jueves, 31 de enero de 2013

Lincoln, de Steven Spielberg




Título original: Lincoln. Dirección: Steven Spielberg. País: USA. Año: 2012. Duración: 150 min. Género: Biopic, drama, histórico. Guión: Tony Kushner, John Logan y Paul Webb; inspirado en el libro “Team of rivals: The political genius of Abraham Lincoln”, de Doris Kearns Goodwin. Producción: Kathleen Kennedy y Steven Spielberg. Música: John Williams. Fotografía: Janusz Kaminski. Montaje: Michael Kahn. Diseño de producción: Rick Carter. Vestuario: Joanna Johnston. Estreno en USA: 16 Noviembre 2012. Estreno en España: 18 Enero 2013.
Intérpretes: Daniel Day-Lewis (Abraham Lincoln), Tommy Lee Jones (Thaddeus Stevens), Sally Field (Mary Todd Lincoln), Joseph Gordon-Levitt (Robert Lincoln), David Strathairn (William H. Seward), Tim Blake Nelson  (Richard Schell), James Spader (W.N. Bilbo), Lee Pace (Fernando Wood), Jackie Earle Haley (Alexander Stephens), Hal Holbrook (Preston Blair), John Hawkes (Robert Latham), Bruce McGill (Edwin Stanton), Jared Harris (general Ulysses Grant).
 
Sinopsis:
En 1865, mientras la Guerra Civil Americana se acerca a su fin, el presidente Abraham Lincoln propone la instauración de una enmienda que prohíba la esclavitud en los Estados Unidos. Sin embargo esto presenta un gran dilema: si la paz llega antes de que se acepte la enmienda, el Sur tendrá poder para rechazarla y mantener la esclavitud; si la paz llega después, cientos de personas seguirán muriendo en el frente. En una carrera contrarreloj para conseguir los votos necesarios, Lincoln se enfrenta a la mayor crisis de conciencia de su vida.

Daniel Day-Lewis
 

Calificación: 8, Muy Buena.
Lo mejor de la película: La dirección del maestro Spielberg, conocedor del cine americano, sabe en todo momento en la empresa que se mete, en este caso, una película que emocionará y cautivará al público americano y un poco menos al europeo. Técnicamente insuperable, fruto de un gran presupuesto. En el terreno humano, extraordinarias interpretaciones a cargo del camaleónico Day-Lewis (casi seguro su 3º óscar), la inmensa Sally Field y el impresionante trabajo del gran Tommy Lee Jones.
Lo peor de la película: La estupenda dirección de Spielberg es absolutamente clásica, por lo que la narración no presenta ninguna sorpresa o novedad al respecto. En cuanto a la trama, puede resultar algo lenta, sobre todo, a los espectadores no americanos.
 
Trailer de la película:

martes, 29 de enero de 2013

Copy Shop, de Virgil Widrich


COLECCIÓN DE CORTOS PROYECTADOS EN EL TALLER DE CINE


Título original: Copy Shop. Dirección: Virgil Widrich. País: Austria. Año: 2001. Duración: 11 minutos. Guión: Virgil Widrich. Producción: Virgil Widrich Film und Multimediaproducktions. Dirección de Arte: Joachim Luetke. Fotografía: Martin Putz, en blanco y negro. Montaje: Virgil Widrich. Sonido: Alexander Zlamal. Música: Alexander Zlamal.

Intérpretes: Johannes Silberschneider, Elisabeth Ebner-Haid.
                       
Sinopsis: Un hombre empleado en una tienda de reprografía hace accidentalmente una copia de su propia mano, un simple error que conduce a que la fotocopiadora cobre vida propia y comience a crear de forma descontrolada copias de su propia persona.

Consideraciones: No se trata sólo de un guión muy original, sino que tiene además unos excelentes efectos visuales conseguidos gracias a un arduo trabajo de ocho meses: se rodaron en vídeo 18.000 fotogramas que después se fotocopiaron y manipularon para volver a filmarlos.

Prestar atención: A la laboriosidad técnica de carácter artesanal, más meritoria que si hubiera sido una duplicación por ordenador. El tratamiento de la imagen recuerda mucho al de una copia impresa y los efectos introducidos, a los de una fotocopiadora, con lo que se refuerza el hilo argumental. Se nos transmite un mensaje pesimista: todos somos intercambiables; estamos abocados a la alienación y a la pérdida de personalidad; y si hay algún intento de rebelión para cambiar esto, sólo queda la caída definitiva y la disolución en la masa.


domingo, 27 de enero de 2013

El lado bueno de las cosas, de David O. Russell



 
Título original: Silver linings playbook. Dirección: David O. Russell. País: USA. Año: 2012. Duración: 122 min. Género: Comedia dramática, romance. Guión: David O. Russell; basado en la novela de Matthew Quick. Producción: Bruce Cohen, Donna Gigliotti y Jonathan Gordon. Música: Danny Elfman. Fotografía: Masanobu Takayanagi. Montaje: Jay Cassidy y Crispin Struthers. Diseño de producción: Judy Becker. Vestuario: Mark Bridges. Estreno en USA: 25 Diciembre 2012. Estreno en España: 25 Enero 2013.
Intérpretes: Bradley Cooper  (Pat), Jennifer Lawrence (Tiffany), Robert De Niro (Sr. Pat), Jacki Weaver  (Dolores), Chris Tucker (Danny), Julia Stiles (Veronica), Shea Whigham (Jake), John Ortiz (Ronnie).
 
Sinopsis:
Tras pasar ocho meses en una institución mental por agredir al amante de su mujer, Pat (Bradley Cooper) vuelve con lo puesto a vivir en casa de sus padres (Robert De Niro y Jacki Weaver). Determinado a tener una actitud positiva y recuperar a su ex-mujer, el mundo de Pat se pone del revés cuando conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence), una chica con ciertos problemas y no muy buena fama en el barrio. A pesar de su mutua desconfianza inicial, entre ellos pronto se desarrollará un vínculo muy especial que les ayudará a encontrar en sus vidas el lado bueno de las cosas.
 
Jennifer Lawrence y Bradley Cooper
 
Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: La turbadora presencia en escena de Jennifer Lawrence, muy bien dirigida por Russell, junto a un reparto de altura. Lo más preferido es el estupendo número musical, a ritmo de baile, con que nos deleita los protagonistas.
Lo peor de la película: Un final decepcionante, algo previsible y demasiado edulcorado. Se podían haber ahorrado el episodio de “partido” de fútbol/beisbol. La cinta se estira demasiado hasta las dos horas de duración.
 
Trailer de la película:
 
 

viernes, 25 de enero de 2013

Adiós a Fernando Guillén





«Nací al cine con 7 años viendo "Horizontes perdidos"»

 
Voz luminosa, efigie de roble clásico, dicción perfecta, imprescindible Don Juan en blanco y negro de los infiernos al cielo, intérprete de la memoria cinematográfica, televisiva y teatral española de los últimos sesenta años, luchador eterno por la modernización de la escena frente a la mordaza del franquismo, Fernando Guillén se sentía un privilegiado como actor porque desde su bendita coherencia sostenía que «tenemos la inmensa suerte de que nos pagan por jugar». Su muerte, después de una larga enfermedad, ha encogido el corazón de sus admiradores, que son legión. Fernando Guillén talló su muesca en centenares de obras en teatro, cine y televisión, además de incardinar su voz al doblaje de inolvidables personajes.

Fernando Guillén nació en Barcelona en noviembre de 1932. Al cine se enganchó a los siete años viendo «Horizontes perdidos», de Frank Capra. Tras concluir el bachillerato, se matriculó en la Universidad de Madrid para estudiar Derecho, pero comenzó a colaborar en algunas obras de las que se representaban en el Teatro Español Universitario, como «Tres sombreros de copa» (1952), de Miguel Mihura, o «Escuadra hacia la muerte» (1953), de Alfonso Sastre, lo cual le hizo descubrir su vocación de intérprete y abandonar la carrera. En aquella época coincidió con jóvenes y barbilampiños talentos como Adolfo Marsillach, Agustín González y Juanjo Menéndez.

En la década de los cincuenta, Fernando Guillén se enroló en las mejores filas: en las compañías de Fernando Fernán-Gómez, y de Conchita Montes. «Proceso a Jesús», «Réquiem por una mujer», «Un soñador para un pueblo» o «Muerte de un viajante» fueron algunas de las obras maestras que interpretó. En los años sesenta siguió protagonizando obras muy prestigiosas, como «Divinas palabras», «La dama del alba», «Deseo bajo los olmos», «Pigmalión», «Madre coraje» o «Seis personajes en busca de autor».



 
A finales de la década sesentera, Guillén formó su propia compañía teatral, junto con su esposa, la también actriz Gemma Cuervo, de cuya unión nacieron los también actores Fernando y Cayetana, además de otra hija, Natalia.

Excelso doblador, Fernando Guillén se hizo imprescindible en televisión y cine, donde comenzó con «Un día perdido», de José María Forqué. En la pequeña pantalla consolidó su carrera como actor desde finales de los cincuenta, debutando cuando el nuevo mueble parlanchín del saloncito de casa principiaba en España, en 1958; ese año, Fernando Guillén trabajó en la adaptación de «Pesadilla», de William Irish, bajo las órdenes de Juan Guerrero Zamora. En el programa Estudio 1 de TVE representó numerosas obras, al igual que en el espacio Novela, junto con su mujer Gemma Cuervo («Levántate y lucha», «Marie Curie» o «El fantasma de doña Juanita», entre otras).

Más tarde, en la pequeña pantalla, encarnaría a personajes en series como «Historias para no dormir», de José Luis Garci; «La saga de los Rius», «Brigada Central», «Los jinetes del alba», «Inquilinos», «Hospital Central», «Motivos personales» o «Los misterios de Laura». En Berlín había cazado un oso de oro televisivo con «Un mundo sin luz». De esas tinieblas le sacó «La saga de los Rius», inolvidable. Así le «contrataron», en un ascensor, con dos tipos de negro que se dieron la vuelta y le preguntaron si había nacido en Barcelona:
 


 
Fernando Guillén fue un rostro habitual en las inolvidables creaciones de Adolfo Marsillach, Alberto González Vergel o Pilar Miró. También su participación en la adaptación de la obra de José Zorrilla, Don Juan Tenorio.

Hace un lustro, en el Teatro Español -donde debutó con José Tamayo-, con «El vals del adiós», Fernando Guillén anunció su retirada de las tablas, del arte de Talía, a los 75 años de edad. Prefirió seguir dedicándose al cine y la televisión «porque exigen menos compromiso y esfuerzo», confesaba. Y abundaba: «La memorización de los textos es cada vez más complicada y los ensayos más duros, porque en el cine y la televisión tienen la dureza del ratito, pero los tres meses que dura una obra de teatro son muy especiales». Fernando Guillén encarnaba a Louis Aragón, un hombre sentado ante un escritorio, que repasando una carta plasmaba todos los instantes de su vida y mezcla su dolor, su rabia y su desazón, con el humor sórdido y mordaz de los años que precedieron a su suicidio. «Es el propio autor el que lee y relee esa carta antes de mandarla para su publicación, y se angustia porque está solo, ya que hacía dos años que había perdido a su mujer. Es una epístola de despedida en la que refleja sus contradicciones y hace una premonición de su propio suicidio», reflexionaba Fernando Guillén.

Y ¿cómo le descubrió el cine? Así lo revelaba en sus confesiones a TVE: «Nada más iniciada la Transición, dejé de hacer teatro porque el cine me descubrió gracias a una película de serie B muy barata, que protagonizábamos mi querido Agustín González y yo, “El caso Almería”, se titulaba, y que tocaba un tema muy sangrante y duro -se metía con la Guardia Civil- y tuvo una resonancia muy grande. Estuvo como quince años sin hacer teatro y luego regresé intentando respetar mi misma línea».

En cine, Fernando Guillén participó con regularidad a partir de los años 80 y 90, bajo la dirección de Fernando Fernán-Gómez, de Pedro Almodóvar en «Mujeres al borde de un ataque de nervios», «La ley del deseo» o «Todo sobre mi madre»; «El abuelo», «You're the one», «Tío vivo», «La herida luminosa»...con José Luis Garci; «La noche oscura», con Carlos Saura; «Más allá del jardín», junto a Concha Velasco; o con anterioridad en producciones como «El pico II», «La estanquera de Vallecas», o «El mar y el tiempo». Además, ha trabajado a las órdenes de José María Forqué, Pedro Lazaga, Imanol Uribe, Gonzalo Suárez y Álex de la Iglesia. «La telaraña», «Tirano Banderas», «Acción mutante», «La nave de los locos». «Operación Fangio» o «El florido pensil» forman parte de la filmografía de tan extraordinario y querido actor, que bordó así la enfermedad de Alzheimer en «Otros días vendrán»:

Fernando Guillén en "Don Juan de los Infiernos"
 
Fernando Guillén fue tres veces candidato al Premio Goya: al final obtuvo el preciado cabezón goyesco con la película «Don Juan en los Infiernos», que también le supuso un Fotogramas de Plata, junto a otros dos filmes, «Martes de Carnaval» y «¿Qué te juegas Mari Pili?». Por «La Saga de los Rius» le fue concedido el TP de Oro, todo ello entre muchos otros galardones y reconocimientos, como el premio Ercilla. Su última interpretación fue un cortometraje de la sevillana Celia Rico titulado "Luisa no está en casa" junto con Asunción Balaguer. «Pero eso de los premios los tengo un poco olvidados...» Jamás olvidó su privilegiada coherencia, de la que era paladín Fernando Guillén, el inolvidable actor de voz y mirada luminosa. Descanse en paz.

jueves, 24 de enero de 2013

Jack Reacher, de Christopher McQuarrie

 


Título original: Jack Reacher. Dirección: Christopher McQuarrie. País: USA. Año: 2012. Duración: 130 min. Género: Thriller. Guión: Josh Olson y Christopher McQuarrie; basado en la novela “Un disparo”, de Lee Child. Producción: Don Granger, Gary Levinsohn y Kevin J. Messick. Música: Joe Kraemer. Fotografía: Caleb Deschanel. Montaje: Kevin Stitt. Diseño de producción: James D. Bissell. Vestuario: Susan Matheson. Estreno en USA: 21 Diciembre 2012. Estreno en España: 11 Enero 2013.
Intérpretes: Tom Cruise (Jack Reacher), Rosamund Pike (Helen), Richard Jenkins  (Rodin), Werner Herzog (el Zec), David Oyelowo (Emerson), Robert Duvall  (Cash), Jai Courtney (Charlie), Alexia Fast (Sandy).
 
Sinopsis:
Jack Reacher (Tom Cruise), un antiguo policía militar que vive semiescondido como un vagabundo y que trabaja por su cuenta, decide investigar el caso de un francotirador que ha sido acusado de matar, por puro azar, a cinco personas en un tiroteo. Al ser interrogado, el francotirador se declara inocente y, además, exige la presencia de Jack Reacher.
 
Tom Cruise
 

Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: Otra película más de “hostias y tiros” de Tom Cruise. A sus 50 años se ha convertido en un actor mítico de películas de este género. Filme recomendado a los amantes del cine de acción, no les defraudará. Atentos, lo mejor de la peli está en sus 5 primeros minutos, donde por cierto, no sale Cruise. Fantástica la edición del sonido y el montaje.
Lo peor de la película: Un actor con quince años menos le vendría mejor el papel de Reacher, pero claro, no sería Tom Cruise. Y la gente va al cine a verlo a él. Pues venga, a empacharse con él.
 
Trailer de la película:
 
 

martes, 22 de enero de 2013

Pintura y Cine: Van Gogh, en Linterna Mágica





Esta tarde tenemos una nueva cita en CICUS.

En esta ocasión, Linterna Mágica apuesta por una actividad donde se dan la mano dos disciplinas artísticas: La Pintura y el Cine. Todo ello en torno a la figura de Vicent Van Gogh.

La actividad comenzará a las 18,00 horas con una conferencia a cargo de D. Juan Ramón Barbancho, quien resaltará diferentes aspectos de la figura de este pintor que se muestran en la película “El loco del pelo rojo”.

Tras la conferencia, proyectaremos esta gran película dirigida por Vicent Minelli en el año 1956 y que cuenta con una de las mejores interpretaciones de Kirk Douglas.

Al finalizar la proyección, cerraremos la actividad con un breve debate, donde todos los asistentes podrán compartir junto a D. Juan Ramón Barbancho sus curiosidades sobre la película y el pintor.   

Sin lugar a dudas, la película es una magnifica reconstrucción biográfica de uno de los mayores genios de la pintura de todos los tiempos. El siempre atormentado Vincent Van Gogh, es interpretado a la perfección por un Kirk Douglas que sabe destilar en cada gesto la angustia vital del personaje, cuyos cuadros alcanzaron cifras millonarias muchos años después de su muerte (solo consiguió vender una obra en vida).


Por otro lado, Anthony Quinn está enorme en su interpretación de Paul Gaugin, al que sabe dar ese aire arrogante y pendenciero, tan alejado del humilde y retraído Vincent.

Los hechos biográficos van mezclándose sabiamente con imágenes de sus cuadros más famosos.

Otro Vincent, Minelli, se muestra como uno de los grandes maestros del color en el cine, consiguiendo un film de una enorme belleza visual.

Si alguien desea conocer a fondo al "loco del pelo rojo", no tiene más que leer "Cartas a Theo" y ver esta gran película.

Os esperamos a todos/as en CICUS. No faltéis.
 
 
 

lunes, 21 de enero de 2013

Amor es todo lo que necesitas, de Susanne Bier




Título original: Den skaldede frisør. Dirección: Susanne Bier. Países: Dinamarca e Italia. Año: 2012. Duración: 112 min. Género: Comedia romántica. Guion: Anders Thomas Jensen. Producción: Sisse Graum Jorgensen y Vibeke Windelow. Música: Johan Söderqvist. Fotografía: Morten Søborg. Montaje: Pernille Bech Christensen y Morten Egholm. Diseño de producción: Peter Grant. Vestuario: Signe Sejlund. Estreno en Dinamarca: 6 Septiembre 2012. Estreno en España: 21 Diciembre 2012.
Intérpretes: Pierce Brosnan (Phillip), Tryne Dyrholm (Ida), Kim Bodnia (Leif), Molly Blixt Egeling (Astrid), Paprika Steen (Benedikte), Sebastian Jessen (Patrick).
 
Sinopsis:
Dos familias se reúnen en la localidad italiana de Sorrento para asistir a una boda. Philip, un hombre de negocios dedicado a la venta de verduras, e Ida, una mujer enferma de cáncer que ha perdido el pelo y ha dejado a su marido son los protagonistas.

Sebastian Jessen y Pierce Brosnan

Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: No se esperaba menos de Bier, después de su óscar en Hollywood (En un mundo mejor). No nos dejemos engañar por la etiqueta que le ponen algunos a la película: ”comedia romántica”. Esta película es mucho más que eso. Nos sorprende el poder que tiene Bier de definir y perfilar un mosaico de personajes interesantísimos para conocer.  Unos exteriores maravillosos (sur de Italia) y una música muy afortunada.
Lo peor de la película: El previsible final entre Ida y Phillip, no así el de otros personajes.
 
Trailer de la película:
 
 

domingo, 20 de enero de 2013

El Blog de Cine “Sevilla Cinéfila”, Premio Asecan Labor Informativa 2013

 


La prestigiosa Asociación de Escritoras y Escritores Cinematográficos de Andalucía, ASECAN, que aglutina a la mayoría de los escritores y críticos cinematográficos de Andalucía, ha dado a conocer recientemente los premios ASECAN-SGAE 2013. Premios del Cine Andaluz.

Este año el Premio Asecan a la Labor Informativa ha recaído en nuestra amiga Carmen Jiménez.

El acto de la entrega de premios será el próximo 2 de febrero.

Carmen lleva treinta años publicando entrevistas, artículos y críticas cinematográficas en revistas de información general o especializada. Textos suyos han aparecido en publicaciones como Torneo, La Ilustración Regional, Travelling, Mujer Emprendedora, Meridiana o Fotogramas.

Además, se ha encargado también de coordinar numerosas actividades vinculadas con el séptimo arte, como colaboradora de la Filmoteca de Andalucía o de La Casa del Libro, donde actualmente organiza la tertulia ‘La Palabra y la Imagen’.


Carmen Jiménez en su tertulia de "La Casa del Libro"


Su blog, Sevilla Cinéfila, intenta unir, en sus propias palabras, “la libertad del formato con una visión exigente del hecho cinematográfico”, para ofrecer una mirada crítica, alternativa y poco convencional sobre el cine.

Desde nuestra Asociación le damos la enhorabuena por tan distinguido premio. No podemos estar más de acuerdo con esta merecida distinción y, desde aquí reconocemos la extraordinaria labor cinéfila que realiza Carmen en nuestra ciudad.

Deseamos que compartas esta alegría con tus familiares (Concha, Alberto, muy cinéfilos/as también) y amistades.

Gracias, Carmen, por ser un referente cinéfilo en nuestra ciudad.

sábado, 19 de enero de 2013

Temporada 92-93, de Alejandro Marzoa

COLECCIÓN DE CORTOS PROYECTADOS EN EL TALLER DE CINE

Carlos Blanco con la quiniela de la discordia

Título original: Temporada 92-93. Dirección: Alejandro Marzoa. País: España. Año: 2006. Duración: 11 minutos. Guión: Alejandro Marzoa y Miguel Ángel Blanca. Producción: Gerard Marcó/Escándalo Films. Dirección de Arte: Lesley Arias. Fotografía: Víctor Rius. Montaje: Marta Bonet. Sonido: Cristian Subirà. Música: Lori Meyers.

Intérpretes: Carlos Blanco, Miguel de Lira, Inma Ochoa, Marisa Duaso, Roger Vilà, Eduard Cazorla.
                       
Sinopsis: Cuando es el cumpleaños de tu hijo y quedan diez minutos para que se acabe la liga, y tu equipo está a punto de bajar a Segunda... lo único que te queda, es quedarte pegado al transistor y que alguien, que sufre tanto como tú... nunca, bajo ningún concepto... te abandone.

Consideraciones: Éste fue el primero de los cortometrajes realizados por Alejandro Marzoa. Luego vendrían Padre Modelo, Cucharada y Amistad. Su primer largometraje, Somos gente honrada, está a la espera de su estreno.

Prestar atención: Al tema que planea de fondo, idealismo frente pragmatismo, una elección difícil cuando interviene un asunto que levanta pasiones como es el caso del fútbol en nuestro país. Contó con la desinteresada colaboración de Paco González y Pepe Domingo Castaño en la retransmisión ficticia, ya que ese partido del Celta de Vigo no existió. Un guión sencillo que incluye un retrato algo desfasado de la relación de las mujeres con el fútbol.

Miguel de Lira y Carlos Blanco


viernes, 18 de enero de 2013

Linterna Mágica visita la exposición en Sevilla de Agnes Varda

 
 

 

El viernes, 18 de enero, a las 18´00 horas los/as socios/as de "Linterna Mágica" visitaremos esta preciosa exposición de la gran Agnés Varda.

Agnès Varda, considerada la madre de la nouvelle vague por los críticos y convertida ahora en figura de referencia para el movimiento antiglobalización, no ha perdido un ápice del empuje que desde hace medio siglo le lleva a reflejar “las contradicciones del mundo”. A sus 84 años, la cineasta belga inauguró el 30 de octubre en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) de Sevilla su primera exposición individual en España. Las dos orillas de Agnès Varda, donde reúne instalaciones, fotografías y películas de 1956 a 2009.

“Los gatos tienen siete vidas, yo tengo tres: fotógrafa, cinematógrafa y artista, y en esta exposición me siento totalmente reconocida”, comentó durante la presentación de su exposición en Sevilla Agnès Varda, autora de películas de culto como Cleo de 5 a 7 (1962), Sin techo ni ley (1985) o su última cinta Las playas de Agnès (2008), una autobiografía fílmica y personal en la que el mar es el protagonista.

En su faceta de artista plástica, en la que se ha volcado desde 2000, Varda sintetiza todo su bagaje creando piezas cargadas de poética y de verdad como la video-instalación Las viudas de Noirmoutier (2005). “Estamos frente a viudas que viven en una isla, por lo que están doblemente solas. En esta obra he querido que cada espectador se enfrente a la verdad de cada mujer solo —la pieza es un retablo con 14 pantallas y otros tantos auriculares en la que las mujeres cuentan su historia—. Es una obra en la que he podido hacer todos mis oficios y en la que, especialmente los hombres, pueden imaginarse la vida interior de su propia madre en una situación muy particular”, explica la artista a quien el Festival de Cine Europeo de Sevilla 2012 ha concedido un premio a su trayectoria y proyectará 19 de sus obras, entre cortos, largos y documentales.


Para la creadora belga no existen los límites entre realidad y ficción. “La temática del mar me apasiona, he vivido muchos años cerca del mar por eso hemos incluido la instalación Orilla del mar (2009) que es una percepción de la vida dentro de tres sistemas: una reproducción fotográfica sobre la que se proyecta una ola filmada y, después, arena que es la realidad de la vida. Es una reflexión sobre cuál de los tres es mi oficio”, explicó la creadora, que actualmente prepara una integral de su toda su filmografía.

A Varda no le gustan los límites y, menos aún, la delgada línea que separa realidad y ficción en el cine. “Para mí la frontera entre documental y ficción no existe realmente, mi espíritu trabaja continuamente entre ambas siempre como consecuencia de las contradicciones del mundo”. “El arte nos ayuda a vivir”, añadió.

“Filmo gente verdadera pero, al mismo tiempo, investigo, intento construir el cine con materia real. Es decir, que la estructura del cine me interesa tanto como la realidad de las personas”, comenta la autora del documental Panteras Negras (1968) o del vídeo Hola, cubanos (1962-1963) realizado a partir de 1.800 fotografías que tomó en la isla. Ambos pueden verse en la muestra hasta el 31 de marzo junto a otras obras como Respuesta de mujeres (1975), un alegato feminista en el que las mujeres dejan claro que quieren redefinir su papel en la sociedad y no ser tratadas solo como objeto del deseo en la publicidad o como castas madres y amas de casa.

“Los cineastas no somos fabricantes de divertimento, este es un oficio de artesanos. Aunque eso no quiere decir que vayamos a aburrir a la gente, la divertimos también pero el objetivo no es hacer un espectáculo y ganar mucho dinero”, apuntó la artista y directora de cine quien, durante la presentación de su muestra, intercaló parrafadas en español, idioma que aprendió cuando, en los 50, pasó un año estudiando Bellas Artes en España.
 
Agnès Varda en la exposición del C.A.A.C.

jueves, 17 de enero de 2013

Volver a nacer, de Sergio Castellitto



 
Título original: Venuto al mondo. Dirección: Sergio Castellitto. Países: Italia, España y Croacia. Año: 2012. Duración: 124 min. Género: Drama, romance. Guión: Sergio Castellitto y Margaret Mazzantini; basado en la novela “La palabra más hermosa”, de Margaret Mazzantini. Producción: Sergio Castellitto y Roberto Sessa. Música: Eduardo Cruz. Fotografía: Gianfilippo Corticelli. Montaje: Patrizio Marone. Diseño de producción: Francesco Frigeri. Vestuario: Sonu Mishra. Estreno en Italia: 8 Noviembre 2012. Estreno en España: 11 Enero 2013.
Intérpretes: Penélope Cruz (Gemma), Emile Hirsch (Diego), Adnan Haskovic (Gojko), Pietro Castellitto (Pietro), Saadet Aksoy (Aska), Luca De Filippo (Armando), Sergio Castellitto (Giuliano), Mira Furlan (Velida), Jane Birkin (psicóloga), Jovan Diviak (Jovan).
 
Sinopsis:
Diego (Emile Hirsch) y Gemma (Penélope Cruz) sienten un inmenso amor el uno por el otro. Sin embargo, la imposibilidad de concebir un hijo empaña la felicidad de la pareja y convierte la maternidad de Gemma en una obsesión. En el entorno más hostil, una Sarajevo destruida por la guerra, el destino acabará ofreciéndoles de la manera más cruel e inesperada ese hijo que desean. Años más tarde, Gemma regresa a Sarajevo con su hijo, Pietro, para asistir a una exposición en memoria de las víctimas del asedio que incluye fotografías de Diego, y tendrá que enfrentarse a su pasado.
 
Emile Hirsch y Penélope Cruz
 
Calificación: 4, Deficiente.
Lo mejor de la película: La efímera presencia de Jane Birkin. El reparto principal hace lo que puede, que es bastante poco.
Lo peor de la película: Un montón de cosas, pero sobre todo, el guión. ¡Menudo folletín! Basado en una novela de su propia mujer, Sergio Castellitto se empeña en un proyecto megalomaníaco que naufraga a cada instante. Demasiado metraje, mala música y una de las peores interpretaciones de Penélope Cruz.   
 
Trailer de la película:
 
 

martes, 15 de enero de 2013

Les Girls, un musical de George Cukor




Historia de un grupo de tres encantadoras chicas cantantes que descubren que sus románticas aventuras tomaron un camino previsto ya en su época de esplendor. La explosiva combinación de Barry -Gene Kelly-, Angele -Taina Elg-, Joy -Mitzi Gaynor- y Sybil -Kay Kendall- componían los miembros de Barry & Les Girls, un popular grupo de cabaret europeo. Años después, el grupo se disolvió. Una demanda por la publicación de escandalosas revelaciones de los componentes llevará a los antiguos componentes del grupo ante un juicio.
 
La gran mayoría de musicales clásicos acostumbran a tener una trama muy floja, simple pretexto o coartada para encajar el plato fuerte y razón de ser del film, los números musicales. De vez en cuando sí se logra el equilibrio perfecto entre la parte "hablada" y la "cantada/bailada" ("Cantando bajo la lluvia" resulta el ejemplo más paradigmático, y es ahí donde creo que reside su grandeza). En "Las Girls" —como curiosamente ocurre también en el melodrama "Ha nacido una estrella", del propio Cukor—, asistimos a un caso atípico, ya que se trata más bien de una estupendísima alta comedia, con un magnífico guión, aderezada con algunos números; incluso varios de ellos, en lugar de nacer de la "irrealidad" que caracteriza al género, forman parte diegética de la trama: se trata de las chicas del título en el ejercicio de su profesión. Forzando un poco las cosas, esta historia podría incluso no haber sido un musical.
 

Mitzy Gaynor


Ello no quita que los números estén plenamente integrados en el film —hacen avanzar la acción—, lo que justifica su presencia, y que algunos de ellos resulten antológicos. Especialmente, la parodia de "Salvaje" con Kelly y Mitzi Gaynor, o el cómico titulado "You’re Just Too, Too", con Kelly y Kay Kendall. Gene Kelly, además, explora como nunca sus posibilidades expresivas y coreográficas, sobrepasando con creces el típico claqué con el que se le asocia, y llegando plenamente al concepto de danza moderna tal como lo entendemos hoy.
 
Como se sabe, la estructura argumental se asemeja a la de "Rashomon", con los diferentes personajes dando su versión sobre un mismo caso. Pero incluso me atrevería a decir que su reflexión filosófica de fondo sobre la verdad y la mentira supera la del mítico film japonés, ya que Kurosawa se decanta más por dejar en evidencia la intencionalidad patente y maliciosa de algunos personajes en ofrecer una versión de acuerdo con sus intereses, mientras que aquí cada uno está firme e ingenuamente convencido de "su" verdad, lo que en última instancia nos habla de los límites de la subjetividad y la relatividad de la mirada de una manera más diáfana y, a la vez, más abstracta.

Fotograma de Les Girls
 
Es importante dejar bien claro que la posible pretenciosidad del párrafo anterior corresponde a las elucubraciones que la película puede provocar a posteriori, en su evocación, pero mientras transcurre ante nuestros ojos no contiene asomo alguno de pedantería. Bien al contrario, tal como expresaba al principio, nos sumerge en una deliciosa, burbujeante y sofisticada comedia, donde la sonrisa perpetua está garantizada. George Cukor demuestra su pleno, elegante y exquisito dominio de la puesta en escena, en majestuoso cinemascope, mientras que el elenco aparece en estado de gracia. Particularmente, destacamos a la malograda Kay Kendall, digna sucesora de Carole Lombard como finísima y genial comediante, que llega al cénit de la comicidad con una desternillante e impagable escena de borrachera.
 
Recordemos este maravilloso musical con parte de uno de los mejores números musicales: