El arte de amar, de Emmanuel Mouret

Título original: L’art d’aimer. Dirección y guión: Emmanuel Mouret. País: Francia. Año: 2011. Duración: 85 min. Género: Comedia romántica. Producción: Georges Bermann y Frédéric Niedermayer. Música: Frédéric Norel. Fotografía: Laurent Desmet. Montaje: Martial Salomon. Diseño de producción: David Faivre. Vestuario: Carine Sarfati. Estreno en Francia: 23 Noviembre 2011. Estreno en España: 25 Mayo 2012.

Intérpretes: Pascale Arbillot (Zoé), Ariane Ascaride (Emmanuelle), Frédérique Bel (vecina de Achille), François Cluzet (Achille), Julie Depardieu (Isabelle), Judith Godrèche (Amélie), Louis-Do de Lencquesaing (Ludovic), Philippe Magnan (Paul), Gaspard Ulliel (Wiliam), Emmanuel Mouret (Louis).

Sinopsis:

En el momento en el que nos enamoramos, en ese preciso instante, se produce en nosotros una música particular… Para cada cual es diferente, y puede sobrevenirnos cuando menos lo esperamos. ”El arte de amar” presenta cinco historias centradas en el amor, la búsqueda del amor y del ser amado. Historias cruzadas que se interseccionan por azar y que provocan diferentes conflictos emocionales en una serie de personajes al borde de la crisis sentimental. Cinco historias que, en definitiva, exploran los sentimientos y el arte de amar, las infidelidades y la necesidad de sentirse deseado.

Frédérique Bel y François Cluzet 

Calificación: 5, Mediana.

Lo mejor de la película: La valentía y transgresión que aportan ciertas historias. El planteamiento inicial de composición de la película, a través de una sucesión de sketchs. Por otro lado, señalar la cantidad de cine francés que aparece por la cartelera española, esto no está mal en principio, pero… ¿pasará igual en Francia con las películas españolas? Es que aquí llega lo bueno y lo no tan bueno del cine francés.

Lo peor de la película: Al estilo de la italiana Manual de amor o de la británica Love Actually, Emmanuel Mouret no sale airoso de esta versión francesa donde multitud de personajes que parecen hablar de amor, en realidad sólo hablan de sexo. Algunas historias son completamente prescindibles, como la de Ariane Ascaride; otras son pesadas, como la de François Cluzet y Frédérique Bel; aunque otras son más salvables, como la protagonizada por Laurent Stocker y Julie Depardieu; no obstante, el conjunto no repunta de la mediocridad.

Trailer de la película:

La maldición de "Rebelde sin causa"

James Dean, Sal Mineo, Natalie Wood, Nick Adams… Todos ellos estaban en el reparto de “Rebelde sin causa”, y todos ellos fallecieron de muerte violenta y a una edad relativamente temprana.

James Dean se estrelló el 30 de septiembre de 1955 con el Porshe Spyder 550 que había bautizado como “Pequeño bastardo”  cuando se dirigía a Salinas a competir en una carrera automovilística.

Sal Mineo fue asesinado, murió de una puñalada en el corazón el 12 de febrero de 1976 en un callejón próximo a su casa. Los vecinos le oyeron pedir auxilio pero no llegaron a tiempo de impedir que lo mataran.

Natalie Wood falleció ahogada en extrañas circunstancias el 29 de noviembre de 1981 cuando al parecer había ido a nadar. El hecho de que la actriz tuviera auténtico pavor al agua y la declaración de un testigo que tenía su barco anclado en las proximidades y aseguró haberla oído pedir auxilio, recibiendo la contestación de un hombre que le pedía que se calmara, llevó a pensar que podría haber algo poco claro en su fallecimiento. Su marido, Robert Wagner, y el actor Christopher Walken, con el que según se dijo Natalie Wood tenía un romance tras conocerle en el rodaje de “Proyecto Brainstorm”, dirigida en 1981 por Douglas Trumbull, estaban en el barco del que salió la actriz.

El cadáver de Nick Adams fue encontrado el 7 de febrero de 1968 en su apartamento. El análisis forense reveló que había muerto por una sobredosis de sedantes.

  

 

Para rematar el trágico cuadro del equipo técnico y artístico de “Rebelde sin causa”, el director de la película, Nicholas Ray, murió por causas naturales, enfermo de cáncer, pero su agonía recibió un tratamiento poco usual por parte del cine, y pudo contemplarse su agonía en la película co-dirigida por él mismo con el director alemán Win Wenders que titularon “Lightning over wáter (Relámpago sobre el aguas)”, de 1990.

Todo ello ha llevado a mantener la teoría de que quienes participaron en el rodaje de aquel largometraje fueron víctimas de una maldición que les llevo hasta la tumba.

Men in black 3, de Barry Sonnenfeld

Título original: Men in Black 3. Dirección: Barry Sonnenfeld. País: USA. Año: 2012. Duración: 106 min. Género: Acción, ciencia-ficción, comedia. Guión: Etan Cohen; basado en el cómic de Lowell Cunningham. Producción: Laurie MacDonald y Walter F. Parkes. Música: Danny Elfman. Producción ejecutiva: Steven Spielberg y G. Marc Brown. Fotografía: Bill Pope. Montaje: Don Zimmerman. Diseño de producción: Bo Welch. Vestuario: Mary E. Vogt. Estreno en USA: 25 Mayo 2012. Estreno en España: 25 Mayo 2012.

Intérpretes: Will Smith (agente J), Tommy Lee Jones (agente K), Josh Brolin (agente K joven), Alice Eve (agente O joven), Emma Thompson  (agente O), Jemaine Clement (Boris el Animal), Michael Stuhlbarg (Griffin), David Rasche (Agente X), Bill Hader (Andy Warhol).

Sinopsis:

Nueva entrega de la saga “Men in Black”, donde los agentes J (Will Smith) y K (Tommy Lee Jones) vuelven… al pasado. En sus 15 años de servicio, el agente J ha visto muchas cosas inexplicables, pero nada, ni siquiera los extraterrestres, le produce tanta perplejidad como su irónico y poco comunicativo compañero, el agente K. Cuando el destino del planeta y la vida del agente K son puestos en peligro, el agente J tendrá que hacer un viaje al pasado para reconducir las cosas. El agente J descubre secretos del Universo que K nunca le contó, secretos que se irán revelando en su alianza con un joven agente K (Josh Brolin), para salvar a su compañero, la agencia y el futuro de la humanidad.

Emma Thompson y Will Smith

Calificación: 5, Mediana.

Lo mejor de la película: Los efectos especiales. Recomendable verla en 3D. Sorprendentemente, supera a sus dos antecesoras. Distracción para una tarde de palomitas. No pedir más.

Lo peor de la película: Lo poco aprovechados que están dos grandes intérpretes como Tommy Lee Jones y Emma Thompson. Por otro lado, Will Smith, muy mal dirigido, está francamente mal.

Trailer de la película:

Sueño y silencio, en cartelera

Título original: Sueño y silencio. Dirección: Jaime Rosales. País: España, Francia. Año: 2012. Duración: 110 min. Género: Drama. Guión: Jaime Rosales. Producción: Fresdeval Films, Les Productions Balthazar, Wanda Vision. Fotografía: Óscar Durán, en B/N. Montaje: Nino Martínez Sosa. Estreno en España: 8 Junio 2012.

Intérpretes: Yolanda Galocha, Oriol Roselló, Jaume Terradas, Laura Latorre, Alba Ros Montet, Celia Correas, Carmen Gamboa, Eva Galocha.

Sinopsis: Oriol y Yolanda viven en París con sus dos hijas. Él es arquitecto, ella es profesora. Durante unas vacaciones en el Delta del Ebro, un accidente transforma sus vidas.

Situarte ante una película y valorarla siempre supone subjetividad por el hecho en sí de emitir una opinión. Esto es evidente, así como que esta subjetividad alcanza el grado máximo cuando se analiza un tema que te sensibiliza especialmente y ves en la pantalla ecos de experiencias dolorosas en las que has sido tímido observador. El planteamiento tiene que ser muy burdo para que no te emocione. Pero, en este caso, Jaime Rosales acierta con sus apuestas.

El núcleo familiar

Destaca, en primer lugar, la fotografía en blanco y negro, de grano duro, que imprime carácter de evocación: otorga la distancia que supone algo realmente vivido o sentido, pero no inmediato. Sin embargo, se utiliza el color en dos planos y esto llega a molestar: en caso de que su uso no sea arbitrario (me extrañaría que lo fuera) no quedan suficientemente claras las motivaciones.

Los actores no profesionales muestran un dolor contenido de gran realismo. La falta de diálogos en el guión provoca la naturalidad de las expresiones (“una tilita”, “esa pachorra”). No hay nada impostado, no hay palabras que suenen falsas. Al no existir directrices sobre cómo actuar, los intérpretes se salen del plano, a lo Toulouse-Lautrec: se capta una visión parcial (una sola cámara, un único punto de vista) de un momento determinado. Conmovedora la abuela que cuenta sus duelos pasados y presentes con la vana intención de ofrecer consuelo al interlocutor fuera de campo,  y conmovedora también la secuencia en que Yolanda cuenta en el parque una anécdota a su hija y no se nos ofrece el contraplano.

Eva Galocha, Yolanda Galocha y Carmen Gamboa

Por otro lado, como es frecuente en el cine de Rosales, los planos son muy largos. Podríamos decir excesivamente largos, ya que a veces no aportan nada nuevo. El recoger, por ejemplo, el entierro al completo en una interminable y lejana cámara fija, puede sacarte de la película en vez de favorecer la identificación.

En cambio, la secuencia final es de gran belleza: un travelling avant que recorre el parque, lugar de encuentro de Yolanda con su hija añorada. La cámara recoge el caminar de los transeúntes, los juegos de las niñas, el agradable e intranscendente estar, como si se tratara de una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte. Sólo que Seurat realizó innumerables bocetos y retoques del original para ofrecernos su visión. Aquí, toma única: una decisión muy arriesgada.

Tanto en el prólogo como el epílogo, aparece Miquel Barceló en plena expresión artística. El paso del tiempo, un habitual en la obra del pintor mallorquín, conlleva la superposición de experiencias: una realidad deja sus huellas sobre las que se imprimen otras distintas. Y encima de todo, las cruces.

Miel de naranjas, de Imanol Uribe

Título original: Miel de naranjas. Dirección: Imanol Uribe. Países: España y Portugal. Año: 2012. Duración: 101 min. Género: Drama. Guión: Remedios Crespo. Producción: Enrique González Macho y Luís Galvão Teles. Música: Nuno Malo. Fotografía: Gonzalo Berridi. Montaje: Buster Franco. Dirección artística: Edou Hydallgo. Vestuario: Lena Mossum. Estreno en España: 1 Junio 2012.

Intérpretes: Blanca Suárez  (Carmen), Iban Garate (Enrique), Karra Elejalde (don Eladio), Ángela Molina (María), Bárbara Lennie (Ana), Eduard Fernández  (Vicente), Fernando Soto (don José), Nora Navas (Miel), Carlos Santos (Ramos), José Manuel Poga (Leopoldo), Marcantonio del Carlo (Miguel), Antonio Dechent (coronel).

Sinopsis:

Andalucía, años 50. Por aquel entonces, Enrique y Carmen son una joven pareja de novios. Carmen consigue, gracias a su tío Eladio, que su novio se quede a prestar el servicio militar en un juzgado de la ciudad. Enrique, a la vista de las injusticias que presencia cada día, se da cuenta de que para cambiar el rumbo de las cosas tiene que actuar. Pronto se verá involucrado en arriesgadas acciones que pondrán en peligro su vida y la de sus compañeros.

Iban Garate y Ángela Molina

Calificación: 6, Aceptable.

Lo mejor de la película: La música, la fotografía, el vestuario,… todo lo mejor se halla en el equipo técnico, ya que la parte dramática (guión) es demasiada plana. Se nota la profesionalidad de Uribe y la inexperiencia de Remedios Crespo. En el apartado artístico destacamos la breve intervención de Ángela Molina.  

Lo peor de la película: El guión, con una historia demasiado simple, llena de arquetipos y un pelín “maniquea”. Le falta pasión por todos lados. Iban Garate demasiado bobo.  Muchos dirán “otra peli de la Guerra Civil” y en este caso, tendrán razón.  

Trailer de la película:

Michael Haneke, Palma de Oro en Cannes 2012

Del 16 al 27 de mayo de 2012 ha tenido lugar la 65º edición del prestigioso Festival de Cine de Cannes. El jurado, presidido por el director italiano Nanni Moretti, estuvo compuesto por la actriz Hiam Abbass, la directora de cine Andrea Arnold, la actriz Emmanuelle Devos, el director de cine Raoul Peck, el diseñador Jean Paul Gaultier, la actriz Diane Kruger, el actor Ewan McGregor y el director de cine Alexander Paiyne.

Tras sus deliberaciones, el Jurado otorgó la codiciada Palma de Oro a la película “Amor”, de Michael Haneke. El director austriaco hizo buena su condición de favorito y se alzó por segunda vez con el galardón más prestigioso del Festival de Cannes, uniéndose a una pequeña élite de cineastas que cuentan con más de una Palma de Oro en sus vitrinas.

Michael Haneke recibiedno su 2ª Palma de Oro

“Amor” nos cuenta la historia de Georges y Anne, son octogenarios, son personas cultas, profesores de música retirados. Su hija, también música, vive en el extranjero con su familia. Un día, Anne es víctima de un accidente. El amor que une a esta pareja se someterá a una dura prueba. Lenta y comedida, el retrato que “Amor” dibuja de una pareja francesa de ancianos que afronta las últimas fases de la vida dejó al público llorando y a la crítica encantada.

Su triunfo fue particularmente bienvenido en Francia, donde los protagonistas de la cinta, ambos de más de 80 años, son muy populares. "Los nombres de Emmanuelle Riva y Jean-Louis Trintignant... serán a los ojos de la opinión pública como una victoria francesa", dijo el diario Le Parisien.

Hace apenas un año, el director estadounidense Terrence Malick ganaba la Palma de Oro con El árbol de la vida y Kirsten Dunst se llevó el galardón a mejor actriz por su papel en la apocalíptica Melancolía de Lars Von Trier. Pero en esta edición la crítica de Cannes se mostró fría hacia la mayoría de las producciones estadounidenses, aunque fue razonablemente popular Killing Them Softly, la película del neozelandés Andrew Dominik protagonizada por Bard Pitt en el papel de un asesino mafioso en una ciudad estadounidense afectada por la recesión.

Además de Michael Haneke, otros dos ganadores en Cannes fueron reconocidos de nuevo, el británico Ken Loach, que ganó el tercer premio, el de la crítica, por The Angels Share y el rumano Cristian Mungiu, que ganó el premio al mejor guión por Detrás de las colinas (Beyond the Hills).

Las dos jóvenes estrellas de Detrás de las colinas (Beyond the Hills), Cristina Flutur y Cosmina Stratan, fueron las dos sorprendentes ganadoras del premio a la mejor actriz, mientras que la estrella danesa Mads Mikkelsen recibió el galardón a la mejor actuación masculina por su retrato de un hombre acusado injustamente de abuso de menores en el desgarrador drama The Hunt.

El mexicano Carlos Reygadas ganó en la categoría de mejor director por Post Tenebras Lux, una exploración onírica de la corriente subyacente de amenaza en la sociedad mexicana actual.

Por último señalar que el premio al Mejor Cortometraje fue para Sessiz-Be Deng, dirigida por L. Rezan Yesilbas.

Sólo nos queda esperar con paciencia a que todas estas películas las estrenen en los cines de nuestra ciudad. De momento, os dejo con el tráiler de la ganadora.

«El espíritu de la colmena» en el Pabellón de Uruguay

Esta tarde Linterna Mágica cierra su temporada 2011/12 con la proyección en el Pabellón de Uruguay (18:00 h.) de una de las obras maestras del cine español: El espíritu de la colmena de Víctor Erice.  De este modo cerramos un periplo que, en nuestra colaboración con CICUS, nos ha llevado desde La novia de Frankenstein (1935), de James Whale –con la que comenzamos nuestras proyecciones en el mes de octubre– hasta el reencuentro final con la criatura de Mary Shelley, aunque en esta ocasión sea junto al río imaginario que la niña Ana –Ana Torrent– evoca en las cercanías de Hoyuelos de Segovia en los terribles años de la Posguerra.

El espíritu de la colmena es una obra emblemática tanto por su significado histórico y político, estrenada en la antesala de la Transición, como por ser el primer largometraje de uno de los directores más universalmente valorados de nuestro cine, una pieza magistral y grabada a fuego en la mente de todos los aficionados al cine a pesar de los casi cuarenta años que han pasado desde su estreno en el Festival de San Sebastián del año 1973, en el que ganó –por primera vez una película española– la Concha de Oro. 

Víctor Erice (Carranza –Vizcaya–, 1940) andaba por entonces dedicado a la publicidad, después del estreno en 1969 de su primer trabajo extenso, un segmento de la obra colectiva Los desafíos (1969) que había producido Elías Querejeta.  Tras haberse licenciado en ciencias políticas, Erice se formó como cineasta en la EOC (la Escuela Oficial de Cinematografía) de Madrid y compaginó su actividad como crítico desde las páginas de la revista Nuestro cine (1961-1969) con la dirección de cuatro cortometrajes «de aprendizaje» (En la terraza, Entre vías, Páginas de un diario perdido y Los días perdidos) y, finalmente, con su participación como coguionista y ayudante de dirección en El próximo otoño (1963), de Antonio Eceiza, y como guionista en Oscuros sueños de agosto (1967), de Miguel Picazo.

Hay opiniones diversas sobre la génesis de El espíritu de la colmena: una propuesta de Erice a Querejeta, un encargo inicial de la productora...  Lo cierto es que todo giraba inicialmente sobre una «revisión» del mito de Frankenstein, que Erice acababa de conocer en la clásica versión que James Whale había rodado para la Universal en 1931 con Boris Karloff.  Según el testimonio del propio Erice, la esencia del filme de Whale está encerrada en la secuencia de la «criatura» con la niña a orillas del río, que es capaz de despertar en el espectador toda la fascinación y todo el horror del encuentro con lo monstruoso, con el «absoluto» que desafía los límites convencionales.  En la película de Erice es la mirada de una niña de seis años (Ana Torrent) la que descubre a la «criatura» a través de la pantalla improvisada en un pueblo perdido de la Meseta castellana en plenos años cuarenta.

El propio Erice y Ángel Fernández Santos se pusieron a elaborar conjuntamente un guión en el que todos los acontecimientos narrados se presentaban en «flash-back» con ocasión de la visita de Ana, treinta años después, al pueblo de su infancia por la muerte de su padre.  Sin embargo, aunque por unos derroteros y por unas causas muy diferentes a los de El sur (1982) –el siguiente largometraje de Erice–, la factura final de El espíritu de la colmena modifica los planteamientos originales: simplifica esta estructura narrativa y se centra exclusivamente en la peripecia de Ana en la niñez tras su experiencia cinematográfica.  Pero sobre todo, la renuncia –salvo pinceladas puntuales, aunque muy precisas– a referencias históricas explícitas o a apoyos narrativos demasiado obvios, así como el uso magistral de la elipsis y de la metáfora, confieren a El espíritu de la colmena un misterio y una profundidad que la convierten en una obra universal, en algo más que un testimonio sobre la España de la Posguerra.  

A través de la sugerencia, de una poesía sutil que envuelve toda la película, Erice nos lleva al corazón de aquellas gentes que hicieron del silencio, del exilio interior, su forma de sobrevivir a la herida de la guerra.  A través de los ojos de Ana, que persiguen a su «criatura» más allá de los límites de la «colmena», Erice nos habla de España, de los años cuarenta, del miedo, de la añoranza, de la incomunicación y, como hemos aprendido tras ver sus dos trabajos más recientes después de El sol del membrillo (1992) –el cortometraje Alumbramiento (2002) y el mediometraje La morte rouge (2006)–,  de las vivencias de su propia infancia por aquellos años difíciles en los que descubrió el cinematógrafo en las salas del Kursaal de San Sebastián, fascinado y aterrado también por otro monstruo: el asesino de La garra escarlata (1944) de Roy William Neill.

Disfrutaremos, sin duda, de una gran tarde de cine.

Banda Sonora de… La decisión de Sophie

Marvin Hamlisch es un compositor americano, nacido en 1944, en Nueva York, que irrumpió con fuerza en 1973 al convertirse en el primer compositor que ganó en un sólo año los tres Oscar musicales: Tal como éramos, de Sydney Pollack (Mejor partitura original y Mejor canción) y El Golpe, de George Roy Hill (Mejor partitura adaptada).

Después de esta irrupción en el mundo de las bandas sonoras, su carrera ha sido un mucho más discreta, siendo uno de sus últimos trabajos más brillantes la composición del score de El soplón, película dirigida por Steven Soderbergh.  

Marvin Hamlisch

Pero además de los trabajos antes mencionados, cabe destacar la composición que realizó en 1982 para la película “La decisión de Sophie”, filme dirigido por Alan J. Pakula e interpretado por Meryl Streep, Kevin Kline y Peter MacNicol.

Hablamos de una hermosa y sentida partitura que gira en torno a un destacado tema romántico de seis notas, que conoce distintas variaciones a lo largo del filme y con el que el compositor expresa el anhelo de tranquilidad y afecto que siente la protagonista, Sophie (Meryl Streep).

Marvin Hamlisch obtuvo una nominación a los Óscar por esta composición.

Meryl Streep

Además de la música es necesario reconocer la magnífica interpretación de Meryl Streep, que  fue seleccionada por la revista Premiere como la tercera mejor actuación de la historia, sólo superada por Peter O´Toole (Lawrence of Arabia) y Marlon Brando (On the Waterfront) y fue merecedora de un Oscar y un Globo de Oro como mejor actriz, reconocimientos bastante merecidos, teniendo en cuenta lo difícil de este papel y la forma magistral en que Streep conduce el personaje hasta sus últimas consecuencias.

Os propongo que recordéis la preciosa música de esta película con este vídeo que os he preparado. A disfrutar.

Otros Cines...

Ojeando la hemeroteca de una periódico de tirada nacional y con una edición para Sevilla, fui de entrada a la zona por la que comienzo a leerlos, la cartelera de espectáculos, una que no se parece mucho a la que veriamos en la actualidad, y sólo recordada para aquellos que ya superamos la barrera cronológica de los cuarenta... triste realidad.

Comprobe, mejor dicho recorde, aquellos cines que de alguna forma u otra compartieron mi infancia e incluso mi adolescencia cinéfila, lugares emblemáticos por una persona que deseaba ver el mundo a través del cine, y que el mismo le transportaba a otras realidades, y experiencias que sirvieron de aprendizaje, tanto de una cinefilia en potencia como de la vida en general.

Lejos de un sentimiento nostálgico, inevitable por otra parte, seleccione una cartelera de "invierno" y como no, otra de "verano", porque nuestra ciudad era diferente en la exhibición cinematográfica en las dios estaciones del año, se enriquecia por así decirlo con los cines de verano, y nos traian aquellos exitos de otras temporadas, aquellas peliculas que nosotros mismos clasificábamos como de "pelicula de cine de verano".

Pero comenzando por aquellos cines que permanecían todo el año abierto, aquellos en los cuales el verano sólo los modificaba, incluyendo en sus instalaciones la "refrigeración baviera", que nos hacía comprender que allí podriamos distrutar como si de un cine de verano fuese, el estreno de la semana, pero en pleno y tórrido mes de julio.

Casi todos los barrios de Sevilla, los tenían, por supuesto el centro de la ciudad, era donde se acumulaba mayor exhibición, aunque todos las zonas urbanas, por humildes que fuesen, tenían "su cine", incluso uno o dos de verano; el cine era un modo de disfrute familiar, que no superaba la televisión, aunque le hiciese competencia, y no existían ninguna "maquinita infernal" con la que la infancia y adolescencia actual, disfruta en soledad.

Clasificabán la cartelera de cines, en cuatro grandes grupos, las salas de arte y ensayo, las salas de estreno, los llamados "otros cines" o salas de reestreno y por supuesto los cines de verano, hasta 49 salas en época estival.

Entre las salas de arte y ensayo estaban el cine alkazar superama, trajano, bécquer, etc.

Entre las salas de estreno estaban el cine apolo, cervantes, delicias, goya, florida.... etc.

Entre los otros cines estaban el cine maite, rochelambert, juncal, olimpia, etc.

Entre los cines de verano estaban el ideal, cruz rosa, capitolio, candelaria, etc.

¿Los recuerdan?, imagino que algunos lectores recuerdan estas salas, y lo que han sido de ellas; bingos, supermercados, pisos, o la nada más absoluta; lo importante es traer a la memoria cual era el cine de nuestro barrio, que peliculas veniamos al centro a disfrutar, que aprendimos del cine en estas salas, y como cuando pasamos al lado de la zona en la que estaban, inevitablemente nos hace sentir un pequeño pellizco en nuestros sentimientos, y pensamos como ha cambiado la exhibición, como se ha deformado... puede que inevitablemente. 

En la actualidad existen muchas salas, pero con una tediosa repetición de las películas, en todos los multicines exhiben las mismas películas, y para poder visionar algunos estrenos, si es que llegan a la ciudad, tienes que buscar en la cartelera de forma minuciosa donde la estrenan... y cuando la retiran de la cartelera, pero eso es otro cantar.

De cualquier forma disfrutemos de los cines que tenemos en la ciudad, y que por suerte nos llegan muchos estrenos que nunca llegan a otras ciudades más pequeñas.

Los Vengadores, en cartelera

Título original: The Avengers. Dirección: Joss Whedon. País: Estados Unidos. Año: 2012. Duración: 142 min. Género: Ciencia ficción. Superhéroes. Guión: Joss Whedon, basado en un argumento de Zak Penn y Josh Whedon, a partir de los cómics de Stan Lee y Jack Kirby. Producción: Kevin Feige. Música: Alan Silvestri. Fotografía: Seamus McGarvey. Montaje: Jeffrey Ford y Lisa Lassek. Diseño de producción: James Chinlund. Dirección Artística: Benjamin Edelberg, Billy Hunter, Gregory S. Hooper, Jann K. Engel, Randy Moore, Richard L. Johanson. Vestuario: Alexandra Byrne. Estreno en Estados Unidos: 4 Mayo 2012. Estreno en España: 27 Abril 2012.

Intérpretes: Robert Downey Jr. (Tony Stark / Iron Man), Chris Hemsworth (Thor), Scarlett Johansson (Natasha Romanoff / Viuda Negra), Chris Evans (Steve Rogers / Capitán América), Jeremy Renner (Clint Barton / Ojo de Halcón), Cobie Smulders (agente Maria Hill), Samuel L. Jackson (Nick Furia), Mark Ruffalo (Bruce Banner / Hulk), Stellan Skarsgård  (Dr. Erik Selvig), Tom Hiddleston (Loki), Clark Gregg (agente Phil Coulson), Gwyneth Paltrow (Pepper Potts).

Sinopsis:

Un enemigo inesperado amenaza con poner en peligro la seguridad mundial, así que Nick Furia, director de la agencia internacional para el mantenimiento de la paz conocida con el nombre de SHIELD, necesita encontrar urgentemente un equipo que salve al mundo del mayor de los desastres. Basada en el famoso cómic que se publicó por primera vez en 1963, “Los Vengadores” reúne a los superhéroes más emblemáticos de Marvel y será la primera vez que aparezcan todos juntos en la gran pantalla.

Los Vengadores al completo

Calificación: 5, Mediana.

Lo mejor de la película: La espectacularidad de la batalla final y la dirección artística. Las intervenciones de Hulk, que está interpretado por el propio Mark Ruffalo gracias a la tecnología de la captura de movimientos.

Lo peor de la película:  El arranque de la película es excesivamente lento, ya que se recoge el reclutamiento de cada componente del equipo. A pesar de esto, si se está pez en el tema, como es el caso, no se llega a identificar a personajes menos conocidos como Ojo de Halcón o Viuda Negra. La valoración de la película ganará, sin duda, si se es aficionado al universo Marvel.

Tráiler de la película: