viernes, 30 de marzo de 2012

Al borde del abismo, de Asger Leth



Título original: Man on a ledge. Dirección: Asger Leth. País: USA. Año: 2012. Duración: 102 min. Género: Thriller. Guión: Pablo Fenjves. Producción: Lorenzo di Bonaventura y Mark Vahradian. Música: Henry Jackman. Fotografía: Paul Cameron. Montaje: Kevin Stitt. Diseño de producción: Alec Hammond. Vestuario: Susan Lyall. Estreno en España: 23 Marzo 2012.
Intérpretes: Sam Worthington (Nick Cassidy), Elizabeth Banks (Lydia), Jamie Bell (Joey Cassidy), Anthony Mackie (Mike), Genesis Rodriguez  (Angie), Ed Harris (David Englander), Kyra Sedgwick (Suzie), Edward Burns, William Sadler.

Sinopsis:
Un ex policía ingresa en la cárcel tras ser acusado de cometer un crimen en el que asegura no haber participado. El hombre escapa de la prisión y se sube a lo más alto de un hotel de Manhattan, lugar desde el que amenaza con tirarse. Pero su comportamiento tal vez sea una estratagema para despistar a las autoridades mientras unos ladrones llevan a cabo un importante atraco.


Jamie Bell y Elizabeth Banks

Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: La trama va ganando conforme va avanzando el metraje. El comienzo es un poco soso, pero poco a poco va convenciendo esta historia que planteando una cierta metáfora en relación a la crisis que padecemos en la actualidad.  No gusta Jamie Bell y Elizabeth Banks, ésta última protagoniza el mejor personaje de la cinta. Y… qué decir de Ed Harris, como siempre, magnífico. Distracción garantizada para pasar una buena tarde “de palomitas”.
Lo peor de la película: El arranque de la cinta, un poco soso, aunque pronto remonta. Por otro lado, el inexpresivo Sam Worthington, no sé quien se ha empeñado en convencernos de que este chico es actor y no hay forma de tragarse semejante disparate.

Trailer de la película:

jueves, 29 de marzo de 2012

Recordando… La huelga, de Sergie Eisenstein



Sergei Eisenstein fue un revolucionario en todos los sentidos, y forjó un nuevo estilo de cine basado en el montaje a partir de la fusión sin precedentes de la filosofía marxista, la estética constructivista y su fascinación por los contrastes, conflictos y contradicciones visuales que se dan en la dinámica de una película.

La huelga (1924), su primera cinta, fue concebida como una entrega más de una serie de obras sobre la implantación del marxismo-leninismo. La censura del nuevo gobierno soviético frustró muchos sueños de Eisenstein en años posteriores, y esta serie nunca pasó de ser un proyecto. No obstante, La huelga, con su energía febril, se alza como un tour de force de propaganda expresiva, así como el laboratorio en que se pusieron a prueba y se pulieron algunas ideas seminales para sus posteriores obras maestras del cine mudo El acorazado Potemkin (1925), Octubre (1927) y La línea general (1928).

La huelga plasma el levantamiento de los obreros en una fábrica rusa, donde la codicia y corrupción de los propietarios empuja a los trabajadores a la rebelión. Vemos el descontento entre los obreros, un acto de traición que les empuja a entrar en acción, la agitación del motín seguido de las dificultades del paro prolongado, y por fin la réplica de los propietarios de la fábrica, apoyados por tropas que se enzarzan en una matanza de trabajadores. La película termina con un ejemplo electrizante de lo que Eisenstein llamó "el montaje intelectual": imágenes de animales sacrificados en un matadero intercaladas en la masacre de los huelguistas.


 
Fotogramas de "La Huelga"


La interpretación en La huelga es tan poco convencional como sus técnicas de montaje, y mezcla retratos naturalistas de los obreros con retratos estilizados de los propietarios y sus espías. La película ilustra la teoría soviética de la clasificación por tipos, para lo cual requiere actores que se parezcan a los tipos de personaje que interpretan, y del héroe colectivo, porque el protagonista de una historia no es un solo individuo, sino todo el pueblo alineado en el lado correcto de la historia.

Los imperativos políticos de La huelga han envejecido desde su estreno en 1925, pero su poder visual no se ha desvanecido. "No creo en el cine-ojo (Kino-glaz)”, dijo una vez Eisenstein, en relación al lema de Dziga Vertov, su colega y rival, “Creo en el cine-puño" Esta filosofía implacable galvaniza cada secuencia de esta película singular.

Hoy, 29 de marzo, día de una HUELGA GENERAL en España, nada mejor que recordar estas imágenes de hace 88 años, donde aún nos continua sobrecogiendo ver a los huelguistas completamente masacrados.

miércoles, 28 de marzo de 2012

El exótico hotel Marigold, de John Madden


Título original: The best exotic Marigold Hotel. Dirección: John Madden. País: Reino Unido. Año: 2011. Duración: 124 min. Género: Comedia. Guión: Ol Parker; basado en la novela “These foolish things”, de Deborah Moggach. Producción: Graham Broadbent y Peter Czernin. Música: Thomas Newman. Fotografía: Ben Davis. Montaje: Chris Gill. Diseño de producción: Alan MacDonald. Estreno en España: 23 Marzo 2012.
Intérpretes: Judi Dench (Evelyn), Bill Nighy (Douglas), Tom Wilkinson (Graham), Maggie Smith (Muriel), Dev Patel (Sonny), Celia Imrie (Madge), Penelope Wilton (Jean), Ronald Pickup (Norman), Tena Desae (Sunaina), Diana Hardcastle (Carol).

Sinopsis:
La historia de un grupo de ciudadanos británicos de clase alta y edad avanzada que viajan a la India para disfrutar de los años que aún les quedan de vida. Se supone que es la solución que la India propone a los ciudadanos más selectos de Reino Unido para que disfruten de su jubilación –un lugar donde poder pasar su edad dorada rodeados de suntuosos servicios y comodidades–, y en efecto así es hasta que siete jubilados con una perentoria necesitad de cambio se presentan a la entrada de este complejo vacacional. Entonces comienza una cómica y romántica aventura en un lugar lleno de placeres. Y a medida que empiezan a establecer nuevas amistades y a realizar inesperados descubrimientos, comienzan a dejar atrás su pasado.

Maggie Smith

Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: El magnífico elenco artístico que destila talento en cada fotograma. El personaje de Muriel es encantador, interpretado por la buenísima Maggie Smith. El buen humor de los personajes contagia al público.
Lo peor de la película: El metraje se hace demasiado largo, quizás debido a la trama de la película, que comienza con dosis de originalidad pero va convirtiéndose en una concadenación de tópicos ya muy trillados en el cine.

Trailer de la película:

martes, 27 de marzo de 2012

Recordando… Las dos tormentas, de David W. Griffith




Poco después de "El nacimiento de una nación" (1915), una de las películas más comerciales de la historia del cine, D.W. Griffith vio que su carrera declinaba, sobre todo como resultado de su incapacidad para adaptarse a los deseos cambiantes del público. Griffith se había especializado en llevar a la pantalla melodramas victorianos, que giraban en torno a la inocencia femenina amenazada. En 1920, no obstante, el público había empezado a manifestar menos interés por la virtud rescatada o preservada. Por consiguiente, fue una sorpresa que Griffith decidiera adaptar para la pantalla un melodrama teatral de la década de 1890, "Las dos tormentas", además de insuflar nueva vida a la historia y convertirla en un gran éxito.

Lillian Gish

Anna Moore (Lillian Gish) abandona su pueblecito de Nueva Inglaterra para ir a vivir con unos parientes más ricos en Boston. Allí cae bajo el hechizo de un atractivo joven llamado Sanderson (Lowell Sherman), quien la convence de que se acueste con él tras organizar un matrimonio falso. Después, la envía de vuelta a Nueva Inglaterra, con la orden de que guarde silencio respecto a su boda. Tras descubrir que está embarazada, Anna se pone en contacto con él, pero solo consigue descubrir la amarga verdad. El desastre se desencadena. Su madre muere, y también su hijo. La expulsan de la pensión donde se ha refugiado porque la dueña sospecha que no está casada. Por suerte, encuentra empleo en una granja cercana, propiedad del caballero Barlett (Burr McIntosh), pero Sanderson no vive muy lejos. En la granja, Anna conoce al hijo del caballero, David (Richard Barthelemess), y los dos no tardan en enamorarse.




Pero el pasado persigue a Anna. Expulsada de la granja, se pierde en una terrible tormenta de nieve y se encuentra en un río helado. Mientras flota sobre un témpano de hielo hacia unas gigantescas cataratas, David la rescata en el último segundo. Se revela la villanía de Sanderson, y Anna se reconcilia con el caballero arrepentido. La película termina con su boda. El ritmo narrativo y las eficaces interpretaciones de un reparto muy sólido insuflan vida a las partes dramáticas de "Las dos tormentas". El final de la película, por su parte, muestra al director en la cumbre de su talento, tanto en el rodaje de la secuencia (se filmaron tomas en un río helado de Vermont) como en el montaje, que es trepidante y emocionante.

Os dejamos con la fantástica secuencia del rescate de Anna por parte de David. Obsérvese los magníficos travellings que usa Griffith para darle mayor dinamismo a la acción, así como su maestría en el montaje de los planos, que dota a todo la secuencia de un ritmo trepidante.  


lunes, 26 de marzo de 2012

Devil inside, de William Brent Bell





Título original: The devil inside. Dirección: William Brent Bell. País: USA. Año: 2012. Duración: 83 min. Género: Terror. Guión: William Brent Bell y Matthew Peterman. Producción: Matthew Peterman y Morris Paulson. Música: Brett Detar y Ben Romans. Fotografía: Gonzalo Amat. Montaje: William Brent Bell y Tim Mirkovich. Diseño de producción: Tony DeMille. Vestuario: Terri Prescott. Estreno en España: 16 Marzo 2012.
Intérpretes: Fernanda Andrade (Isabel), Simon Quarterman (padre Ben Rawlings), Evan Helmuth (padre David Keane), Suzan Crowley (Maria Rossi), Ionut Grama (Michael Schaefer), Bonnie Morgan (Rosa), Brian Johnson (teniente Dreyfus).

Sinopsis:
En 1989, los servicios de emergencia recibieron una llamada al 112 de Maria Rossi confesando que había asesinado brutalmente a tres personas. ”Devil inside” nos relata la historia de su hija Isabel, que dos décadas después trata de comprender la verdad de lo sucedido aquella noche y viaja al hospital de Centrino para depravados mentales, en Italia, donde su madre está encerrada para determinar si es una enferma mental o está poseída por demonios. Isabel decide reclutar a dos jóvenes exorcistas que podrían curar a su madre usando métodos poco convencionales que combinan la ciencia y la religión, y terminan enfrentándose cara a cara con el mal en estado puro en forma de cuatro poderosos demonios que poseen a María. Muchos han sido poseídos por uno, sólo una ha sido poseída por muchos.

Suzan Crowley


Calificación: 2, Muy Mala.
Lo mejor de la película: Lo poco que dura. Las contorsiones de las posesas son divertidas, jajajaja.
Lo peor de la película: Todo en general es pésimo, pero de manera muy especial, la forma en que está contada la película, como si se tratara de un falso documental, donde abunda la cámara en mano. Estamos hartos de ver películas donde los protagonistas son los que llevan las cámaras y filman de forma “casera” sus propias peripecias, al estilo de “El proyecto de la Bruja de Blair” o “Monstruoso”. Este tipo de producciones baratas suelen recaudar mucho dinero, pero no hacen más que quedarse con el personal. El final de la película es de vergüenza, no hemos visto algo tan malo en años.   

 Trailer de la película:

domingo, 25 de marzo de 2012

Reflexiones de un picaporte, de Carlos Crespo


COLECCIÓN DE CORTOS PROYECTADOS EN EL TALLER DE CINE


Título original: Reflexiones de un picaporte. Dirección: Carlos Crespo. País: España. Año: 2011. Duración: 11 minutos. Guión: Carlos Crespo. Producción: Mundo Ficción y Azahar Media. Fotografía: Fran Fernández Pardo. Montaje: Miguel Doblado. Sonido: José Tomé. Música: Pablo Cervantes. Dirección de Arte: Vanesa de la Haza.

Intérpretes: Joserra Leza, Melissa Borrego, Belén López, Rebeca Torres.
                       
Sinopsis: Xt Policromado disfruta de la vida contemplando el mundo que le rodea. Le gusta reflexionar sobre cada minúsculo asunto, estructurándolo todo en una serie inacabable de categorías. Su vida sería plena y satisfactoria si no fuera por un pequeño inconveniente existencial: Xt Policromado es un picaporte instalado en la puerta de un cuarto de baño.

Consideraciones: Carlos Crespo (1978) es uno de los fundadores de Mundo Ficción Producciones, la productora sevillana responsable de los cortos Eso es así, Esto ya no es lo que era y Aquello era otra cosa. Éste es su segundo corto cinematográfico como director y guionista.

Prestar atención: A la originalidad del punto de vista, el de un objeto inanimado (los humanos no hablan, sino que son los objetos los que tienen voces). A la buena dirección artística. A la excelente música de Pablo Cervantes (con el que tuvimos el placer de contar en una de las primeras actividades de Linterna Mágica), música que tiene una mayor presencia al final, acompañando unos cuidados títulos de crédito. Al ágil montaje que revela un buen conocimiento del lenguaje cinematográfico: destacar los planos de cámara subjetiva tomados con gran angular, que indican la óptica del picaporte.

Melissa Borrego

sábado, 24 de marzo de 2012

Contrabando, de Baltasar Kormákur


Título original: Contraband. Dirección: Baltasar Kormákur. Países: USA y Reino Unido. Año: 2012. Duración: 110 min. Género: Thriller. Guión: Aaron Guzikowski; basado en la película “Reykjavík-Rotterdam” (2008), escrita por Arnaldur Indridason y Óskar Jónasson. Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Baltasar Kormákur, Stephen Levinson y Mark Wahlberg. Música: Clinton Shorter. Fotografía: Barry Ackroyd. Montaje: Elísabet Ronaldsdóttir. Diseño de producción: Tony Fanning. Vestuario: Jenny Eagan. Estreno en España: 16 Marzo 2012.
Intérpretes: Mark Wahlberg (Chris Farraday), Kate Beckinsale (Kate Farraday), Ben Foster  (Sebastian Abney), Giovanni Ribisi (Tim Briggs), Lukas Haas (Danny), J.K. Simmons (capitán Camp), Diego Luna (Gonzalo), Caleb Landry Jones (Andy), David O’Hara.

Sinopsis:
Hace tiempo que Chris Farraday (Mark Wahlberg) dejó el mundo de la delincuencia, pero cuando su cuñado Andy (Caleb Landry Jones) mete la pata en un asunto de drogas encargado por su implacable jefe Tim Briggs (Giovanni Ribisi), Chris se ve obligado a volver a hacer lo que mejor se le da, pasar contrabando, para pagar la deuda de Andy. Chris es un legendario contrabandista y no tarda en reunir a un equipo de primera con la ayuda de su mejor amigo, Sebastian (Ben Foster), y realizar un último viaje a Panamá para traer millones de dólares en billetes falsos. Pero las cosas no salen como estaba previsto y con solo unas horas para hacerse con el dinero, Chris deberá hacer uso de sus oxidadas habilidades y superar una traicionera red criminal con brutales narcos, polis y sicarios, antes de que su esposa Kate (Kate Beckinsale) y sus hijos se conviertan en objetivos.

Mark Wahlberg

Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: Acción y entretenimiento garantizados. Las interpretaciones son buenas, sobre todo de los secundarios Giovanni Ribisi y Ben Foster.
Lo peor de la película: La historia, basada en un remake de una película islandesa muy reciente, “Reykjavík-Rotterdam” (2008). La falta de originalidad viene siendo la nota dominante en el último cine de Hollywood. Por otro lado, volvemos a protestar por este tipo de realización en películas de acción, con cámaras en constante movimiento, barridos mareantes. zooms, desenfoques, etc. que no acabamos de entender.

Trailer de la película:


viernes, 23 de marzo de 2012

Tan fuerte tan cerca, de Stephen Daldry



Título original: Extremely loud and incredibly close. Dirección: Stephen Daldry. País: USA. Año: 2011. Duración: 129 min. Género: Drama. Guión: Eric Roth; basado en la novela homónima de Jonathan Safran Foer. Producción: Scott Rudin. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Chris Menges. Montaje: Claire Simpson. Diseño de producción: K.K. Barrett. Vestuario: Ann Roth. Estreno en España: 16 Marzo 2012.
Intérpretes: Tom Hanks (Thomas Schell), Sandra Bullock (Linda Schell), Thomas Horn (Oskar Schell), Max von Sydow (el inquilino), Viola Davis (Abby Black), John Goodman (Stan), Jeffrey Wright  (William Black), Zoe Caldwell (abuela).

Sinopsis:
Oskar Schell es un niño cuyo padre (Tom Hanks) muere en los atentados del 11 de septiembre de 2001. Entre los enseres del difunto se halla una llave que servirá para que el pequeño descubra por qué su progenitor se encontraba en las Torres Gemelas. Es entonces cuando inicia un viaje por la ciudad de Nueva York en busca de gentes, lugares y objetos relacionados con dicha pieza.

Thomas Horn

Calificación: 4, Deficiente.
Lo mejor de la película: La música de Desplat, siempre acertada. La presencia de Viola Davis y Max von Sydow (aunque no abra la boca) es de agradecer.
Lo peor de la película: ¿Cómo se ha podido colar esta película entre las nominadas a los Óscar? Increíble torpeza la de los académicos, la misma que la de Daldry al construir esta historia tan artificiosa y carente de autenticidad. El rollo de la llavecita del niño (Thomas Horn) es cansino hasta más no poder. Por favor, NO más pelis del 11-S, que paren ya. Dentro de poco habrá que encuadrarlas en un nuevo género, como hubo que hacer con las de la guerra de Vietnam. ¡Que pesadez!

Trailer de la película:

jueves, 22 de marzo de 2012

Sherlock Holmes, según Billy Wilder


Aprovechando que tenemos en cartelera la segunda entrega de la visión particular que tiene Guy Ritchie sobre Sherlock Holmes, vamos a acercarnos a la mirada que dedicó Billy Wilder al mismo personaje en su película La vida privada de Sherlock Holmes (1970). Fue protagonizada por Robert Stephens (Sherlock Holmes), Colin Blakely (Dr. Watson) y Genevieve Page (Gabriel Valladon, la espía alemana) entre otros.


Es una estupenda comedia de Billy Wilder, con unos diálogos chispeantes y una comicidad muy fina e irónica. Diría que representa lo que se entiende por “humor inglés”. La ambientación de los interiores, del mobiliario de su estudio, de la casa donde viven el detective y su amigo, es excelente. También los exteriores están cuidados: la niebla en las calles de Londres, los carruajes, etc. Está rodada en Londres y en Escocia, por tanto, muy bien situada la acción.

El director está llevando a la pantalla al detective bajo su aspecto privado e íntimo y el actor lo hace creíble, ya que refleja sus emociones y sus pensamientos “reales”, desmontando de alguna manera, lo que la ficción, a través del diario del Dr. Watson, le ha asignado. Esto se observa en distintos momentos, uno de ellos al principio de la película, donde Holmes se ve involucrado en una situación que da lugar a un gracioso malentendido y el equívoco nos proporciona unas secuencias cómicas, con un diálogo brillante y divertido, que Stephens resuelve con elegancia. 

Colin Blakely y Robert Stephens

Quizás en algunos momentos el actor puede resultar algo envarado, pero ese “toque” no le viene mal al personaje, le da un cierto tono “británico”. En esta película se hace patente su afición a las drogas sin medias tintas, y en lo referente a su misoginia, aunque  se defiende de ella, dice que “las mujeres no son dignas de confianza en ninguna circunstancia” lo que corrobora que no las tiene en mucha estima y simpatía… si bien afirma haber amado a alguna.

Concluyendo, esta versión de Holmes tiene desde luego el inconfundible sello de su director y a mi parecer es muy buena porque, conservando las características clásicas del personaje (su fisonomía, atuendo, etc.), le da una dimensión más cercana y humana. Os traigo aquí una secuencia.


Trabajo presentado por Julia Rivera Llorente.  

miércoles, 21 de marzo de 2012

Krzysztof Kieślowski en el Pabellón de Uruguay




Hoy, miércoles 21 de marzo, disfrutaremos de una nueva actividad de “Linterna Mágica”.

A las 18´00 horas, en el Pabellón de Uruguay (Sevilla), tendrá lugar la proyección de dos capítulos del Decálogo del director polaco Krzysztof Kieslowski, concretamente el capítulo I “Soy el Señor, tu Dios” y el capítulo VI “No cometerás adulterio”. Tras la proyección, tendrá lugar una interesante Mesa Redonda sobre el director y su obra.   



A mediados de los 80, Piesiewicz, guionista de cabecera del director, le sugiera e insiste para que ruede una aproximación a los diez preceptos morales del Antiguo Testamento, y así comprobar su vigencia en el mundo contemporáneo.

Según algunos estudios realizados de la obra de Kieslowski, él habría buscado la formulación original del Decálogo dado a Moisés como guía para conservar una vida y una libertad que ya habían sido otorgadas por Yavhé al pueblo elegido; de manera análoga, el director polaco buscaría ahora plantear a su pueblo unos valores universales que le sirviesen de pauta para la reflexión moral, que le ayudasen a conducirse en unos tiempos de desesperanza, mientras atravesaban un nuevo desierto sin libertad.

Después de rechazar inicialmente la propuesta por la dificultad que veía para filmarlo, Kieslowski ve la posibilidad de escribir El Decálogo como una serie de 10 capítulos para la televisión: cada uno de ellos sería encargado a un director debutante mientras que él se quedaría con el capítulo 5 (No matarás).

En los siguientes 18 meses escribirá un guión completo de la serie, del que poco a poco se irá enamorando y en el que retratará las contradicciones del hombre moderno. En 1986, mientras el proyecto está bloqueado en las oficinas de la censura, Kieslowski comienza a plantearse asumir la dirección de todo El Decálogo, y que sean los fotógrafos los que cambien en cada capítulo. Para costearlo se ve obligado a pedir un permiso para desarrollar el guión de los capítulos 5 y 6 en forma de película cinematográfica, e invertir el beneficio en el proyecto televisivo: el resultado serán No matarás (1988) y No amarás (1989), películas que introducen ligeras variaciones respecto a la versión preparada para El Decálgo. 

Fotograma Decálogo I

En el Decálogo, cada capítulo aborda una cuestión existencial, tomando como excusa y partiendo de una vaga referencia a los Diez Mandamientos recogidos en el Génesis. Para tal cometido Kieslowski y Pieseiwicz habían pensado inicialmente que la cámara escogiera al protagonista de cada capítulo por azar, entre los muchos espectadores de un estadio abarrotado; luego consideraron que sería mejor elegirlos entre la muchedumbre de transeúntes que vagaban por la calle; y finalmente, acabaron decantándose por el vecindario de un gran edificio en un barrio nuevo de Varsovia, edificado como “uno de esos palomares formados por bloques de mil ventanas idénticas”, donde unos y otros coincidirán en las escaleras, y entre los que surgirían relaciones que armarían las distintas tramas de los capítulos. En un primer momento, el final previsto sería la explosión del edificio, a modo de Juicio Universal, pero después de reflexionar prefirieron dejarlo en suspenso al considerar que esto reflejaba mejor lo que es la vida, sin un punto final. 

Kieslowski, por una parte, utiliza los mandamientos que los católicos toman como guión moral de sus comportamientos, por otra, la vida cotidiana de unos supuestos vecinos de un barrio obrero, típicos productos estándar (barrio y vecinos) de las políticas sociales de los países del Este.

En cada capítulo, correspondiéndose con cada uno de los mandamientos, y tomando éstos en su mayoría como excusa, incide en las dudas eternas del ser humano, en su procedencia y su destino, y sobretodo en su errático comportamiento durante la breve transición que supone la vida.


Fotograma Decálogo VI

Desde los capítulos más místicos, que comienzan con la duda entre un dios espiritual o un hombre material, a los más terrenales, que deberían servir de guía universal de convivencia, Kieslowsky incide en la ambigüedad, en la duda sobre una verdad única. Incide en los instintos primitivos de las personas y sus contradicciones. Incide en la soledad del individuo, en la desconfianza del semejante o en el escepticismo frente al amor. E incide, como desesperado recurso, en la fe hacia alguien superior que no se muestra, y que no da señales de existencia.

Animaros a venir, la tarde promete ser muy interesante. De momento os dejo con un montaje musical en el que veremos muchas imágenes correspondientes al Decálogo de Kieslowski.


martes, 20 de marzo de 2012

Adiós a Paco Valladares

 

Con más de sesenta títulos en teatro, cine y televisión y una carrera artística de 55 años que inició como locutor de televisión y actor de doblaje, Paco Valladares fue, por encima de todo, un gran amigo en opinión de los compañeros que acudieron a despedir al actor. Su voz y la forma en que recitaba fueron también destacadas por los numerosos compañeros de profesión que se acercaron al tanatorio de la M-30.

Para todos ellos, Paco Valladares, que falleció el sábado, en Madrid, a los 76 años por las complicaciones de una leucemia, fue un gran amigo y un gran profesional, presente siempre en la escena española desde diferentes ámbitos, pero al que no se le reconocieron suficientemente sus méritos. Esta era la opinión, entre otros, de dos de sus grandes amigas: María Teresa Campos y Concha Velasco, figuras clave en la vida de Valladares.

Paco Valladares nació en Pilas (Sevilla) en 1935. Durante muchos años dobló la voz de grandes actores internacionales, como Jeffrey Hunter, Richard Burton, Alain Delon, Clint Eastwood o Robert Redford.

Previamente, tras estudiar bachillerato y declamación, había comenzado su carrera artística en el Teatro Español Universitario (TEU) y en el cuadro de actores de Radio Nacional de España.

Como narrador, intervino en películas como "Franco: ese hombre" (1964), "Un Hombre como los demás" (1974) o "Manolito Gafotas" (1999). Debutó como protagonista en la obra de teatro de Alfonso Paso "Sosteniendo el tipo", y durante su carrera como actor actuó en muchas otras obras, como "El Gran Teatro del Mundo" o "Las mariposas son libres".

Actuó también en obras de teatro clásico como "La Orestiada", "Las Bacantes", "Calígula" o "Calipso", en el Teatro Romano de Mérida.

En Televisión Española trabajó, entre otras series, en "Platea" (1963), "Primera fila" (1963-1965), "Diego de Acevedo" (1966), "Historias de Hoy" (1967), "Las doce caras de Eva" (1971), o "David Copperfield". Además, presentó programas como "Noches de Gala" o "Suena la Copla", y en los últimos años participó en algunos programas junto con María Teresa Campos en Telecinco. También trabajó en algunos capítulos de las series televisivas "Hostal Royal Manzanares" (1996), "Siete vidas" (2003), "Aída" (2006) y "Hospital central" (2009).

En el mundo del cine no tuvo mucho suerte, ya que participó casi siempre en papeles secundarios y no especialmente relevantes. Basta recordar películas como "La gran familia" (1962), "Llegar a más" (1963), “El juego de la oca” (1966), "Las gatas tienen frío" (1970) o "Manolito Gafotas" (1999).



En 1998, el célebre actor sufrió un infarto, por lo que permaneció hospitalizado un tiempo.

Años más tarde, en 2008 enfermó de leucemia y tuvo que cancelar su gira, hasta enero de 2009, cuando volvió a los escenarios. Valladares regresó al teatro Reina Victoria de Madrid con la misma obra, "Llama un inspector", del británico J.B. Priestley y dirigida por Román Calleja.

En febrero de 2010 inició junto a María Garralón una gira por varias ciudades para representar una nueva versión de la "Trampa mortal", una comedia policiaca del escritor Ira Levin.

El actor ha compaginó esta gira con un proyecto para editar una nueva colección de discos, en los que recito a grandes poetas españoles como Rafael de León o Miguel Hernández, Federico García Lorca y Antonio Machado.

Valladares tiene en su haber varios galardones por su carrera. En 1984 obtuvo el premio de las comparsas bilbaínas "al actor menos premiado" y en 2009 consiguió el premio Mayte del Teatro de Cantabria A Toda Una Vida.

Nosotros hoy le recordamos en un especial de fin de año de TVE. Corría el año 1986 y estábamos a punto de entrar en el 1987, Paco Valladares junto a Raúl Sender, Concha Velasco, Bibiana Fernández y Mayra Gómez Kemp, nos ofrecieron un número delicioso: Las mujeres al poder. Este número musical fue muy recordado en TVE por la impresionante caída de Mayra, pero hoy nos fijaremos en él, lamentando la pérdida de este gran actor.  

lunes, 19 de marzo de 2012

Tenemos que hablar de Kevin, de Lynne Ramsay



Título original: We need to talk about Kevin. Dirección: Lynne Ramsay. País: Reino Unido y USA. Año: 2011. Duración: 112 min. Género: Drama. Guión: Lynne Ramsay y Rory Kinnear; basado en la novela de Lionel Shriver. Producción: Jennifer Fox, Luc Roeg y Robert Salerno. Música: Jonny Greenwood. Fotografía: Seamus McGarvey. Montaje: Joe Bini. Diseño de producción: Judy Becker. Vestuario: Catherine George. Estreno en España: 16 Marzo 2012.
Intérpretes: Tilda Swinton  (Eva), John C. Reilly (Franklin), Ezra Miller (Kevin adolescente), Siobhan Fallon (Wanda), Ursula Parker (Lucy), Jasper Newell (Kevin, 6-8 años), Rocky Duer (Kevin, niño).

Sinopsis:
Eva (Tilda Swinton) pone a un lado sus ambiciones y su carrera profesional para dar a luz a Kevin. La relación entre madre e hijo es complicada desde los primeros años. Cuando Kevin tiene 15 años hace algo irracional e imperdonable a los ojos de toda la comunidad. Eva lucha con sus propios sentimientos de dolor y responsabilidad. ¿Alguna vez llegó a amar realmente a su propio hijo? ¿De cuánto de lo que hizo Kevin fue culpable su madre?


Tilda Swinton

Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: Madre (Tilda Swanton) e hijo (Ezra Miller) están muy bien, dando credibilidad a sus personajes. La fotografía es buena, donde el color rojo toma protagonismo. El montaje también es complicado.
Lo peor de la película: El comienzo caótico de la película, con abusivo uso del flashback, nos ofrece secuencias que no se comprenden para nada, aunque poco a poco todo vaya encajando. Por ejemplo, la secuencia de la tomatada es sencillamente incomprensible. John C. Reilly podría haber estado más aprovechado.

Trailer de la película: