martes, 31 de enero de 2012

Recordando… Intolerancia, de David W. Griffith


Quizá en parte como respuesta a quienes criticaban el racismo de "El nacimiento de una nación" (1915), D.W. Griffith se concentró en oponerse a la censura. Lo expresó de una manera más abierta en el folleto "The Rise and Fall of Free Speech in America", publicado cuando se estaba exhibiendo "Intolerancia". La idea de Griffith para esta película, finalizada en las semanas posteriores al estreno de su anterior producción épica, consiste en yuxtaponer cuatro narraciones ambientadas en diferentes períodos de la historia que ilustran "la lucha del amor a través de los tiempos". Se trata de una selección de acontecimientos de la vida de Jesús; un relato de la antigua Babilonia, cuyo rey es traicionado por los que no aceptan su rechazo del sectarismo religioso; la historia de la matanza de San Bartolomé, cuando miles de protestantes fueron asesinados por orden de Carlos IX de Francia, siguiendo los pérfidos consejos de su madre, y una historia moderna en la que un joven, condenado a pesar de su inocencia por el asesinato de un compañero, es rescatado de la ejecución en el último minuto gracias a la intervención de su amada, que consigue el perdón del gobernador. Las historias no se presentan de forma lineal, sino que Griffith pasa de una a otra e introduce a menudo cortes para aumentar la tensión. Esta estructura revolucionaria resultó demasiado difícil para casi todos los espectadores de la época, que tal vez también se abstuvieron de ir a verla debido a la larga duración de "Intolerancia" (más de tres horas). Es probable que Griffith invirtiera hasta dos millones de dólares en el proyecto, pero la película nunca consiguió recuperar los gastos, ni siquiera cuando la cortaron y reestrenaron como dos películas diferentes, "The Fall of Babylon" y "The Mother and the Law".

No se escatimaron gastos en las impresionantes recreaciones históricas. Los enormes decorados de la parte que transcurre en Babilonia, que mucho tiempo después se convirtieron en algo característico de Hollywood, acogieron a tres mil extras. No se quedaron atrás los suntuosos vestidos y las trabajadas escenas de masas de la historia francesa. Aunque otras personas escribieron algunos de los rótulos, Griffith fue el responsable del complicado guión, en el que continuó trabajando a medida que avanzaba la producción. Sus actores habituales interpretaron de manera admirable los diversos personajes. Constance Talmadge está particularmente acertada como la "chica de la montaña" enamorada del desdichado príncipe Belshazzar (Alfred Paget) en la historia de Babilonia, así como Mae Marsh y Bobby Harron en los papeles de los amantes de la historia moderna.

Igual que en "El nacimiento de una nación", Griffith utiliza la estructura del melodrama victoriano para comunicar sus ideas políticas. Se examina la intolerancia a través de la lente del amor trágico, que aporta energía emocional y patetismo a lo que se narra. En la historia de Babilonia, Belshazzar y su amada Attarea (Seena Owen) se suicidan para no caer en las manos del victorioso Ciro de Persia (George Siegmann), y en la historia francesa, una pareja joven, él católico y ella protestante, no pueden escapar de la matanza.

"Intolerancia" es un monumento al talento de Griffith para escribir guiones, dirigir actores, diseñar tomas y montar lo rodado, una obra maestra de una envergadura que jamás ha sido igualada. Concebida para convencer, esta película influyó más al cine soviético de Sergei Eisenstein y otros cineastas que a los estadounidenses contemporáneos de Griffith.


Fotograma de Intolerancia


Para terminar os invito a ver sólo un instante, tan sólo un minuto de esta obra maestra de la Historia del Cine. En este breve minuto nos detendremos en la historia de Babilonia, donde podremos apreciar los elementos antes mencionados de tanta relevancia. Por un lado, los maravillosos decorados construidos para dar mayor monumentalidad a la historia. En el apartado técnico es preciso admirar los impresionantes travelling avant y ascendentes por las escalinatas del templo que realiza Griffith, mediante el uso de gigantescas grúas para dar mayor grandiosidad a la filmación. Por otro lado, el estupendo vestuario con que va ataviado todo el elenco artístico. Y, por último, fijaros en la cantidad de extras que aparecen, todo ellos se mueven a la perfección al son que les marca el realizador, convirtiéndose Griffith también en un magnífico director de masas.

Espero que viendo este breve minuto de la película os entre la curiosidad por verla al completo. Merece la pena.  

lunes, 30 de enero de 2012

Albert Nobbs, de Rodrigo García




Título original: Albert Nobbs. Dirección: Rodrigo García. Países: Reino Unido e Irlanda. Año: 2011. Duración: 113 min. Género: Drama. Guión: Glenn Close, John Banville y Gabriella Prekop; basado en un relato de George Moore. Producción: Glenn Close, Bonnie Curtis, Julie Lynn y Alan Moloney. Música: Brian Byrne. Fotografía: Michael McDonough. Montaje: Steven Weisberg. Diseño de producción: Patrizia von Brandenstein. Vestuario: Pierre-Yves Gayraud. Estreno en España: 27 Enero 2012.
Intérpretes: Glenn Close (Albert Nobbs), Mia Wasikowska (Helen), Aaron Johnson (Joe), Jonathan Rhys Meyers (Yarrell), Brendan Gleeson (Dr. Holloran), Mark Williams (Sean), Janet McTeer (Hubert), Pauline Collins (Sra. Baker), Brenda Fricker (Polly).

Sinopsis:
En el siglo XIX, en un lujoso hotel de Dublín, una mujer (Glenn Close) se ve obligada a hacerse pasar por un hombre para poder sobrevivir.

Glenn Close y Janet McTeer

Calificación: 8, Muy Buena.
Lo mejor de la película: En primer lugar, el magnífico trabajo realizado por Glenn Close, seguida muy de cerca por la estupenda Janet McTeer. Wasikowska y Collins también están bien. Un vestuario muy cuidado y una fotografía acertadísima. La ambientación de la película está muy lograda. Impresionante la secuencia en la que Albert Nobbs y Hubert se visten de mujer.   
Lo peor de la película: Quizás algún fallo en el guión, en el que ha participado la propia Close, donde se deja el recorrido de ciertos personajes un poco escaso, que se hubiera podido resolver con un metraje más corto.

Trailer de la película:

domingo, 29 de enero de 2012

Los 5 rostros de... Mark Strong




Marco Giuseppe Salussolia, conocido como Mark Strong, es un actor británico, nacido en Londres, el 30 de agosto de 1963.

Su formación artística se inicia cuando decide estudiar Arte Dramático en la Royal Holloway, posteriormente estudió un posgrado en la Bristol Old Vic Theatre School.

Comienza su carrera artística en la década de los noventa en series de televisión, cosechando enormes éxitos. También son destacables sus trabajos en el teatro.

Por lo que respecta al cine, su pistoletazo de salida fue el personaje de Steve, en la adaptación que Nick Hornby hizo sobre Fever Pitch en 2004 coprotagonizada por Colin Firth. Posteriormente va a participar en numerosas películas de gran relevancia.

Pero nosotros vamos a centrarnos en 5 personajes, donde Mark Strong, nos presenta 5 rostros bien distintos:


1.  Personaje: Hani. Filme: Red de Mentiras (Ridley Scoot, 2008) 



2.  Personaje: Lord Blackwood. Filme: Shelock Holmes (Guy Ritchie, 2010)



3.  Personaje: Siniestro. Filme: Linterna Verde (Martin Campbell. 2011)



4.  Personaje: Jim Prideaux. Filme: El topo (Tomas Alfredson, 2011)



5.  Personaje: Sultan Amar. Filme: Oro negro (Jean-Jacques Annaud, 2011)



Observando su filmografía podremos darnos cuenta como su presencia es cada vez mayor en el panorama cinematográfico actual, por lo que hace presagiar nuevos e interesantes rostros para este actor.

Estaremos expectantes.  

sábado, 28 de enero de 2012

Jack y su gemela, de Dennis Dugan




Título original: Jack and Jill. Dirección: Dennis Dugan. País: USA. Año: 2011. Duración: 91 min. Género: Comedia. Guión: Steve Koren y Adam Sandler; basado en un argumento de Ben Zook. Producción: Jack Giarraputo, Todd Garner y Adam Sandler. Música: Rupert Gregson-Williams. Fotografía: Dean Cundey. Montaje: Tom Costain. Diseño de producción: Perry Andelin Blake. Vestuario: Ellen Lutter. Estreno en España: 20 Enero 2012.
Intérpretes: Adam Sandler (Jack/Jill), Katie Holmes (Erin), Al Pacino (él mismo), Allen Covert (Joel), Eugenio Derbez (Felipe), David Spade (Monica), Nick Swardson (Todd), Geoff Pierson (Carter), Santiago Segura.

Sinopsis:
La vida de Jack es prácticamente perfecta, salvo por un atormentador detalle: Jill, su hermana gemela. Cada año se ve obligado a tolerar la visita en Acción de Gracias de su agobiante hermana, que se especializa en poner sus vidas patas arriba en cuestión de días. Cuando la intrusión de fin de semana se alarga al mes, comienzan las típicas peleas, bromas y discusiones de hermanos gemelos. Cuando todo parece indicar que Jill se piensa quedar, Jack emplea sus artimañas con la esperanza de que ella vuelva al lugar que le corresponde: al otro lado del país.

Santiago Segura

Calificación: 3, Mala.
Lo mejor de la película: La breve exhibición en tanga de Santiago Segura, para echarse unas risas.
Lo peor de la película: Casi todo, empezando por el guión y terminando por las interpretaciones del reparto al completo: Sandler (haciendo el payaso como siempre), Katie Holmes (fatal como de costumbre últimamente), Al Pacino (ridículo parodiándose a sí mismo), etc. Mala, mala de solemnidad. ¿Cuándo dejarán los americanos de hacer escenas donde sus protagonistas se tiran pedos para hacer reir? En este tipo de género estos gags están supermanidos, esa reiterada obsesión americana raya la ridiculez. Pero claro, habrá alguien que le haga gracia.  ¡¡¡Qué risa!!!   
Trailer de la película:


jueves, 26 de enero de 2012

Jean Pierre Melville. Un francotirador “americano” en París.


 El subtítulo que asigno al gran Jean Pierre Melville lo tomo prestado del extracto de una crítica de Luis Martínez al filme “Le doulos”: 

“La primera obra maestra de uno de los francotiradores más cautivadores del cine francés. Según la novela de Pierre Lesou, es una gélida radiografía de la mentira. Thriller intenso con aires de tragedia clásica" (Luis Martínez: Diario El País). 

No podría estar más de acuerdo con la afirmación de Martínez si no fuera porque “olvida” que años antes de esta obra maestra, el francotirador Melville ya había realizado varios disparos excelsos: su primera parte de la trilogía sobre la ocupación alemana de Francia (“El silencio del mar”), la deslumbrante “Bob el jugador” o la obra que definitivamente le permitió, a través de su éxito de público, comenzar a manejar grandes presupuestos y trabajar con estrellas a sus órdenes (“León Morín, sacerdote”, interpretada por Belmondo), mención aparte de una aclamada versión cinematográfica de la obra teatral de Cocteau “Les enfants terribles”.

“Jean Pierre Melville es considerado precursor de la nouvelle vague y considerado un exponente clarísimo del cine polar (cine negro) francés. Sus películas, sobre todo las de la década de los 60, acusan una exaltación total de la amistad entre hombres, muchas de estas películas basadas en historias de gángsteres y de personajes que han vivido la Segunda Guerra Mundial, durante la Francia ocupada por el ejército nazi, ya que él mismo fue protagonista activo de la contienda. 

La exaltación, por parte de los críticos de la revista Cahiers du Cinéma, del cine de autor, les lleva a descubrir y lanzar a Melville como patrón de ejemplo y guía de lo que debe ser el "nuevo cine francés", si bien él mismo descreía de la existencia de la Nueva Ola y de que se pudiera hablar de un estilo Nueva Ola: “El estilo Nueva Ola no existe. La Nueva Ola no fue más que una manera económica de hacer películas, eso fue todo”. Pero más allá de esa declaración de escepticismo, es necesario aceptar que existieron unos cambios visibles entre el cine francés de los años treinta y cuarenta y lo que ensayaron los realizadores de la Nueva Ola”.

Melville inicia su andadura como cineasta total (guionista, productor, director, editor) por razones políticas, ya que, tras el final de la 2ª Guerra Mundial, al ser considerado de ideología derechista, es rechazado por el poderoso sindicato cinematográfico, lo cual no le desalienta en su empeño de convertirse en director de cine, creando en el distrito 13º de París sus propios “Studios Jenner”, en los que crearía gran parte de su universo de celuloide, aparte de residir en su planta alta durante bastantes años.

Para comprender su poliédrica figura resulta de imprescindible visionado el documental de la serie “Cineastes de notre temps”, realizado por André S. Labarthe y titulado “Jean Pierre Melville. Portrait en neuff posses”, en el que Melville desgrana sus facetas de empresario, solitario, soñador, autor, nostálgico, perfeccionista… En esta larga entrevista resulta sintomática su lacónica -y ausente de falsa modestia- respuesta cuando es preguntado sobre su nivel de conocimientos técnicos sobre el cine: “Lo sé todo”; no en vano -junto con Kubrick, quizás-, se trata de un caso sin parangón, pues reconoce haber estudiado y analizado a fondo la obra y técnica fílmica de ¡63! realizadores del período clásico del Hollywood de los años 30, por lo que el cine no parecía tener misterios técnicos para el gran Melville.

Sobre la definición que le atribuía ser “el más americano de todos los directores franceses”, que le persiguió durante toda su carrera, la declinaba con la misma vehemencia que su supuesta paternidad sobre la “nouvelle vague”; tajantemente rechazaba ser un director que intentase hacer películas americanas en Francia; sólo tomaba algunas temáticas del cine americano para, partiendo de ellas, realizar sus filmes, adaptándolas al espectador francés y europeo, aunque se reconocía capacitado para, en un futuro, haber realizado una película completamente americana, transformándose en un director al uso americano.

El mundo de sus películas es una recreación fantástica e ilusionada de su propio mundo, de sus pensamientos, de los objetos que le rodean, de su sempiterna soledad, que se traslada a esos infinitos silencios de sus personajes, de su atracción por la noche y sus criaturas –nunca completamente buenas o malas-, de su nostalgia por el paraíso perdido del pasado, del París del período entre guerras -“Yo soy un hombre del pasado”-, de unos hombres –casi siempre hombres- que con el estoicismo de un samurai se enfrentan a un destino inexorable que, como al Santiago Nasar de García Márquez, les conduce sin remedio a un final ya intuido tanto por ellos como por el espectador desde los créditos iniciales, pero que arrostran sin pestañear. Sus hampones perdedores acuden con paso lento pero firme y decidido hacia su destino, con cierto aire de tragedia clásica, emulando al Pélida, sabedor de que en las murallas de Ilio se daban cita su sino, la gloria y la inevitable muerte, ética y estética tan emulada posteriormente por otros directores modernos que le son tributarios (Michael Mann, John Woo, Martin Scorsese, Johnny To, Quentin Tarantino, Neil Jordan…).

Estos personajes crepusculares y sometidos a su destino son una constante en el cine de Melville. No crea tipos buenos o malos en función de sus actos o del lado de la ley en que se encuentran, sino de los códigos que les rigen, tal y como un samurai que mata con arreglo a lo prescrito en el “Bushido”, o un pistolero que hace lo mismo en el “far west”.

Dejo un par de trailers de dos de sus películas más señeras, en las que aborda dos de sus leit motivs, el cine negro y gangsteril y la Resistencia antinazi: 

"Le samourai" (El silencio de un hombre), con Alain Delon.


"L'armée des ombres" (El ejército de las sombras), con Lino Ventura.

Silencio en la nieve, Gerardo Herrero



Título original: Silencio en la nieve. Dirección: Gerardo Herrero. Países: España y Lituania. Año: 2011. Duración: 114 min. Género: Thriller, drama. Guión: Nicolás Saad; basado en la novela “El tiempo de los emperadores extraños”, de Ignacio del Valle. Producción: Gerardo Herrero y Mariela Besuievsky. Música: Lucio Godoy. Fotografía: Alfredo Mayo. Dirección artística: Eduardo Hidalgo. Vestuario: Lena Mossum. Estreno en España: 20 Enero 2012.
Intérpretes: Juan Diego Botto (Arturo), Carmelo Gómez (sargento Espinosa), Jordi Aguilar (cabo Aparicio), Víctor Clavijo (sargento Estrada), Francesc Orella (Zarauza), Sergi Calleja (Tiroliro), Adolfo Fernández (Navajas), Andrés Gertrúdix (Guerrita), Manu Hernández (Pablito), Toni Hernández (Servando), Javier Mejía (capitán Larios).

Sinopsis:
La historia de “Silencio en la nieve” nos traslada al frente de Rusia, en invierno de 1943. Un batallón de la División Azul se topa con una serie de cabezas de caballos esparcidas sobre la superficie congelada de un lago. Los cuerpos están sumergidos bajo el hielo. Montado sobre uno de los caballos, el cadáver de un soldado español. Un tajo le atraviesa el cuello de lado a lado, y en el hombro tiene una inscripción grabada a cuchillo que dice “mira que te mira Dios”. Los mandos encargan la investigación al soldado Arturo Andrade, ex inspector de la policía, que asume la tarea con rigor y profesionalidad. Arturo cree que el asesinato está relacionado con la masonería. Hay también una segunda hipótesis: que la víctima fuera un agente pro-soviético infiltrado en la División.


Carmelo Gómez y Juan Diego Botto


Calificación: 5, Mediana.
Lo mejor de la película: La dirección artística y la fotografía (un poco oscura). La propuesta que formula Herrero es muy interesante, aunque no acierta en su desarrollo.
Lo peor de la película: La historia promete mucho al comenzar, pero se va desinflando poco a poco y no acaba de convencer. Demasiadas subtramas que quedan sin definir. Los actores, en general, están cortitos, destacando a duras penas un Carmelo Gómez que hace lo que puede. Algunos actores ni se le entienden lo que dicen, como Adolfo Fernández, que habría que subtitularlo, como si hablara en otro idioma. ¿Qué pasa con la vocalización de algunos actores españoles o se trata, quizás, de un pésimo sonido directo? Por otro lado, el personaje femenino (amante de Arturo) está metido con calzador.   

Trailer de la película:


miércoles, 25 de enero de 2012

Oro negro, de Jean-Jacques Annaud




Título original: Black gold. Dirección: Jean-Jacques Annaud. Países: Francia, Italia y Qatar. Año: 2011. Duración: 124 min.  Género: Aventuras, drama. Guión: Jean-Jacques Annaud y Menno Meyjes; basado en la novela “Al sur del corazón”, de Hans Ruesch. Producción: Tarak Ben Ammar y Chris Clark. Música: James Horner. Fotografía: Jean-Marie Dreujou. Montaje: Hervé Schneid. Vestuario: Fabio Perrone. Estreno en España: 20 Enero 2012.
Intérpretes: Tahar Rahim (Auda), Antonio Banderas (Nesib), Mark Strong (Amar), Freida Pinto (Leyla), Riz Ahmed (Ali), Akin Gazi (Saleh), Liya Kebede (Aisha).

Sinopsis:
Principios del siglo XX, Arabia. Bajo el implacable cielo del desierto, dos jefes tribales se declaran la guerra y se enfrentan. Los cuerpos de sus guerreros quedan esparcidos por el campo de batalla. Nesib, emir de Hobeika, es el vencedor e impone las condiciones a su rival Amar, sultán de Salmaah. Aceptan no intentar hacerse con la tierra de nadie que separa los dos reinos, conocida como Franja Amarilla. Como garantía, y de acuerdo con las leyes tribales de entonces, Nesib “adoptará” o, mejor dicho, se llevará como rehenes a los dos hijos de Amar, llamados Saleeh y Auda. Pasan los años, y Saleeh, que es un guerrero nato, quiere escapar de la jaula dorada en la que está encerrado y regresar a las tierras de su padre. Sin embargo, a Auda sólo le importan los libros y el conocimiento. Un día, llega un empresario de Texas para ver a Nesib, y le cuenta al emir que hay petróleo en sus tierras. Le promete riquezas que van mucho más allá de lo que pueda imaginar. Nesib ya ve un reino con carreteras, escuelas y hospitales construidos gracias al oro negro escondido debajo de la arena. Pero hay un problema: el petróleo está en la Franja Amarilla. Ha llegado el momento del último enfrentamiento para hacerse con el control de la Franja Amarilla, de los dos reinos y, sobre todo, del futuro.

Mark Strong

Calificación: 6, Aceptable.
Lo mejor de la película: Entretenimiento asegurado para los amantes del cine de aventuras. El diseño de producción en general y la dirección artística en particular son muy buenos. Sobresale la actuación de Mark Strong entre el resto del reparto mucho más endeble. La música de Horner, como siempre, muy a la medida de lo que se espera.
Lo peor de la película: Antonio Banderas, como jeque árabe, raya lo paródico. Problemas de casting o Annaud, que no acaba de dominar la dirección de actores.  

Trailer de la película:

martes, 24 de enero de 2012

Bancos, de Santi Amodeo y Alberto Rodríguez


COLECCIÓN DE CORTOS PROYECTADOS EN EL TALLER DE CINE


Título original: Bancos. Dirección: Alberto Rodríguez y Santi Amodeo. País: España. Año: 1999. Duración: 12 minutos. Guión: Santi Amodeo. Producción: Juan Sánchez Veiga. Fotografía: Álex Catalán. Montaje: Antonio J. Fuentes. Sonido: Daniel de Zayas.

Intérprete: Álex O’Dogherty.
                       
Sinopsis: ¿No me diga usted que no ha tenido en alguna ocasión la tentación de robar un banco?

Consideraciones: Rodado en Sevilla, fue el primer proyecto  cinematográfico de ambos directores, que realizarían también juntos el largometraje El factor Pilgrim (2000). Después de esto cada uno dirigió en solitario: disfrutamos de Astronautas (2003) y de Cabeza de perro (2006) de Santi Amodeo, mientras que Alberto Rodríguez creó El traje (2002), 7 vírgenes (2005) y After (2009). Este corto fue además el lanzamiento cinematográfico del actor Álex O’Dogherty, que cuenta ya con una larga experiencia en cine y televisión.

Prestar atención: Al dinamismo que desprende gracias al acierto en música y montaje. La voz en off, que en otras películas puede molestar, acompaña bien la imagen y nos facilita una adecuada audición. La historia nos entretiene e intriga: resulta interesante la elipsis que se produce cuando el actor nos mira a través de la cámara de seguridad del banco, así como el incluir secuencias de la vida cotidiana y gris del protagonista que nos permiten comprender mejor sus momentos de evasión. Ejemplifica cómo se puede realizar un buen cortometraje con pocos medios.

Álex O'Dogherty

lunes, 23 de enero de 2012

Los descendientes, de Alexander Payne



Título original: The descendants. Dirección: Alexander Payne. País: USA. Año: 2011. Duración: 110 min. Género: Drama, comedia. Guion: Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash; basado en la novela de Kaui Hart Hemmings. Producción: Jim Burke, Alexander Payne y Jim Taylor. Fotografía: Phedon Papamichael. Montaje: Kevin Tent. Diseño de producción: Jane Ann Stewart. Vestuario: Wendy Chuck. Estreno en España: 20 Enero 2012.
Intérpretes: George Clooney (Matt King), Judy Greer (Julie Speer), Matthew Lillard (Brian Speer), Beau Bridges (primo Hugh), Shailene Woodley (Alexandra), Robert Forster (Scott Thorson), Nick Krause (Sid), Patricia Hastie (Elizabeth King), Amara Miller (Scottie King), Mary Birdsong (Kai Mitchell), Rob Huebel (Mark Mitchell).
Sinopsis:
Matt King (George Clooney), casado y padre de dos niñas, se ve obligado a reconsiderar su pasado y a encauzar su futuro cuando su mujer sufre un terrible accidente de barco en Waikiki. Matt intenta torpemente recomponer la relación con sus hijas —la precoz Scottie, de 10 años, y la rebelde Alexandra, de 17—, al mismo tiempo que se enfrenta a la difícil decisión de vender las tierras de la familia. Herencia de la unión entre la realeza hawaiana y los misioneros, los King poseen algunas de las últimas zonas vírgenes de playa tropical de las islas, de un valor incalculable. Cuando Alexandra suelta la bomba de que su madre tenía una aventura amorosa en el momento del accidente, Matt tiene que empezar a mirar con ojos nuevos toda su vida, por no hablar de su herencia, durante una semana plena de cruciales decisiones. Con sus hijas a cuestas, Matt se embarca en la azarosa búsqueda del amante de su mujer. A lo largo del camino, donde se van alternando encuentros divertidos, conflictivos y trascendentales, Matt comprende que por fin se halla en la buena dirección para reconstruir su vida y su familia.

George Clooney

Calificación: 7, Buena.
Lo mejor de la película: Estupendo guión, salpicado del buen humor “negro”, típico de Payne, exento por completo de sensiblería, a pesar del tema a tratar. Payne derrocha en cada plano humanidad y sensibilidad. Las buenas interpretaciones del reparto al completo nos desvelan una dirección de actores formidable por parte de Payne, destacando de manera especial George Clooney, quien tiene casi asegurado el Óscar este año. Basta fijarse en un personaje secundario, por ejemplo, Sid, el amigo de Alexandra, está genial. La selección musical magnífica.
Lo peor de la película: Los temas de carácter ecológico sobran. El estilismo de Clooney, con esas camisas hawaianas, esos pantalones cortos y esas chancletas, por favor, si no fuera porque es un actor atractivo, a ver quién iba a aguantar esa indumentaria durante todo el metraje.

Trailer de la película:

viernes, 20 de enero de 2012

Banda Sonora de... Braveheart




Braveheart (1995) es la segunda película de Mel Gibson como actor y director, tras la sensible El hombre sin rostro (1993), también con música de James Horner.

Esta vez tomó como referencia el hecho real ocurrido en 1314 cuando el patriota escocés William Wallace se levantó en armas contra los ingleses durante el reinado del cruel rey Eduardo I.

Sus realistas escenas de batalla y el tono romántico elegido por Gibson la hicieron justa ganadora de 4 Oscar: mejor película, director, fotografía y maquillaje. Sorprendentemente, el impresionante poema musical en que acaba convertida su banda sonora fue derrotada en la ceremonia de los Oscar.

Dirigiendo a la Orquesta Sinfónica de Londres, Horner logró su obra cumbre con una emotiva, sobria y épica partitura, con cortes de sublime belleza lírica como “For the love of a princess” o los majestuosos “End credits”. A reseñar los coristas de la Abadía de Westminster y solistas como Tony Hinnigan y Eric Rigler que también participan en la película. El compacto resultó de lo más vendido del año, tanto que incluso fue editado un segundo volumen llamado “More music from Braveheart”, que incluía temas tradicionales escoceses, diálogos de la película y música inédita.

Hemos seleccionado algunas imágenes de la película para escuchar de fondo dos temas de su fantástica banda sonora, el primero es el tema que abre el CD “Main Title”, y el segundo “For the love of a princess”, quizás el corte más conocido. A disfrutar.


miércoles, 18 de enero de 2012

Carl Th. Dreyer: entre la ira y la palabra, en CICUS



Este miércoles, 18 de enero de 2012, a las 18,00 horas, presentamos en CICUS una nueva actividad de nuestra Asociación “Linterna Mágica”. Lleva por título: Carl Th. Dreyer: entre la ira y la palabra.
Comenzaremos con la proyección de la magnífica película El día de la ira (1943) de Dreyer, seguida de una Mesa Redonda, como siempre, compuesta por interesantes contertulios.   
Esta película es una de las 5 películas sonoras de Dreyer. Recordemos que este director comenzó su carrera en el cine silente.
El guión es de Carl Th. Dreyer, Poul Knudsen y Mogens Skot-Hansen, según la obra teatral Anne Pedesdotter (1906) de Hans Wiers-Jenssens.
La fotografía en blanco y negro es de Karl Andersson. La dirección artística corre a cargo de Erik Aaes. La música es de Poul Schierbek.
En el equipo artístico se encuentran Thorkild Roose (Rev. Absalom Pedersson), Lisbeth Movin (Anne Pedersdotter, su segunda mujer), Sigrid Neiiendam (Meret, su madre), Preben Lerdorff Rye (Martin, su hijo), Anna Svierkier (Herlofs Marte).

Fotograma de "El día de la ira"

La película se inspira en hechos ocurridos en una aldea danesa a finales del XVI. Narra la historia de los terrores que se desencadenan en una comunidad a raíz de la muerte en la hoguera de una supuesta bruja, Marta de Herlofs. El terror afecta a todas las mujeres, mayores y jóvenes, que por capricho, envidia o deseos de venganza, pueden ser acusadas impunemente de brujería y condenadas a la hoguera. Afecta a los inquisidores, sobre los que recaen las maldiciones y los conjuros mortales de las presuntas brujas. Afecta a los poderosos, que se sienten amenazados por los presuntos poderes de las brujas, con facultades diabólicas de matar con el deseo, enamorar con la voluntad, seducir con la mirada y propagar el mal al servicio de Satán. Afecta a los débiles, que se defienden mediante la delación, la traición y la mentira. El terror genera espirales imparables de venganza, represión y muerte. El mundo perverso de la muerte tiene su contrapunto en Anne, la protagonista, joven, hermosa, apasionada, alegre, amante de la vida, soñadora. Ríe, juguetea y ama en un mundo impregnado de tristeza, miedo y sangre.
La película se estrenó en Copenhague el 13-XI-1943, durante la ocupación alemana. Denuncia la espiral que se teje entre represión y venganza. Apuesta por la libertad y la paz. Lo hace bajo la dominación nazi, asumiendo riesgos incalculables.
No os digo nada más, sólo que si queréis disfrutar de buen cine, ya sabéis donde estamos esta tarde. Hasta luego.


martes, 17 de enero de 2012

La chispa de la vida, de Álex de la Iglesia



Título original: La chispa de la vida. Dirección: Álex de la Iglesia. País: España. Año: 2011. Duración: 98 min. Género: Tragicomedia. Guión: Randy Feldman. Producción: Andrés Vicente Gómez y Ximo Pérez. Fotografía: Kiko de la Rica. Montaje: Pablo Blanco. Dirección artística: Arturo García y José Arrizabalaga. Estreno en España: 13 Enero 2012.
Intérpretes: José Mota (Roberto), Salma Hayek (Luisa), Blanca Portillo (Mercedes), Juan Luis Galiardo (alcalde), Fernando Tejero (Johnny), Manuel Tallafé (Claudio), Santiago Segura (David Solar), Antonio Garrido (Dr. Velasco), Carolina Bang (Pilar Álvarez), Joaquín Climent (Javier).
Sinopsis:
Roberto es un publicista en paro que queda atrapado en un accidente de manera que nadie se pone de acuerdo en la manera de rescatarlo. Una situación absurda y dramática que llama la atención de los medios de comunicación, que convierten la tragedia en un espectáculo. En semejante tesitura, Roberto decide sacar partido y vender la exclusiva para solucionar para siempre los problemas económicos de su familia.


Salma Hayek

Calificación: 5, Mediana.
Lo mejor de la película: En el largo plantel actoral sólo se destaca la estupenda Blanca Portillo, que no puede hacer mucho debido a los huecos del guión, rayando a veces en el histrionismo. Pero vamos, peor están sus compañeros. Las imágenes del Teatro Romano de Cartagena son estupendas, una magnífica forma de dar a conocer este interesante monumento.   
Lo peor de la película: El sobrevalorado Alex de la Iglesia apuesta ahora por una comedia dramática donde no deja títere con cabeza, poniendo en esta ocasión el acento en los medios de comunicación en general y en la telebasura en particular, sin olvidarse de las cabezas políticas y empresariales impresentables y sin escrúpulos. No sabemos si será su singular venganza tras su paso por la presidencia de la Academia. El guión cortito y con sifón que no da para mucho, mejor para un telefilme que para una cinta cinematográfica. Se advierte poca química entre los dos protagonistas: Mota y Hayek. Ambos correctos pero sin brillar.  

 Trailer de la película: