jueves, 31 de mayo de 2012

Mujeres, de George Cukor, en Chicarreros




Esta tarde, a las 18,00 horas, disfrutaremos de una nueva actividad de “Linterna Mágica” en colaboración con la Obras Social de Cajasol.
En la magnífica Sala Chicarreros (Pza. de San Francisco) tendremos la ocasión de asistir a la proyección de la película “Mujeres”, del maestro Cukor, seguida de una apasionante Mesa Redonda.  

Corría el año 1939 cuando George Cukor fue despido de la dirección de “Lo que el viento se llevó”. Fue su gran amigo y, productor del proyecto, David O. Selznick quien le comunicó su despido. La causa era conocida por todos, la clara tendencia homosexual de Cukor chocó con la homofobia del galán de turno, Clark Gable. El famoso actor impuso al productor el despido de Cukor como condición para seguir protagonizando la película. Gable consideraba a Cukor simplemente “un director de mujeres”. Selznick tuvo que elegir y, en una época en la que la gente iba al cine a ver a sus estrellas, la decisión fue clara.

 

La homosexualidad de Cukor era un secreto a voces, aunque él nunca lo ocultó, era muy discreto. Comentarios de la prensa del momento decían que era un director capaz de acariciar a varias mujeres con la cámara al mismo tiempo, pero no de hacerles el amor, como era costumbre en otros muchos directores. Cukor, un hombre que no era para nada rencoroso, empleó una sonada venganza contra el sistema, y lo sirvió como una sofisticada cena fría.

 

Ese mismo año dirigió “Mujeres”, un film con un reparto de grandes actrices y ni un solo hombre entre ellas. “Mujeres” fue un enorme éxito de taquilla, con unas criticas magnificas, y grandes reseñas a todas las actrices que intervinieron, la película recaudó mucho dinero, y el nombre de George Cukor volvió a subir. Fue una forma elegante muy de su estilo y así el maestro hizo callar muchos chismes, y sobre todo olvidó por momentos la humillación de su antiguo amigo, ya jamás volvería a reunirse con Selznick, la jugada con “Mujeres” y su enorme éxito, aunque él lo denominó como suave escarnio, de un hombre a quién echaron a patadas del espectáculo más grande del mundo que sería Lo que el viento se llevó. George Cukor jamás lamía las botas de nadie, aunque éste fuera su mejor amigo..
 

Sobre su relación con las mujeres, una de sus mejores amigas, Katherine Hepburn afirmó que “era el hombre perfecto, el ideal de todas las mujeres. No existía una sola actriz en aquellos tiempos que no amara de una forma u otra a George, todas le buscábamos, era un honor tenerle cerca. Derrochaba ternura, amabilidad, ingenio y un cierto aire de amante, padre, o ese amigo que todas en sueños anhelábamos. Spencer y yo le adorábamos. Si tuviera que crear mi hombre, sin duda tendría los rasgos de él. Las habladurías que poblaban Hollywood nunca me interesaron, fueran ciertas o no, con nosotros, y en especial conmigo, fue un excelente confidente, un amigo leal y un hombre íntegro".   

 

Y, de momento, nada más, sobre esto y muchas cosas más hablaremos en la Mesa Redonda que continuará a la proyección de “Mujeres”, así pues, todos corriendo a Chicarreros.  

George Cukor y las protagonistas de "Mujeres"

miércoles, 30 de mayo de 2012

Starbuck, de Ken Scott




Título original: Starbuck. Dirección: Ken Scott. País: Canadá. Año: 2011. Duración: 103 min. Género: Comedia. Guión: Ken Scott y Martin Petit. Producción: André Rouleau. Música: David Lafléche. Fotografía: Pierre Gill. Montaje: Yvann Thibaudeau. Dirección artística: Danielle Labrie. Vestuario: Sharon Scott. Estreno en Canadá: 27 Julio 2011. Estreno en España: 25 Mayo 2012.
Intérpretes: Patrick Huard (David Wozniak), Julie LeBreton (Valérie), Antoine Bertrand (abogado), Dominic Philie (hermano mayor), Marc Bélanger (hermano menor), Igor Ovadis (padre de David), Patrick Martin (Étienne), David Michael (Antoine).
Sinopsis:
A sus 42 años, David sigue viviendo como el eterno adolescente. Sortea con el mínimo esfuerzo los escollos de la vida y mantiene una relación complicada con Valérie, una joven policía. Ésta le comunica que está embarazada justo cuando David se encuentra de golpe con su pasado. Fruto de sus donaciones de esperma veinte años atrás, descubre que es padre de 533 hijos, de los cuales 142 quieren conocerle. Han emprendido una acción legal conjunta para que se revele la identidad de su padre biológico, de quien hasta entonces sólo conocen su seudónimo: Starbuck.


Patrick Huard

Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: El ritmo de la comedia y los diálogos hilarantes. La simpatía que derrocha Patrick Huard interpretando el personaje.
Lo peor de la película: El happy end típico de Hollywood, le da a la historia cierta artificiosidad.

Trailer de la película:

martes, 29 de mayo de 2012

Montesco Vs Capuleto en West Side Story


 
El cine musical se supone que ya había alcanzado sus más altas cimas de la mano de nombres míticos como el coreógrafo y realizador Busby Berkeley y el director Mark Sandrich durante la década de los treinta. En los cuarenta las mejores obras vinieron del talento de Vincente Minelli, mientras que los años cincuenta verían en Stanley Donen y Gene Kelly a sus máximos artífices. Aquellos años de esplendor del cine musical dejaban ver coreografías siempre impresionantes, fastuosos despliegues que poco caso hacían de una trama por lo regular simple y en ocasiones apenas hilvanada para el lucimiento de las verdaderas estrellas de la función: los números musicales.

Pronto las escuetas tramas y la saturación ad infinitum de cantos y bailes desplegados a la primer provocación llevó al cine musical a un hartazgo donde pocas películas ofrecían alguna novedad. Así, en medio de ese declive del cine musical aparece en el año de 1961 West Side Story, con un sólido guión de Ernst Lehman, impresionante música de Bernard Bernstein y Stephen Sondheim y dirección de Robert Wise y Jerome Robbins, responsable también del manejo de las coreografías.
 
Siendo un éxito probado en los teatros de Broadway, su traslación al cine se convirtió en todo un fenómeno. La historia, que es en realidad una puesta al día del clásico de Shakespeare Romeo y Julieta, sirve también como pretexto para evidenciar dos problemas sociales que comenzaba a dar dolores de cabeza a las autoridades estadounidenses: el pandillerismo juvenil y los constantes problemas con las comunidades de inmigrantes. En medio de este mar de confusiones y riñas por el dominio del territorio de un barrio al oeste de Nueva York se desarrollará la historia de amor entre María, una hermosa joven recién llegada de Puerto Rico, y Tony, un yanqui ex miembro de la pandilla de los Jets, quien ahora ha decidido rehacer su vida fuera de las calles.
 
Las familias de los Montesco y los Capuleto son sustituidas aquí por las pandillas de los Jets (neoyorquinos) y los Sharks (puertorriqueños), que por ningún motivo desean entablar otra relación que no sea la de los golpes, por lo que el amor entre Tony -el mejor líder que han tenido los Jets- y María -hermana de Bernardo, jefe del clan Shark- es poco menos que imposible. Aun así ambos habrán de entablar una lucha personal en contra de los prejuicios étnicos.
 

La solidez del guión -basada perfectamente en esa lucha de contrarios- encuentra su equivalente exacto en la pantalla de la mano de Robbins, creador de una serie de coreografías majestuosas que van más allá del espectáculo caleidoscópico, es decir, cada uno de los movimientos es una puesta en escena de una pelea, cada baile maneja una pulsión de violencia que se desarrolla in crescendo, desde la secuencia inicial de la cinta -la presentación de los miembros de ambas pandillas caminando/bailando/luchando a lo largo del territorio que pretenden dominar- hasta la violenta cita bajo de un puente, donde Bernardo, Tony y Riff, su mejor amigo, se encuentran en una danza de furia y muerte.
 
Pero también la adecuada planificación de los encuadres es una muestra de que Robert Wise estuvo a la altura para dar a la cinta el equilibrio perfecto, pues más allá de los números musicales también las escenas de poderosos diálogos, la mayoría de ellos de una carga dramática pocas veces vista en el género, hacen que la tensión dramática avance de manera fluida hacia un clímax donde los celos, la mentira y la confusión se conjunten en un desenlace abrumador, impactante y melancólico.
 
Fotograma de West Side Story

Sin embargo, esta es una historia de amor, y como tal alcanza algunas de las mejores escenas del género, sobrepasando el mero ámbito de la comedia musical. Ahí está ese bello juego de plano/contraplano que Wise utiliza para enfrentar por vez primera a María y Tony en una fiesta: ellos nítidamente enfocados al centro del encuadre, mientras a su alrededor todo se desarrolla fuera de foco. Una expresión onírica donde sólo ellos dos importan y su amor es lo único verdadero, más allá de cualquier rencor de sus respectivas "familias".

Fotograma de Wset Side Story
 
Amor que irá creciendo con una fuerza natural y libre que no es comprendida, pero que ellos se esmeran en mantener con una pureza memorable. Allí quedan como ejemplo magníficas secuencias como el sueño de su boda en medio de los maniquíes de la boutique donde trabaja María, escena que finaliza con un contrapicado majestuoso de ellos dos arrodillados repitiendo una a una las palabras de su supuesto enlace matrimonial; o bien el diálogo que sostienen cuando Tony ingresa al cuarto de María, después del desenlace trágico de la pelea debajo del puente que no pudo detener.
 
Tony (Richard Beymer) y María (Natalie Wood)

West Side Story es, sin duda, una obra de arte redonda en todos los sentidos, poderosa como historia romántica y poderosa también como obra musical, aderezada por uno de los scores más recordados de la historia del cine (canciones ya clásicas como "Maria", "America", "Somewhere/Tonight") y que ya es considerada como la tercera película romántica más importante de todos los tiempos -la primera es Casablanca y la segunda Lo que el viento se llevó-, según el Instituto Norteamericano de Cine y ganadora en su momento de diez premios Oscar, cuando estos todavía tenían bastante credibilidad.
 
Os dejamos con un extracto del reportaje donde explican las dificultades que tuvo el coreógrafo y co-director de West Side Story, Jerome Robbins, para diseñar el espléndido número inicial de la película.

domingo, 27 de mayo de 2012

Johnny Guitar, mujer contra mujer





El pasado 21 de mayo se proyectó en CICUS, dentro del ciclo dedicado al Director Nicholas Ray, un título emblemático en su filmografía, como es "Johnny Guitar". Se podría hablar mucho y no acabar sobre esta obra de arte de la cinematografía americana clásica, pero este comentario se centrará en algún aspecto, que quizas muchos de los espectadores que han disfrutado con su visionado, comparten con el que suscribe.

Este comentario quiere hacer anotación del papel de la mujer en una cinta clásica de western americano; de ser la chica del saloon que atrae sexualmente al que allí se acerca, pasará a ser la dueña del mismo, Vienna, que es el nombre del personaje que interpreta  la magnífica Joan Crawford, una mujer apasionada, indenpendiente, emprendedora y luchadora, en un mundo de hombres muy hombres, de pistolas y violencia. Icono para muchos colectivos de mujeres lesbianas, del atractivo lésbico, sobre todo en algunas de las secuencias, embutida en esos clásicos vaqueros y esas camisas... todo atractivo, insuperable.

Mujer que lidia contra otra mujer, Mercedes McCambridge (Enma en la película), por el poder en un lugar perdido del oeste, por un hombre del que ambas, aman en algún momento de sus vidas, competición femenina a muerte, como cualquier vaquero en cualquier western, únicamente cambian sus necesidades, no sus intenciones.

Pero la estructura de la película no es muy diferente a la de otros clásicos del género, mantiene las mismas constantes, pero con un cierto "toque de género", que la hace más original, sabiendo que tiene casi cincuenta años, y que la mantiene fresca para el que la ve por primera vez, o el que la revisa de nuevo.

No es momento de contar finales, pero como en todas las "pelis del oeste", sí asistimos a un final de western clásico, pero la lucha no la llevan a cabo los hombres, sino que son las mujeres, las que la inician, mantienen y por supuesto la que la finalizan.

Por todo ello y por  la genialidad del resto de la obra, que quizas muchos ya contaron, deseo dar un gran ¡viva¡ a este clásico repuesto en nuestra "pequeña filmotéca" de Sevilla.

La sombra de la traición, de Michael Brandt




Título original: The double. Dirección: Michael Brandt. País: USA. Año: 2011. Duración: 98 min. Género: Thriller. Guión: Michael Brandt y Derek Haas. Producción: Patrick Aiello, Ashok Amritraj, Andrew Deane y Derek Haas. Música: John Debney. Fotografía: Jeffrey L. Kimball. Montaje: Steve Mirkovich. Diseño de producción: Giles Masters. Vestuario: Aggie Guerard Rodgers. Estreno en USA: 28 Octubre 2011. Estreno en España: 18 Mayo 2012.
Intérpretes: Richard Gere (Paul Shepherdson), Topher Grace (Ben Geary), Martin Sheen (Tom Highland), Odette Yustman (Natalie), Stephen Moyer (Brutus), Stana Katic (Amber), Tamer Hassan (Bozlovski), Chris Marquette (Oliver).

Sinopsis:
Thriller de espionaje en el que el misterioso asesinato de un senador de Estados Unidos que lleva el sello distintivo de un asesino soviético, de nombre clave “Cassius”, obliga a un agente jubilado de la CIA, Paul Shepherdson, a formar equipo con un joven agente del FBI, Ben Geary, para resolver el caso. Shepherdson está convencido de que Cassius lleva mucho tiempo muerto, tras haber pasado toda su carrera siguiéndole la pista tanto al esquivo asesino como a sus rivales, así que acepta a regañadientes el caso después de que su antiguo supervisor, Tom Highland, lo desafíe a demostrar su teoría ante las recientes pruebas que parecen indicar lo contrario. Por su parte, el agente Geary está familiarizado con la historia de Cassius desde mucho antes de su ingreso en el FBI. Geary, fascinado por la historia del asesino soviético, escribió su tesis de carrera sobre Cassius. A diferencia de Shepherdson, Geary cree que el asesino ha reaparecido para continuar con su matanza.


Richard Gere


Calificación: 3, Mala.
Lo mejor de la película: Para incondicionales de Richard Gere.
Lo peor de la película: Película de thriller-acción que no levanta el más mínimo interés, sobre todo, cuando a los pocos minutos del comienzo de la historia ya nos develan lo más importante de la trama. Puesta en escena deficiente (parece más bien un telefilme) y Gere pegando porrazos y golpes como si fuera un adolescente. Mal debut para el realizador televisivo Michael Brandt que no le saca provecho a prácticamente nada, aunque tampoco se le pueden pedir peras al olmo.

Trailer de la película:


viernes, 25 de mayo de 2012

Max y su perro Dick, de Max Linder


COLECCIÓN DE CORTOS PROYECTADOS EN EL TALLER DE CINE


Título original: Max et son chien Dick. Dirección: Max Linder y René Leprince. País: Francia. Año: 1912. Duración: 8 minutos. Guión: Max Linder. Producción: Pathé Frères.

Intérpretes: Max Linder, Jane Renouardt y Henri Bosc.
                       
Sinopsis: Justo después de casarse con Max, su esposa comienza un romance con un antiguo pretendiente. Max sospecha algo, por lo que pide a su perro que vigile a su mujer mientras él trabaja.

Consideraciones: Max Linder está considerado como el primer gran actor cómico, pero no fue sólo eso. Entre 1910 y 1917 llegó a controlar por completo su personaje, siendo guionista y director de las películas.

Prestar atención: Al elegante personaje de Max, protagonista de la extensa carrera de Linder. Dick inicia una larga tradición de perros que adoptan conductas humanas para ser cómplices de sus amos, tradición que recientemente ha homenajeado The artist (Michel Hazanavicius, 2011). Hay que subrayar la novedosa fragmentación de la pantalla en tres partes: Max en su oficina, a la izquierda; Dick ladrando al teléfono, a la derecha; en el centro, una transitada calle parisina, que representa la distancia que existe entre ambos personajes.

Max y Dick

miércoles, 23 de mayo de 2012

Un lugar donde quedarse, de Paolo Sorrentino





Título original: This must be the place. Dirección: Paolo Sorrentino. Países: Italia, Francia e Irlanda. Año: 2011. Duración: 118 min. Género: Comedia dramática. Guión: Paolo Sorrentino y Umberto Contarello; basado en un argumento de Paolo Sorrentino. Producción: Francesca Cima, Nicola Giuliano y Andrea Occhipinti. Música: David Byrne, con letras de Will Oldham. Fotografía: Luca Bigazzi. Montaje: Cristiano Travaglioli. Diseño de producción: Stefania Cella. Vestuario: Karen Patch. Estreno en Italia: 14 Octubre 2011. Estreno en España: 11 Mayo 2012.
Intérpretes: Sean Penn (Cheyenne), Frances McDormand (Jane), Eve Hewson (Mary), Judd Hirsch (Mordecai), Kerry Condon (Rachel), Harry Dean Stanton (Robert Plath), Joyce Van Patten (Dorothy Shore), David Byrne (él mismo), Olwen Fouéré (madre de Mary), Shea Whigham (Ernie Ray).

Sinopsis:
Cheyenne es un judío cincuentón, antigua estrella del rock, que sigue la estética gótica y lleva una vida aburrida de prejubilado en Dublín. La muerte de su padre, con el que hacía tiempo que no se trataba, le lleva de vuelta a Nueva York, donde, a través de la lectura de algunos diarios, reconstruye la vida de su padre en los últimos treinta años, en los que se dedicó a buscar obsesivamente a un criminal nazi que se había refugiado en Estados Unidos. Con una inexorable lentitud y sin capacitación alguna como investigador, Cheyenne, contra toda lógica, decide continuar la tarea de su padre y emprende la búsqueda del nonagenario alemán a través de Estados Unidos.

Sean Penn

Calificación: 5, Mediana.
Lo mejor de la película: El buen gusto de Sorrentino, enamorado del preciosismo en las imágenes. Frances McDormand está estupenda, pero aparece poco tiempo en pantalla. La genialidad de Sean Penn, haciendo de viejo rockero deprimido con síndrome de Peter Pan.
Lo peor de la película: La mala coincidencia del titulo con otra película del 2009 dirigida por Sam Mendes. Extraña road-movie que parece caminar entre la comedia y el drama y no encuentra su justo lugar. El guión presenta muchos escollos.  

Trailer de la película:


martes, 22 de mayo de 2012

El fantasma de Rodolfo Valentino




Tras la muerte de Rodolfo Valentino, Natasha Rambova, una de las estrellas femeninas que intentaban aprovechar la situación para cobrar mayor popularidad apareciendo como la desconsolada viuda, inició un ciclo de sesiones de espiritismocon el médium George B. Wehner.

Según Rambova, tal procedimiento le permitía entrar en contacto con el espíritu de Rodolfo, que le confiaba algunas informaciones ciertamente alentadoras para sus seguidores, a saber: que su puso muy contento cuando vio su propio funeral, porque veía a las masas luchar por ver su cadáver, popularidad de la que carecía antes de morirse.

Valentino también informó a la Rambova que tras morir había tenido la oportunidad de charlar animadamente con otros famosos espíritus cinematográficos, como Wallace Reid, Bárbara La Marr y Olive Thomas. También pudo entablar conversación con la estrella de la ópera Enrico Caruso y con otros amigos que habían fallecido antes que él.

El astro fallecido aseguró a la Rambova que aprovechando su nueva capacidad fantasmal había acudido a todos los estrenos de su última película, The son of the Sheik (El hijo del Caid), dirigida en 1926 por George Fitzmaurice, y había sacado incluso tiempo en su ajetreada vida de ultratumba para pasearse por la popular calle 47 de Broadway, New York, el mismo lugar por el que paseaba en su juventud cuando no tenía un duro y ejercía como bailarín para poder sobrevivir.


Rodolfo Valentino y Natasha Rambova


A raíz de estas alucinaciones de la Rambova, se desató una auténtica campaña espiritista, según la cual, el fantasma de Rodolfo Valentino se aparecía con inusitada frecuencia en distintos lugares. La casa de Falcon Lair, que Valentino mandó construir para Natasha Rambova se convirtió en el epicentro de esta gira de apariciones. Los seguidores del actor, advertidos de las visitas del espíritu de Valentino a la mansión, empezaron a acudir a la misma generando serios problemas de seguridad. Algunos de ellos pagaron importantes sumas para pasar la noche en la habitación de Rodolfo Valentino.


Rodolfo Valentino y Natasha Rambova


Otra de las leyendas sobre las apariciones del famoso fantasma afirma que el encargado de los establos de la casa de Rodolfo Valentino huyó despavorido tras ver el fantasma del ídolo del cine mudo acariciando a su caballo favorito al atardecer. El hombre apareció corriendo por la carretera en mitad de la noche afirmando que se había encontrado con el fantasma de Valentino cara a cara.

Además una mujer Seattle, amiga de los cuidadores de la mansión de Valentino, afirmaba haber oído pasos y puertas que se abrían y se cerraban dentro de la misma. La mujer estaba sola en la casa y sólo la acompañaban los dos perros gran danés del actor.

En fecha tan próxima como abril de 1989, las leyendas sobre el fantasma de Valentino continuaban circulando. Una joven aspirante a actriz aseguró que se había encontrado con el fantasma de Rodolfo Valentino mientras estaba tumbada en la cama. Sintió como alguien se sentaba en el borde de su cama, cuando intentaba dormirse en un viejo edificio de apartamentos que se conoce como Valentino Place,  que según afirma la leyenda, es el mismo edificio en el que el astro del cine mudo gustaba de pasar ratos agradables con sus amigos y amigas.

Ante la aparición, el cuerpo que la actriz asumió era de un hombre, se estiró a su lado en la cama. Cuando la muchacha reunió valor para darse la vuelta… vio el rostro de Rodolfo Valentino apoyado en la almohada.


Rodolfo Valentino y Natasha Rambova

lunes, 21 de mayo de 2012

Profesor Lazhar, de Philippe Falardeau




Título original: Monsieur Lazhar. Dirección: Philippe Falardeau. País: Canadá. Año: 2011. Duración: 94 min. Género: Comedia dramática. Guión: Philippe Falardeau; basado en la obra de Evelyne de la Chenelière. Producción: Luc Déry y Kim McCraw. Música: Martin Léon. Fotografía: Ronald Plante. Montaje: Stéphane Lafleur. Diseño de producción: Emmanuel Fréchette. Vestuario: Francesca Chamberland. Estreno en Canadá: 28 Octubre 2011. Estreno en España: 18 Mayo 2012.
Intérpretes: Mohamed Fellag (Bachir Lazhar), Sophie Nélisse (Alice), Émilien Néron (Simon), Danielle Proulx (Srta. Vaillancourt), Brigitte Poupart (Claire), Vincent Millard (Victor).

Sinopsis:
Bachir Lazhar, de 55 años y origen argelino, es contratado como sustituto de una maestra de primaria que ha muerto en trágicas circunstancias en una escuela de Montreal. El carisma y la forma muy particular de enseñar del profesor Lazhar resultarán fundamentales para sacar adelante el curso y cambiar la vida de sus jóvenes alumnos.


Mohamed Fellag


Calificación: 8, Muy Buena.
Lo mejor de la película: El apasionante guión y la interpretación de Mohamed Fellag en el papel principal, absolutamente conmovedor. Los niños protagonistas están perfectamente dirigidos por Falardeau. A destacar la sobrecogedora secuencia en la que el joven alumno Simón, en clase de Lazhar, estalla de emoción al contar sus sentimientos. Una clase magistral de buen cine social.
Lo peor de la película: La sombra de la película iraní “Nader y Simin, una separación”, de Asghar Farhadi, en los Oscars de este año. Con una competidora como la película iraní era muy difícil llevarse el merecidísimo premio.  

Trailer de la película:

domingo, 20 de mayo de 2012

Adiós a Donna Summer




No solo los amantes de la música disco lloran la reciente muerte de Donna Summer. También los cinéfilos pensarán en ese último baile ("Last Dance") de "Por fin ya es viernes" o la coreografía de los protagonistas de "Full Monty" en la cola del paro a golpe de "Hot Stuff".

En 1978, Donna Summer coronaba una espléndida década, jalonada con varios premios Grammy y con el galardón por excelencia del mundo del cine, el óscar, por la mejor canción de una película, "Last Dance", sin duda lo mejor de "Por fin ya es viernes".



Donna Summer, que también aparecía en el filme, aportó lo más recordado de esta cinta y otro himno disco para su repertorio, repetido hasta la saciedad en innumerables películas y en los programas que, en el siglo XXI, querían alumbrar jóvenes estrellas de la canción, como "American Idol" u "Operación Triunfo".

Muchos años después, Summer vivió un tardío regreso a las listas de ventas en 1999 con la versión "dance" que hizo de "I will go with you (Con te partiró)", de Andrea Boccelli, pero en parte había vuelto a la palestra gracias al inesperado éxito mundial de la comedia británica "Full Monty", que colaboró a desempolvar otro de sus grandes éxitos, "Hot Stuff".

Robert Carlyle y Tom Wilkinson, entre otros, ensayaban como strippers -no sin cierto patetismo- para recuperar su dignidad tras perder sus respectivos empleos, pero su confianza en el proyecto no se afianzaba hasta que, en plena cola del paro, sonaba en la radio la mítica canción de Summer que llenó las pistas en 1979.



Como símbolo de una época, Donna Summer sonaba en la dialéctica política de "Frost/Nixon", en concreto con la canción "I feel love", símbolo del éxito de Frost cuando por fin demuestra su valía como periodista tras la histórica confesión de Nixon ante sus micrófonos.

Con un tono más paródico, la canción que le dio a conocer no sin escándalo, "Love to Love You Baby" -compuesta por el también muy cinematográfico Giorgio Moroder, ganador del Óscar por "El expreso de medianoche"-, era utilizada en la comedia dirigida por Ben Stiller "Zoolander", ambientada en el mundo de la moda.

Acompañó con "On the radio" a las "Foxes", de Adrian Lyne en 1980, y, como buen icono gay, no ha faltado como ambientación para títulos de temática homosexual como "Una jaula de grillos", donde sonaba "Bad Girls", canción, a su vez, utilizada por Mike Nichols en su sagaz crónica política "La guerra de Charlie Wilso " .

Menos esperada es su presencia en la banda sonora de "Biutiful", el intenso drama de Alejandro González Iñárritu, pero el director mexicano la consideró idónea para los momentos más desenfrenados de la mujer de Javier Bardem, encarnada por Maricel Álvarez, víctima de todo tipo de excesos.

Alguien tan a priori dado a las grandes divas de la música disco como Sylvester Stallone, también encontró inspiración en "Whenever There Is Love" para dar un empujón de esperanza a la acción dentro de un túnel en "Pánico en el túnel”.

Y una comedia tan refrescante como "Splash!", ejemplo de la cara más inocente de la década de los ochenta, completaba el romance de la sirena Daryl Hannah a ritmo de "She Works Hard for the Money".

Como actriz, en la televisión, interpretó a la tía Oona en algunos capítulos de la popular serie "Family Matters", donde acompañó las aventuras del irritante Steve Urkel y también sonó "She Works Hard for the Money".

La gran diosa de las pistas de baile se nos va. Le echaremos de menos. Os dejamos con lo mejor, sin duda alguna, de la película "Por fin ya es viernes".



sábado, 19 de mayo de 2012

Verbo, de Eduardo Chapero-Jackson





Título original: Verbo. Dirección y guión: Eduardo Chapero-Jackson. País: España. Año: 2011. Duración: 87 min. Género: Acción, ciencia-ficción, fantástico. Producción: Enrique López-Lavigne, Belén Atienza y Álvaro Augustin. Música: Pascal Gaigne; con la colaboración de Nach. Fotografía: Juan Carlos Gómez. Montaje: Elena Ruiz. Dirección artística: Gustavo Ramírez. Vestuario: Rocío Redondo. Estreno en España: 4 Noviembre 2011.
Intérpretes: Alba García (Sara), Miguel Ángel Silvestre (Líriko), Verónica Echegui (Medussa), Víctor Clavijo (Totem), Macarena Gómez (Prosak), Adam Jezierski (Foco), Manolo Solo (profesor), Nasher Saleh (Darío), Fernando Soto (Rafa), Najwa Nimri (madre de Sara).

Sinopsis:
Sara es una chica de 15 años con un sexto sentido. Una joven y tímida heroína del siglo XXI que empieza a intuir que en el mundo tiene que existir algo más que lo que ven nuestros ojos, algo escondido que empieza a obsesionarle. Guiada por su instinto, comienza a encontrar en su gris existencia una serie de inquietantes mensajes y pistas que le empujan a entrar en una nueva dimensión, peligrosa y terrorífica, en la que deberá iniciar un viaje para salvar su vida. En el transcurso de este devenir perturbador pero lleno de aventuras, Sara encontrará un nuevo reto: el modo de cambiar el mundo.


Alba García


Calificación: 4, Deficiente.
Lo mejor de la película: La rareza de la apuesta de Chapero-Jackson. La mezcolanza de cine fantástico, cine de ciencia-ficción, cine de acción, con unas gotitas de dosis social y trasfondo sustancial nos puede dar un producto difícil de digerir, como así ha sido, pero Chapero-Jackson ha sido valiente en su apuesta y hay que tenerlo en cuenta. La soltura artística y técnica que domina el director de forma impecable sorprende en cada fotograma.
Lo peor de la película: Son muchos los admiradores de Chapero-Jackson que han quedado desilusionados con ésta, su ópera prima. Sobre todo, después de haber realizados 3 magníficos cortos, que pueden considerarse auténticas obras maestras, como “Contracuerpo”, “Alumbramiento” y “The end”. Lo cierto, es que la apuesta de Chapero-Jackson ha sido “demasiado” arriesgada. Ha querido hacer una obra de culto y no le ha cuajado, el público no le ha respondido.


Miguel Ángel Silvestre


Mi secuencia favorita:
Los injertos animados. Si la cinta te va descolocando por momentos, cuando salen los dibujitos, te quedas ya KO.


Fotogramas de "Verbo", de Eduardo Chapero-Jackson


Más cosas:
En esta historia que nos habla de una chica adolescente, que pasa por una profunda crisis existencial, la chica es Sara, interpretada por Alba García, nominada este año al Goya de Mejor Actriz Revelación. Alba soporta todo el peso de la película y es un valor a tener en cuenta en el futuro.
El film otorga gran importancia al rap y a la “expresividad del grafiti”. Las letras de rapero Nach han calado hondo en el director, quien se ha servido de tres de sus piezas para la película. Para Chapero-Jackson se trata de un artista que “no tiene miedo de abordar problemas de hondura que en sus letras encuentran significados y salidas”.
El verso es el estilo elegido como hilo conductor de esta “sensación de cuento”, una especie de fábula en palabras del director. “No quería hacer una cosa ortodoxa, contenida y objetivamente fría. Quería investigar un espacio más expresivo”, mientras que el grafiti “era de alguna forma la clave para entrar en ese mundo de fantasía”, asegura Eduardo.

Trailer de la película: