.
Soledad Salfate (Montaje), Natasha Braier (Fotografía), Alice Johnson Boher,
Sebastian Lelio (Guión), Matthew
Herbert (Música), Juan De Dios
Larrain, Pablo Larrain, Sebastian Lelio (Producción).
Remake de
"Gloria" dirigida por el director de la original, Sebastián Lelio
(Una mujer fantástica).
Estreno en Sevilla: 26 Abril 2019.
Reparto:
Julianne Moore
(Gloria), John Turturro (Arnold), Sean Astin (Jeremy), Alanna Ubach (Veronica),
Michael Cera (Peter), Brad Garrett (Dustin), Caren Pistorius (Anne), Barbara
Sukowa (Melinda), Jeanne Tripplehorn (Fiona), Holland Taylor (Hillary), Rita
Wilson (Vicky), Chris Mulkey (Charlie).
Sinopsis:
Gloria es una divorciada
de espíritu libre que pasa los días en un aburrido trabajo de oficina y las
noches en la pista de baile, dejándose llevar alegremente por las discotecas de
Los Ángeles.
Después de conocer a
Arnold una de esas noches, se ve inmersa en un inesperado nuevo romance,
plagado de emociones por el nuevo amor y las complicaciones familiares, de
identidad y del mundo de las citas.
Comentarios:
La principal diferencia
entre este remake y “Gloria” (2013) se encuentra en su reparto. Julianne Moore
toma del original el papel de Paulina García, cuya excelente interpretación le
valió muchos premios, hasta casi convertir la película en un vehículo para su
lucimiento y aprovecharlo. Por lo demás, con variaciones de poca relevancia,
Sebastián Lelio vuelve a retratar y admirar a una mujer en la cincuentena,
divorciada hace diez años, cuyos dos hijos se han independizado y formado a su
vez familias. Una mujer que sigue buscando compañía masculina ocasional y acaso
duradera en discotecas donde, además de bailar con extraños, toma dry martinis.
Obviamente, lo que
encuentra en esos locales son hombres solitarios o con pesadas cargas
familiares. Sin embargo, no se trata de un melodrama compungido sino, a su
modo, vitalista donde suena casi épica Gloria, la canción de Umberto Tozzi. Una
fotografía descolorida es la justa para ilustrar la cotidiana mediocridad a la
que no se resigna la auténtica heroína. (Francisco Marinero)
Título
original: The White Crow. Dirección: Ralph
Fiennes. País: Reino Unido. Año: 2018. Duración: 127 min. Género:
Drama.
Barney Pilling (Montaje), Mike Eley (Fotografía), David Hare, Julie Kavanagh
(Guión), Ilan Eshkeri (Música).
Estreno en Sevilla: 01 Mayo 2019.
Reparto:
Oleg Ivenko (Rudolf
Nuréyev), Ralph Fiennes (Alexander Pushkin), Adèle Exarchopoulos (Clara Saint),
Raphaël Personnaz (Pierre Lacotte), Chulpan Khamatova (Xenia), Sergei Polunin
(Yuri Soloviev), Mar Sodupe (Helena Romero).
Sinopsis:
Rusia, 1961. Rudolf
Nureyev, el bailarín de ballet más grande de todos los tiempos, viaja por
primera vez fuera de la Unión Soviética como miembro de la prestigiosa Kirov
Ballet Company. Aunque el KGB sigue de cerca sus pasos y a pesar del gran
peligro que conllevaba entonces la deserción, Nureyev huirá tomando una
decisión que podría cambiar el curso de su vida para siempre.
Comentarios:
Gabinete de crisis en una
gélida oficina de Moscú tras la deserción en Francia de un formidable bailarín
del mítico Kírov de Leningrado (hoy, San Petersburgo), el posteriormente
convertido en leyenda Rudolf Nuréyev. Hay sudores fríos, búsqueda de culpables,
temblores de purga. Pero el interrogado, que no es un cualquiera sino una
figura de la disciplina, el maestro Alexánder Pushkin, responde con firmeza:
“Esto no es política. Esto es ballet”.
Son los primeros minutos
de “El bailarín” y su director, Ralph Fiennes, pone en boca propia, pues
también interpreta a Pushkin, su idea de la película: una obra sobre el arte. Y
aunque en ella haya ideas narrativas relacionadas con el cine de espionaje e
incluso con cierto cine político, el destinatario final es, sin duda, el amante
del arte en general, y del ballet en particular (y hay mucho metraje sobre
ello). De hecho, para interpretar a Nuréyev han contratado a un bailarín
profesional, Oleg Ivenko, sin experiencia cinematográfica alguna. Como debe
ser: a un bailarín se le puede guiar en la actuación para que dé el pego
medianamente, y lo hace; a un actor es imposible enseñarle a bailar para que
parezca una estrella creíble.
Al igual que en sus dos
trabajos anteriores como director, Fiennes se agarra al guion de un reputado
escritor: John Logan, en “Coriolanus” (2011); Abi Morgan, en “The invisible
woman” (2013), y aquí el dramaturgo, director y guionista David Hare (Plenty,
Herida, Las horas), inspirado por la biografía de Julie Kavanagh. Y Hare, de
enorme experiencia y habitual solidez, ha compuesto un relato alejado de lo
cronológico, roto en mil pedazos, al que quizá le sobren las secuencias del
Nuréyev niño, que poco aportan en lo emocional, y que solo le sirven para
intentar apuntalar uno de los subtextos alrededor de la figura del bailarín.
Ese subtexto es el del
complejo de campesino de Nuréyev, que no acaba de plasmarse con cohesión entre
lo que se dice y lo que se muestra. Y la fallida secuencia de la discusión en
el restaurante nunca llega a ejemplarizar ese estigma de (falta de) clase. Sin
embargo, el resto de la estructura, que se mueve en hasta cuatro tiempos
distintos (la gira parisiense de la compañía, que desemboca en la huida; sus
consecuencias; su formación y estancia en casa de Pushkin, y su niñez) es muy
atractiva.
Más que correcta en su
descripción de los tentáculos de la KGB, “El bailarín” es finalmente un relato
de amor al arte. Como el que busca el propio Nuréyev a cada paso, ya sea una
pintura o una partitura. Fuente de inspiración para su imparable explosividad
física y su búsqueda de lo sublime. (Javier Ocaña)
El Festival Internacional
de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST) propone una selección de
películas del panorama internacional relacionadas en un sentido amplio con la
literatura y/o la historia. Siguiendo este criterio, la programación de la Sección
Oficial está dedicada, de manera preferente, a las adaptaciones de obras
literarias, las producciones con trasfondo histórico y los filmes biográficos
sobre grandes personalidades.
El BCN FILM FEST aspira a
mantener un vínculo estrecho con el carácter cultural y popular de la
emblemática fiesta de Sant Jordi, cuya celebración coindice con las fechas del
certamen. La idea es ofrecer un festival cercano a un público interesado por el
cine y la cultura en general, en el que tengan cabida las propuestas con
aspiraciones artísticas y las propuestas populares, todas ellas con un
denominador común: la calidad. El BCN FILM FEST cree en las posibilidades
pedagógicas del cine y, por ello, una parte destacada de su programación está
orientada a las escuelas, con la intención de que docentes y estudiantes
utilicen las películas como recurso didáctico para estudiar mejor determinadas
materias.
La presidenta del BCN
FILM FEST esConxita
Casanovas y la III edición se ha realizado del 22 al 30 de abril de 2019.
La Sección Oficial del
Festival de esta edición mantienen un compromiso claro con el gran público y
ofrece el Premio a la Mejor Película, concedido por el jurado oficial. Estas
son las 14 películas que compiten.
1. El bailarín, de Ralph
Fiennes.
Rudolf Nureyev es un
joven bailarín soviético que viaja a París para dar un paso adelante en su
carrera profesional. Sin embargo, Nureyev comienza a abrazar el estilo de vida
capitalista.
2. El emperador de París,
de Jean-François Richet.
Bajo el reinado de
Napoleón, François Vidocq está considerado una leyenda en los bajos fondos
parisinos. Ahora Vidocq ayudará a la policía a combatir al hampa a cambio de su
libertad.
3. Hotel Mumbay, de
Anthony Maras.
Bombay, 2008. Un comando
de terroristas armados asalta a sangre y fuego el Taj Mahal Palace, uno de los
hoteles más lujosos de la ciudad. Un grupo de trabajadores y huéspedes del
hotel tratarán de sobrevivir a la violencia terrorista.
4. La mirada de Orson
Welles, de Mark Cousins.
El acceso exclusivo a
cientos de dibujos y pinturas del propio Orson Welles permite al espectador de
este documental una particular inmersión en el universo del legendario director
de Ciudadano Kane (1941).
5. La tragedia de
Peterloo, de Mike Leigh.
El 19 de agosto de 1819
una manifestación pacífica de decenas de miles de personas reclama en
Manchester el sufragio universal y la reforma del sistema parlamentario. La
caballería británica carga contra la multitud y provoca numerosos muertos y
heridos.
6. Soledad, de Agustina
Macri.
Soledad es una joven
argentina de clase media que en 1997 emprende un viaje por Europa para alejarse
de las comodidades que le ofrece el conservador entorno familiar. En Italia
entra en contacto con anarquistas del movimiento squatter de Turín y su vida
cambia para siempre.
La ganadora del festival "Soledad"
7. El secreto de las
abejas, de Annabel Jankel.
Jean conocerá a la madre
de uno de sus pacientes, con la que iniciará una amistad que se transformará en
una aventura romántica secreta.
8. Une intime conviction,
de Antoine Raimbault.
Desde que Nora asistió al
juicio de Jacques Viguier, acusado del asesinato de su esposa, está convencida de
su inocencia. Por temor a un error judicial, ella convence a un letrado para
que lo defienda en su segundo juicio.
9. Viento de libertad, de
Michael Herbig.
1979, Alemania Oriental
durante el apogeo de la Guerra Fría. Dos familias convencionales anhelan la
libertad en secreto con un gran plan de huida que los llevará hasta el lado
Occidental: armados con valentía e ingenio, construirán un globo aerostático.
10. Nacido rey, de Agustí
Villaronga.
El joven Faisal es el
primer miembro de la realeza saudí en visitar Gran Bretaña y deberá negociar
con las figuras políticas más destacadas de su tiempo, como Lord Curzon y
Wiston Churchill.
11. La vida sin Sara Amat,
de Laura Jou.
Pep, de 13 años, está
completamente enamorado de una chica del pueblo de sus abuelos, Sara Amat. Una
noche de verano Sara desparece sin dejar rastro. Al cabo de unas horas, Pep se
la encuentra escondida en su habitación.
12. Cartas a Roxane, de
Alexis Michalik.
París, 1897. Edmond
Rostand es un dramaturgo prometedor. Pero todo lo que ha escrito ha sido un
fracaso y ahora sufre una parálisis creativa total. Gracias a su admiradora,
conoce al mejor actor del momento, que insiste en interpretar su próxima obra.
13. Charla con el director
Mike Leigh, de Mike Leigh.
El prestigioso director
británico, responsable de títulos como Mr.
Turner o El Secreto de Vera Drake,
y nominado hasta cinco veces al Premio Oscar, ofrecerá un coloquio abierto al
público.
14. Sir, de Rohena Gera.
Ratna trabaja como
asistenta doméstica de Ashwin, un hombre de una familia adinerada. Aunque
Ashwin parece tenerlo todo, Ratna se da cuenta de que él ha abandonado sus
sueños.
El Jurado, compuesto por
el dramaturgo Josep Maria Miró, la actriz Nora Navas y la periodista Pilar
Eyre, entregó el premio a la Mejor Película a 'Soledad', el debut en la
dirección de Agustina Macri, hija del presidente argentino Mauricio Macri. Se
trata de un biopic, en clave dramática, coproducido entre Argentina e Italia de
100 minutos de duración. Cuenta cómo Soledad es una joven argentina de clase
media que en 1997 emprende un viaje por Europa para alejarse de las comodidades
que le ofrece el conservador entorno familiar. En Italia entra en contacto con
anarquistas del movimiento squatter de Turín, que ocupan viviendas abandonadas
de la ciudad. Se enamora de uno de ellos, Edoardo, y acaba integrándose en el
grupo como una activista más. Su vida cambia para siempre. Soledad, Edoardo y
un compañero de la pareja son encarcelados por las autoridades, acusados
injustamente de formar parte de una banda eco-terrorista que ha atentado contra
el tren de alta velocidad. La cinta está basada en hechos reales.
Os dejamos con su tráiler
y esperemos que aparezca pronto por la cartelera sevillana
Título original: La primera cita. Dirección: Jesús Ponce. País: España. Año: 2018. Duración: 104
min. Género: Drama.
David Barrio (Fotografía), Jesús Ponce (Guión), Juan Canton (Música), Kiko Medina (Producción).
Estreno en Sevilla: 01 Mayo 2019.
Reparto:
Isabel Ampudia (Isabel),
Sebastian Haro (Sebastián), Mercedes Hoyos (Mercedes), Victor Clavijo (Médico
militar), Bruto Pomeroy (Coronel Rivas).
Sinopsis:
Isabel es una mujer de
mediana edad casada con Sebastián, un militar retirado que nunca ha sido
precisamente atento ni delicado. Un brote de alzhéimer incipiente en ella
obligará a su Sebastián a tener por primera vez que dedicarle atenciones,
haciéndole ver algo con lo que no contaba: ella, en sus confusiones, le abrirá
los ojos a aspectos importantes que no conocía de su relación, y de manera
involuntaria, le brindará una oportunidad para redimirse de sus errores.
Comentarios:
En el desenlace de “La
primera cita”, Jesús Ponce encuentra una sencilla solución visual para
transmitir algo complejo. Y lo hace con la honestidad del ilusionista que sabe
que sus espectadores descubrirán su truco de magia, pero que, a la postre, eso
da igual porque, mientras llegue el mensaje, nadie va a romper el pacto. Su
truco consiste en la armonización de temporalidades distintas dentro de un
mismo plano: su plasmación, candorosamente artesanal, da una buena medida de la
modestia con que, en cuestiones de producción, se ha levantado este quinto
largometraje del cineasta sevillano, en cuyo interior brilla el potencial del
excelente melodrama que la película no llega a ser. Y ese desenlace también da
una cierta pista de que lo que ha condicionado el conjunto: ojalá Ponce hubiese
recurrido más veces, como aquí, a la elocuencia de la imagen en lugar de
confiárselo todo a las palabras.
En “La primera cita”, el
alzhéimer abre una brecha entre los miembros de una pareja: él militar, ella
condenada a la espera y a la invisibilidad. Los vaivenes de la memoria de la
esposa harán que salga a la luz una vieja infidelidad, que obligará al militar
retirado a poner en cuarentena el recuerdo de una vida asentada sobre los
cimientos de lo que uno ha dado por hecho, pero quizá nunca se había ganado.
Con un material así,
delicado como todos los que sostienen un melodrama puro, Mikio Naruse podría
haber bordado un discurso atravesado por su penetrante sabiduría humanista y un
creador mediocre hubiese facturado un vergonzante culebrón. Jesús Ponce no
juega en los extremos, pero una mayor voluntad de estilo y una dirección de
actores más armónica hubiesen reafirmado la fuerza de su propuesta. La tensión
entre el desvalimiento y la rapidez de reflejos para la supervivencia que
transmite el rostro de la protagonista Isabel Ampudia, así como la densa,
comprensiva mirada de Mercedes Hoyos, se revelan las incuestionables fortalezas
de una película que quizá hubiese requerido que Sebastián Haro imprimiese otra
dureza, más marcada, a su personaje para ir matizándola, desintegrándola en el
curso de la trama. (Jordi Costa)
