jueves, 31 de marzo de 2011

Cine Quinqui, en el Taller de Cine


Durante el presente curso hemos realizado en nuestro Taller de Cine una incursión en el denominado Cine Quinqui.
Lo podríamos definir como un subgénero coyuntural de acuñación española nacido a remolque de la eclosión del fenómeno social de la delincuencia juvenil, que vivió su gloria entre mediados de los años setenta y mediados de los ochenta del siglo XX.
En este cine parecen confluir la tradición de la picaresca, el neorrealismo y las coetáneas hipérboles de la prensa sensacionalista, bajo el paraguas formal de un cine de acción posibilista y la herencia de la serie negra de óptica marginal.
Convivieron en ese ámbito posicionamientos ideológicos de todo clase y su gloria efímera contribuyó a formar un star system de extrarradio condicionado por las fechas de caducidad de todo malditismo.
Las claves más relevantes para entender este cine son: el predominio del actor-delincuente para proporcionar un mayor realismo (José Antonio Valdelomar, Ángel Fernández Franco “El Torete”, José Luis Manzano, José Luis Fernández “El Pirri”, etc), la localización de escenarios en los extrarradios de la ciudad, el robo de coches y las drogas como temas preferidos, ciertos toques eróticos (en conexión con el cine del destape contemporáneo a éste), el argot utilizado en todas las películas suele ser el habitual de barrios humildes, de ambientes delictivos y también se utilizan algunas palabras originales del caló, la crítica social con ataques a ciertos estamentos sociales, las bandas sonoras repletas de temas musicales aflamencados: Los Chunguitos, Los Chichos, Bordón 4, etc.
El auténtico padre del género fue José Antonio de la Loma (Perros Callejeros, Perros Callejeros 2, Los últimos golpes del Torete, Yo el Vaquilla, etc.), seguido muy de cerca por el vasco Eloy de la Iglesia (Navajeros, El Pico, El Pico II, Colegas, La estanquera de Vallecas, etc.) No obstante, otros autores también se vieron seducidos por este género, como Manuel Gutiérrez Aragón (Maravillas, 1980), Roberto Bodegas (Matar al Nani, 1988), Vicente Aranda (El Lute: camina o revienta, 1987), o Carlos Saura.
Os dejamos con una secuencia del comienzo de la fantástica película de Carlos Saura “Deprisa, deprisa” (1980), que fue Oso de Oro en el Festival de Berlín.

miércoles, 30 de marzo de 2011

Adiós a Elizabeth Taylor


¡Qué pena! Nos dejó la última faraona de la época dorada de Hollywood. Liz Taylor interpretó de forma radiante la Cleopatra (1963) de Mankiewicz y la pasada semana nos abandonaba a la edad de 79 años.
Ganadora de dos óscars de Hollywood, uno por “Una mujer marcada” (1961) y otro por “¿Quién teme a Virginia Wolf?” (1966), estuvo casada en ocho ocasiones y tuvo cuatro hijos. Su tormentoso romance con el actor Richard Burton es por todos conocido.
Nacida en Londres, el 27 de febrero de 1932, se traslada a California siendo muy joven. Allí comenzará a trabajar en el cine siendo aún una niña, participando en películas de la saga de la perrita Lassie. Mujercitas, El padre de la novia, Ivanhoe, serían sus primeros éxitos en el cine.
Luego llegaría “Gigante” (1956), junto a James Dean, “La gata sobre el tejado de zinc” (1958), junto a Paul Newman, “De repente el último verano” (1959), junto a Montgomery Clift, “Reflejos de un ojo dorado” (1967), junto a Marlon Brando y un largo etcétera que la convertiría en una auténtica diva del Hollywood dorado.
En los 70 comienza su declive en el cine, participando en películas menores y series de televisión, por lo que se vuelca en labores humanitarias y filantrópicas.
Hoy la recordamos envuelta en una alfombra, Rex Harrison se sorprendía por su belleza sin igual y nosotros también cada vez que vemos esta secuencia.  


martes, 29 de marzo de 2011

Acto de Inauguración de Linterna Mágica (y 3)


Por fin tenemos el vídeo-montaje con todas las fotos del acto inaugural de nuestra Asociación. Un fantástico día para el recuerdo gracias a las magníficas fotos realizadas principalmente por Benito Herrera.
Durante la primera parte del acto, a lo largo de casi dos horas, vivimos muchos momentos intensos de puro cine, que pasarán a formar parte de nuestra memoria.
La convivencia que se vivió en el segundo momento del acto, durante el cátering, nos permitió reencontrarnos con muchos de los amantes del cine, a esos que une nuestra LINTERNA MÁGICA, nexo y "leitmotiv" para y por la cinematografía.
De esta forma, hacemos que nuestra Asociacíón, sirva de motor de enlace cinematográfico y amistoso entre todos las personas asociadas y simpatizantes.
Disfrutad del vídeo, permitir que las imágenes os transporte al día en cuestión.
Muchas gracias por la asistencia

lunes, 28 de marzo de 2011

El Museo en el cine: Pintura

Como estamos viendo en nuestro Taller de Cine, el séptimo arte se ha beneficiado de muchos de los logros técnicos de otras disciplinas artísticas más antiguas, especialmente de la pintura y la escultura, que desde hace siglos han avanzado en la tarea de desentrañar los secretos de la perspectiva, la composición, el uso de la luz o el color, por ejemplo. Por su parte, el cine ha contribuido a dar conocer a muchos artistas y ha concedido a distintas obras de arte un papel significativo en el argumento de varias películas. En algunos casos, las cámaras han entrado directamente en un Museo y nos han permitido realizar una particular visita guiada, sin movernos de nuestra butaca.

Un buen ejemplo de esto lo encontramos en la interesante película Hace mucho que te quiero (2008) de Phillipe Claudel. Su protagonista, Juliette (encarnada por Kristin Scott Thomas) ha salido en libertad después pasar quince años en la cárcel, sin muchas opciones, acepta la hospitalidad que le ofrece su hermana pequeña, que la acoge en su casa de Nancy, pequeña ciudad en el norte de Francia. En una de las escena, Juliette visita el Museo de Bellas Artes y, deambulando por sus salas, se queda impactada por la fuerza que transmite un cuadro de gran formato que representa el dolor de unas mujeres enlutadas, postradas ante una tumba abierta, en la que están dando sepultura a un ser querido, la composición estremece a la protagonista de la película, que no ha superado la trágica perdida de su hijo de corta edad.


El cuadro se titula La douleur (Dolor) y fue pintado por Emile Friant (1863-1932). El lienzo destaca por el realismo de la composición, el dramatismo de los personajes y el dolor en las expresiones y rostros, todo acentuado por la elección de los colores y de la perspectiva. Gracias a esta película hemos conocido al pintor Emile Friant y una pequeña parte de su obra, conservada en el Museo de Nancy, ciudad en la vivió y murió en 1932. Si os ha interesado este artista, podéis ver ésta y otras de sus obras en el siguiente video.


Nunca me abandones, de Mark Romanek



Título original: Never let me go. Dirección: Mark Romanek. Países: Reino Unido y USA. Año: 2010. Duración: 105 min. Género: Drama, romance, ciencia-ficción. Guion: Alex Garland; basado en la novela de Kazuo Ishiguro. Producción: Andrew Macdonald y Allon Reich. Música: Rachel Portman. Fotografía: Adam Kimmel. Montaje: Barney Pilling. Diseño de producción: Mark Digby. Vestuario: Rachael Fleming y Steven Noble. Estreno en España: 18 Marzo 2011.
Intérpretes: Carey Mulligan (Kathy), Andrew Garfield (Tommy), Keira Knightley (Ruth), Charlotte Rampling (Srta. Emily), Sally Hawkins (Lucy), Isobel Meikle-Small (joven Kathy), Ella Purnell (joven Ruth), Charlie Rowe (joven Tommy).

Sinopsis:
Ruth, Kathy y Tommy pasan su infancia juntos en el internado inglés de Hailsham y son inseparables. Sin embargo, a medida que van creciendo tienen que afrontar los sentimientos que van germinando en su interior: Tommy y Ruth se convierten en pareja, pero Kathy también está enamorada de Tommy. Pero además, hay un secreto sobre su futuro que descubrirán en el internado, algo que afectará de forma directa a su destino y su vida adulta.

Carey Mulligan, Keira Knightley y Andrew Garfield

Calificación: 6, Aceptable
Lo mejor de la película: Muy bien el reparto, incluidas las niñas, destacando Andrew Garfield (muy buena la secuencia en la que pega un desgarrador grito de impotencia ante su inexorable destino). La música de Portman estupenda. Obra de cine-forum para suculentos debates sobre la perspectiva ético-médica que plantea.  
Lo peor de la película: A ratos, sobre todo, cuando los protagonistas son adultos, nos resulta algo aburrida la historia y se pierde el interés. Se echa en falta decorados futuristas, por ejemplo, el internado inglés, que nos traslada más bien al género histórico, de época decimonónica, que al de una película de ciencia-ficción.   

domingo, 27 de marzo de 2011

Acto de Inauguración de Linterna Mágica (y 2)



Antonio Dechent en la inauguración de Linterna Mágica
 
El gran actor sevillano Antonio Dechent, nominado al Goya en 2001 por su interpretación en el reparto de la película “Intacto”, fue el pasado 18 de marzo nuestro padrino en el acto de inauguración de Linterna Mágica.
Todos los asistentes agradecieron sus amables palabras y su asistencia. Como bien sabemos, Antonio Dechent es un actor de cine, teatro y televisión, y siempre anda sumergido en trabajos y nuevos proyectos profesionales que le ocupan gran parte de su tiempo, que haya hecho un huequecito en su agenda, es todo un lujo y un honor para nosotros.   
Antonio ha estado presente en gran parte de los títulos más importante del cine español de los últimos tiempos, por lo que su cara es más que conocida. Muchos de los directores más afamados del panorama cinematográfico actual han confiado en su buen quehacer como actor. Su presencia en más de 80 películas lo avala como un actor referente en el cine español actual. Algunas de las películas en las que ha intervenido son: “Entrelobos”, “Solas”, “Alatriste”, “Los Borgia”, “Smoking Room”,  “¿Por qué se frontan las patitas”, “7 vírgenes”, “Tiovivo c. 1950”, “Eres mi héroe”, “Carmen”, “Salvado (Puig Antic)”, “Libertarias”, “Arenas en los bolsillos”, y un largo etc.
Antonio Dechent también ha trabajo en multitud de cortometrajes, formato que defendemos con mucho ahínco en nuestro Taller de Cine. Por ello, os proponemos quedarnos hoy con una secuencia del cortometraje “El examinador”. En este corto de 2004, dirigido por José Antonio Pajares, vemos a Antonio Dechent en el papel de un “peculiar” examinador del carnet de conducir, acompañado por Julián Villagrán y Geli Albaladejo. Este corto estuvo nominado al Goya en el año 2005. Espero que os guste.
Enhorabuena, Antonio, por tu trabajo, y mil gracias por tu generosidad.


sábado, 26 de marzo de 2011

Encontrarás dragones, de Roland Joffé



Título original: There be dragons. Dirección y guión: Roland Joffé. Países: España y USA. Año: 2011. Duración: 117 min. Género: Drama. Producción: Roland Joffé, Guy J. Louthan, Ignacio Núñez e Ignacio Gómez Sancha. Música: Stephen Warbeck. Fotografía: Gabriel Beristain. Montaje: Richard Nord. Diseño de producción: Eugenio Zanetti. Vestuario: Yvonne Blake. Estreno en España: 25 Marzo 2011.
Intérpretes: Charlie Cox (Josemaría Escrivá de Balaguer), Wes Bentley (Manolo), Dougray Scott (Robert), Olga Kurylenko (Ildiko), Golshifteh Farahani (Leila), Ana Torrent (Dª. Dolores), Alfonso Bassave (Jiménez), Jordi Mollá (D. José), Rodrigo Santoro (Oriol), Geraldine Chaplin (Abileyza), Derek Jacobi (Honorio), Unax Ugalde (Pedro).

Sinopsis:
“Encontrarás dragones” se centra en la investigación que Robert, un periodista, está realizando sobre una serie de acontecimientos durante la Guerra Civil Española que tuvieron como protagonistas a su propio padre y a un joven sacerdote, Josemaría Escrivá de Balaguer. A través del relato de su padre, Robert va a descubrir una terrible historia de traición, celos y muerte, pero también de redención y perdón, con el terrible trasfondo que supuso la guerra de un país enfrentado entre sí.

Rodrigo Santoro
Calificación: 5, Mediana
Lo mejor de la película: El diseño de producción es muy complejo. Las escenas de bombardeos durante la Guerra Civil están muy bien recreadas, creo que lo mejor de la cinta. El vestuario de Ivonne Blake, magnífico.  
Lo peor de la película: Sorprende que le interese la figura de Escrivá de Balaguer a un director que se confiesa agnóstico y de izquierda, pero más sorprende la “amabilidad” con la que trata al personaje. Increíble que en la versión original, personajes españoles hablen en inglés, como el de Ana Torrent o Unex Ugalde. Joffé se pierde en el guión cuando habla de la Guerra Civil, aflorando errores importantes.  

viernes, 25 de marzo de 2011

Banda Sonora de... Alexander Nevsky



Sergei Prokofiev (1891, Ucrania – 1953, Moscú), eminente compositor y pianista, tuvo una breve intervención cinematográfica gracias a sus partituras para “El Teniente Kijé” (1934), de Alexander Faintsimmer o “Alexander Nevsky” (1938), de Sergei M. Eisenstein.

Hoy nos detenemos en Alexander Nevsky, un drama épico enclavado en la Rusia del siglo XII. Tras pasarse una década sin estrenar ninguna película, en 1938 Eisenstein volvió a rodar otra obra maestra con el relato épico del príncipe Alexander Nevsky y su defensa de la zona norte de Rusia ante el ataque de los teutones.

El director de cine Sergei Mikhailocich Eisenstein fue virtualmente el inventor del montaje y las secuencias de grandes batallas, son sus más significantes triunfos artísticos.

Decidió contar con la música de Prokofiev para ambientar su película, al igual que lo haría posteriormente con otras obras suyas como Iván el Terrible Parte I y II (1943-1945).

Os dejamos con un tema musical perteneciente a la partitura realizada por Prokofiev para la película Alexander Nevsky.

jueves, 24 de marzo de 2011

Acto de Inauguración de Linterna Mágica (1)

Isabel Galindo, Joaquín Ritoré, Lola Carranza y Elia Fernández

El pasado viernes, 18 de marzo, a las 19 horas, tuvo lugar en el Salón de Actos de Emasesa la presentación en Sevilla de la Asociación Cultural Cinematográfica “Linterna Mágica”.  
Una iniciativa con apenas 3 meses de vida y con 160 socios/as hasta la fecha. Integrada por personas apasionadas del cine que tienen como objetivo “mover el ambiente cinéfilo en Sevilla y conseguir que esta ciudad tenga más vida desde el punto de vista cinematográfico”.
La idea de crear Linterna Mágica surge de un grupo de cinéfilos/as que forman parte de los Talleres de Cine que se celebran en el Centro Cívico “Las Sirenas”. El formato del Taller se quedaba limitado y la idea era completarlo con otras actividades (cine-forum, mesas redondas, tertulias, encuentros, proyecciones o visitas culturales, etc.) en el marco de una Asociación.
El acto fue conducido espléndidamente por la cinéfila Carmen Castilla (Directora de Enfermería y Atención al Ciudadano del Hospital Virgen Macarena), quien demostró su gran versatilidad a lo largo de toda la noche. Por otro lado, destacar el lujazo de contar con la asistencia del magnífico actor sevillano Antonio Dechent, quien apadrinó la Asociación y ofreciéndo unas cariñosas palabras a todos los presentes.  

miércoles, 23 de marzo de 2011

Japón y el síndrome de China


Jack Lemon, Michael Douglas y Jane Fonda
A raíz de los acontecimientos actuales sobre la central nuclear de Fukushima (Japón), nos parece interesante recomendar revisar la película de James Bridges, titulada “El síndrome de China” (1979), para entender lo que está pasando.   
La película nos cuenta la historia de unos periodistas que se acercan a una central nuclear para realizar un reportaje rutinario para la televisión, pero en mitad de ese reportaje, son testigos de un accidente en la estación que puede tener graves repercusiones. La periodista (Jane Fonda) y su cámara (Michael Douglas), junto con el supervisor de la planta atómica (Jack Lemon), lucharán por el derecho a que la gente sepa lo que realmente sucede. El derecho a la información se enfrenta con grandes intereses económico. 
Fruto de la oportunidad, la película se estrenó el 16 de marzo de 1979 y   algunos días después se produjo un accidente en Three Mile Island, en Harrisburg (Pensilvania). Estos hechos avivaron el interés por la película, los mismo que ahora hacen que revisemos el filme.
El título de la película, El síndrome de China, obedece a una hipótesis extrema de la fusión de un reactor nuclear, en la cual el material fundido resultante del mismo atraviesa la barrera de hormigón o cemento debajo de él y fluye fuera del edificio que lo contiene. El origen de la frase está relacionado con el concepto de que el material radioactivo fundido de un reactor nuclear estadounidense que sufriese semejante accidente podría hipotéticamente atravesar la corteza de la Tierra y alcanzar las antípodas de los Estados Unidos, popularmente asociadas a China.
Os dejamos con un momento de la película que, sin lugar a dudas, se halla de nuevo de actualidad.

martes, 22 de marzo de 2011

Cuestión de principios, de Rodrigo Grande


Título Original: Cuestión de principios. Dirección: Rodrigo Grande. País: Argentina. Año: 2009. Duración: 110 min. Género: Tragicomedia. Guión: Roberto Fontanarrosa y Rodrigo Grande; basada en un cuento de Roberto Fontanarrosa. Producción: Pitu Fernández, Leonardo Di Cesare y Rodrigo Grande. Música: Ruy Folguera. Fotografía: Pablo Schverdfinger. Montaje: César Custodio y Miguel Pérez. Diseño de producción: Mariela Ripodas. Vestuario: Paola Delgado. Estreno en España: 11 Marzo 2011.
Interpretación: Federico Luppi (Adalberto Castilla), Norma Aleandro (Sarita), Pablo Echarri (Silva).

Sinopsis:
El viejo Castilla está absolutamente convencido de saber lo que se debe hacer en cada ocasión donde intervienen la ética y los principios. Un día se da cuenta de que tiene el número 48 de la antigua revista Tertulias, justo el que le falta a su nuevo jefe para completar una colección que mantiene como hobbie. Castilla se niega a venderle este número de la revista frente a toda la plana mayor de la empresa “porque no todo se puede comprar”. Su jefe se propone demostrar a todos, sin echarlo, que logrará quebrar la voluntad del viejo Castilla. Todo al final será una cuestión de principios.

Federico Luppi y Norma Aleandro
Calificación: 4, Deficiente
Lo mejor de la película: Federico Luppi, por los pelos.
Lo peor de la película: El cuento de Fontanarrosa llevado a la pantalla resulta obsoleto, por la temática (desfasada de la realidad: valores contra pragmatismo), por la puesta en escena anticuada (Rodrigo Grande), por la fotografía tan pasada de moda (Pablo Schverdfinger) y la música tan fea (Ruy Folguera). Película para nostálgicos de valores añejos.

lunes, 21 de marzo de 2011

Banda Sonora de... Gnomeo y Julieta


Hoy nos detenemos en la banda sonora de la película Gnomeo y Julieta, el título de la última película en 3D de Walt Disney, un largometraje animado por ordenador que se ha estrenado en nuestras pantallas el 18 de Marzo.

Elton John ha sido el responsable de poner música a esta divertida aventura basada en la obra literaria de Shakespeare “Romeo y Julieta”, contada en esta ocasión en clave de humor y protagonizada por unos entrañables personajes que habitan nuestros jardines.

Esta banda sonora contiene 9 canciones de Elton John, cuatro de las cuales son nuevas grabaciones realizadas por Elton John expresamente para esta película, incluyendo un dueto con Nelly Furtado, y cinco clásicos de Elton John.

El prestigioso compositor norteamericano James Newton Howard, también contribuye a la banda sonora con tres composiciones creadas partiendo de la partitura de algunas de las canciones favoritas de Elton John y Bernie Taupin.

James Newton Howard es el responsable de las bandas sonoras de innumerables películas: El Sexto Sentido, Viven!, King Kong, entre otras. Tiene en su haber varias nominaciones a Óscar como mejor banda sonora de películas como Michael Clayton, El Fugitivo, La boda de mi mejor amigo, El príncipe de las mareas o El bosque.

La banda sonora incluye además “Tiki Tiki Room”, un clásico atemporal que ha sido el emblema del Parque Disney durante décadas.

La Banda Sonora de Gnomeo y Julieta se ha publicado en nuestro país el 8 de Marzo 2011.

Os invitamos a escuchar HELLO HELLO, una de las nuevas canciones que Elton John ha compuesto expresamente para la película.  A disfrutar.


domingo, 20 de marzo de 2011

Rusia, país invitado en el VIII Festival de Cine de Sevilla



Ya se ha desvelado el país invitado de la octava edición de Sevilla Festival de Cine Europeo (SEFF): se trata de Rusia. El Festival se celebrará del 4 al 12 de noviembre de 2011.
SEFF’11 ofrecerá una muestra de su pujante cinematografía, con la presentación de trabajos de la nueva generación de directores de gran interés, al tiempo que homenajeará a sus clásicos. Se incluirán obras de ficción y documentales, así como una selección de cortometrajes. La elección del país coincide con la celebración del año dual de Rusia en España y de España en Rusia, inaugurado recientemente por los Reyes durante su visita a San Petersburgo.
El Festival trata de promover un mayor conocimiento entre las industrias cinematográficas española y rusa para fomentar la cooperación y las coproducciones. Rusia acaba de firmar un acuerdo para integrase en el fondo de coproducción europeo EURIMAGES, que colabora en cada edición con el festival de Sevilla, incluyendo una selección de los trabajos que financia.
El Festival contará con la colaboración del Ministerio ruso de Cultura, de la Embajada de Rusia en España, de su consulado en Sevilla y de otras instituciones.
En las últimas ediciones, SEFF ha dedicado su foco especial a Holanda, Reino Unido y Dinamarca.
Parecerá coincidencia, pero lo cierto es que durante el presente curso, en nuestro Taller de Cine, hemos ofrecido un estupendo monográfico titulado “Panorama Histórico del  Cine Ruso: Desde los orígenes al fin del estalinismo (1896-1953)”, impartido por nuestro compañero Joaquín Ritoré. Yakob Protazanov, Lev Kulechov, Dziga Vertov, Sergei M. Eisenstein, Vsielovd Pudovkin y Alexander Dovzhenko son los cineastas en los que se ha centrado principalmente dicho monográfico.
Pero, en esta ocasión, os invitamos a ver una secuencia preciosa de una película rusa de 1997, titulada “Madre e hijo”, dirigida por el ruso Alexander Sokurov. El director nos ofrece en este largometraje, hilvanado a base de pocos y extensos plano-secuencias, un canto al amor, el que siente un hijo por su madre en las últimas horas de vida de ésta.     

La mitad de Óscar, de Manuel Martín Cuenca


Título Original: La mitad de Óscar. Dirección: Manuel Martín Cuenca. Países: España y Cuba. Año: 2010. Duración: 82 min. Género: Drama. Guión: Alejandro Hernández y Manuel Martín Cuenca. Producción: Manuel Martín Cuenca, Camilo Vives y Joan Borrell. Fotografía: Rafael de la Uz. Montaje: Ángel Hernández Zoido. Dirección artística: Alexandra Fernández. Vestuario: Anuschka Braun. Estreno en España: 18 Marzo 2011. Intérpretes: Verónica Echegui (María), Rodrigo Sáenz de Heredia (Óscar), Denis Eyriey (Jean), Antonio de la Torre (taxista), Manuel Martínez Roca (Miguel), Salvador Gavilán Ramos (abuelo).

Sinopsis:
Recién cumplida la treintena, Óscar vive solo y trabaja como guarda de seguridad de una salina semiabandonada. Durante sus turnos suele recibir la visita de Miguel, un antiguo guardia jubilado. Cada día, cuando termina la jornada, Óscar toma el autobús y vuelve a casa. Lo primero que hace al llegar es mirar el buzón y revisar su contestador, pero nunca hay cartas ni mensajes. O, al menos, no los que él espera. Un día la rutina se rompe. Óscar llega a la residencia de ancianos donde está su único familiar, su abuelo, que padece de Alzheimer. Su estado ha empeorado y ha sido ingresado en el hospital. Cuando la directora le cuenta que ha avisado a su hermana, Óscar se queda petrificado; hace dos años que no sabe nada de ella. Dos días después, María aparece acompañada de su novio, Jean. La relación entre los dos hermanos parece tensa, algo ocurrió en el pasado que los ha marcado de forma definitiva.

Rodrigo Sáenz de Heredia y Manuel Martínez Roca

Calificación: 7, Buena
Lo mejor de la película: Impresionante construcción del filme a base de planos fijos, estáticos. La falta de música y los largos silencios doblan el poder y la fuerza de la imagen. Un director de fotografía de altura, Rafael de la Uz, tanto en exteriores como en interiores. Atentos a la  secuencia del taxi entre Rodrigo Sáenz de Heredia y Antonio de la Torre, espléndida de verdad.      
Lo peor de la película: Que pase desapercibida para el gran público esta cuarta película de Manuel Martín Cuenca mientras arrasa en taquilla la cuarta entrega del cutrísimo Torrente. Sin palabras.

viernes, 18 de marzo de 2011

Torrente: ¿cine costumbrista?


A mi juicio, el éxito de las denominadas sagas de determinados personajes cinematográficos – desde Fu-Manchú a los distintos 007, los Rocky, los Conan, los Freddy y un largo etcétera -, han obedecido al triunfo de una primera entrega sonada comercialmente y a la que obviamente interesaba sacarle partido. Normalmente eran filmes de héroes más o menos sofisticados, “buenos de la película” – aunque también “malos” de solemnidad o incluso asesinos en serie –, y casi siempre producciones espectaculares en sus aspectos técnicos, efectos especiales, bandas sonoras, etc. Al mismo tiempo han sido títulos de éxito en todo el mundo, al ser los personajes prototipos podríamos decir que universales en la defensa de unos determinados valores, como la voluntad, la solidaridad o la justicia, tanto como rematadamente funestos en otros casos. Pero por otra parte – digamos que a nivel doméstico -, cada país o región, dependiendo de sus circunstancias culturales y sociales en períodos determinados, ha generado un tipo de cine “costumbrista” recreando ambientes, costumbres y situaciones al uso, junto con interpretaciones "ad hoc", exagerando más o menos la realidad. Recordemos nuestras “Escopetas Nacionales” como ejemplo.

Nos guste o no, hemos de coincidir en que los bodrios cinematográficos de la saga “Torrente” acumulan no pocos de los llamémosles “anti-valores” tan al uso en nuestra sociedad aquí y ahora, con lo que podríamos encuadrarlo en la modalidad de cine costumbrista antes mencionado, salvando lo esperpéntico de roles y situaciones. Por poner otro ejemplo, evoco el éxito del llamado “landismo” en los años 60 y 70, aquel cine-retrato de arquetipos sociales perfectamente reconocibles en nuestro entorno real - cuando no en nosotros mismos -, llevando a la pantalla inquietudes y ardides en pintorescas situaciones que, aún extremadas por las exigencias del guión – nunca mejor dicho –, no nos resultaban tan lejanas. Salvando también las diferencias en los aspectos técnicos, hoy día notablemente mejorados, podríamos hablar de “torrentismo” en cuanto las películas del estrafalario personaje presentan en buena medida unos caracteres sociales de rabiosa actualidad y una galería de personajes de lamentable catadura, y sin embargo encumbrados – intervención mediática mediante, valga la redundancia – a una popularidad insospechada. Protagonistas que se representan a sí mismos - fatuos en su estulticia - , de comportamientos groseros, vocabulario chabacano y complacencia en el mal gusto, producen no obstante una sensación de regocijo en un público muchas veces confabulado con esa suerte de “anti-valores” al uso. No en balde – y salvo excepciones – el avispado Santiago Segura nutre sus producciones en buena medida del lumpen de chuflas/os y caricatos/as extraídos de basureros televisivos, que sin embargo disfrutan de una notable audiencia.

Por otra parte, y vuelvo a referirme a situaciones puntuales en determinadas sociedades, creo que asistimos en la nuestra hoy en día - en cuanto a los gustos cinematográficos del llamado “gran público” -, a un favoritismo por el cine de evasión en cualquiera de sus modalidades, al liberar al espectador de realidades no muy gratificantes en las actuales circunstancias. Si además se le ofrece ocasión para el regodeo con generosos puñados de sal gorda y aderezos visuales llamativos, esa empatía con los anti-héroes al uso hace el resto y la taquilla su agosto. Opino sin embargo que se trata de un cine de consumo doméstico, producto tan poco exportable como las canciones de los “Mojinos escozíos” al Reino Unido – apropiada comparación por lo zafio de sus calidades -, y por otra parte muy oportunista, como denota la utilización más que excesiva de cameos en aras de su comercialización, por ejemplo. No obstante, y aunque la apreciación no sea deseable para los amantes del séptimo arte, hay que reconocer a Santiago Segura su absoluta sintonía con un sector de público determinado – importante en cantidad -, a la vista de su respuesta a tales paridas. Supongo que un estudio sociocultural profundo del fenómeno - que ni por asomo me atrevería a abordar -, brindaría un resultado no demasiado sorprendente y hasta rutinario: el grueso del personal indígena – doble sentido incluido – como que ve más cercano a Paquirrín que a Colin Firth; a la horterada que al glamour; al cachondeo que a la excelencia. ¿O no?

jueves, 17 de marzo de 2011

La muchacha de Londres, de Alfred Hitchcock


Hoy nos acercamos a la primera película sonora que dirigió Alfred Hitchcock. Se trata de “La muchacha de Londres” (1929), basada en la obra “Blackmail”, de Charles Bennett. La película se rodó como si fuera muda, pero el paso al cine sonoro resultaba tan imparable que finalmente el estudio decidió rodar de nuevo algunas escenas, sobre todo, las escenas con muchos diálogos, para convertirla en una película totalmente hablada.
El problema principal lo ocasionó la protagonista principal, la actriz polaca Anny Ondra (1903-1987), que ya había trabajado con Hitchcock en “The Manxman”. Su fuerte acento extranjero no hacía convincente el personaje que interpretaba, por lo que el estudio solicitó su despido. Fue Hitchcock quien insistió en conservarla, pues le gustaba mucho y se sentía hechizado por su belleza. La solución fue que sus diálogos tuvieron que ser doblados por la actriz Joan Barry. 
La muchacha de Londres” continúa siendo una película fascinante, compleja e inquietante. La historia nos habla de Alice White (Anny Ondra) y de su apuesto novio, el detective Frank Webber (John Longden). Después de discutir en un restaurante lleno de gente, Alice se marcha del brazo de un atractivo artista y acepta la invitación para acompañarlo a su estudio, donde acepta posar para él. El artista intenta entonces violarla, y ella lo mata apuñalándolo con el cuchillo de pan… Y ese es sólo el comienzo…
En esta película, al igual que en “El enemigo de las rubias”, Hitckcock indagó en la perfidia de los servidores de la ley y el orden, concretamente en cómo permiten que las pasiones interfieran y los desvíen del cumplimiento de su deber.
La carrera de Anny Ondra en el cine británico concluyó con esta película, aunque llegó a realizar más de 40 películas en el cine sonoro antes de retirarse al final de los años treinta. 
Por último reseñar una curiosidad que se le ocurrió a Hitchcock durante el rodaje de esta película. Se trata del cameo más largo de toda su trayectoria, y éste ocurre mientras Ondra y Longden viajan en el metro, detrás de ellos se sienta Hitchcock, que es importunado por un chico que le da varios golpes en el sombrero y él le replica.
Os invitamos a ver diferentes fotogramas de esta película acompañados por una pieza musical muy famosa por aquella época, Guilty, de Russ Columbo. A disfrutar.

miércoles, 16 de marzo de 2011

En el centro de la tormenta, de Bertrand Tavernier



Título original: In the electric mist. Dirección: Bertrand Tavernier. Países: USA y Francia. Año: 2009. Duración: 117 min. Género: Drama, thriller. Guion: Jerzy Kromolowski y Mary Olson-Kromolowski; basado en la novela de James Lee Burke. Producción: Michael Fitzgerald y Frédéric Bourboulon. Música:  Marco Beltrami. Fotografía: Bruno de Keyzer. Montaje: Thierry Derocles, Roberto Silvi y Larry Madaras. Diseño de producción: Merideth Boswell. Vestuario: Kathy Kiatta. Estreno en España:  11 de Marzo 2011.
Intérpretes: Tommy Lee Jones (Dave Robicheaux), John Goodman (Julie Balboni), Peter Sarsgaard (Elrod T. Sykes), Mary Steenburger (Bootsie), Kelly Macdonald (Kelly), Justina Machado (Rosie Gomez), Ned Beatty (Twinky Lemoyne), James Gammon (Ben Hebert), Pruitt Taylor Vince (Lou Girard).

Sinopsis:
New Iberia, Louisiana. El detective Dave Robicheaux anda tras la pista de un asesino en serie responsable de la muerte de varias jóvenes. Tras reconocer la escena de un nuevo crimen, Dave conoce a la estrella de Hollywood Elrod T. Sykes. El actor, que se encuentra rodando en el lugar su última película, le dice a Dave que ha visto flotando en la ciénaga el cuerpo de un hombre negro encadenado. Dave tiene la sensación de que los casos están relacionados, y a medida que se va acercando al asesino, éste también se acerca a Dave y a su familia…

Tommy Lee Jones y Mary Steenburger
Calificación:  5, Mediana.
Lo mejor de la película:  Poder contemplar un nuevo trabajo del gran Tavernier y la interpretación de Tommy Lee Jones (el personaje le va como anillo al dedo, va de poli bueno detrás de los malos).
Lo peor de la película: El entramado de la historia resulta algo confuso. Se le podría achacar a la adaptación realizada por Jerzy Kromolowski y Mary Olson-Kromolowski de la famosa novela de James Lee Burke, pero yo me inclinaría más por importantes defectos en el montaje. Lástima, esta obra podría haberle quedado más redonda.

martes, 15 de marzo de 2011

Adiós a Annie Girardot


El 28 de febrero de 2011 fallecía en un hospital parisino, a los 79 años de edad, víctima del Alzheimer, una de las musas del cine francés de los años 60 y 70.
Annie Girardot  nació en París en 1931, tras estudiar Arte Dramático con Jean Meyer, un concurso que le posibilitó el ingreso en la prestigiosa Comédie Francesa en 1954, con tan sólo 23 años. El teatro ocupó gran parte de su dilatada carrera como actriz.
Debutó en el cine en 1955 de la mano de André Hunebelle, en el filme Treiza a table.
En 1958, co-protagonizó una película de Jean Delannoy, titulada “El comisario Maigret”, famoso personaje literario creado por George Simenon, del cual tuvimos amplio desarrollo en el Taller de Cine de este año, gracias al trabajo de nuestra compañera Fuensanta R.
Pero su impacto internacional llegaría de la mano de Visconti en 1960, cuando éste la eligió para protagonizar el papel de Nadia en el filme Rocco y sus hermanos.
Posteriormente, trabajaría en el cine con Mario Monicelli (Camaradas, 1963), Marco Ferreri (Se acabó el negocio, 1964), Marcel Carné (Tres habitaciones en Manhattan, 1965), Claude Lelouch (Vivir para vivir, 1967), entre otros. Basta decir que llegó a participar en más de un centenar de películas.
En el cine se despidió por la puerta grande con el personaje secundario que le ofreció Michael Haneke en la película La pianista (2001), dando vida a la madre de una pianista desequilibrada emocionalmente. Esta interpretación le valió el César a la Mejor Actriz de Reparto.
Nos quedamos con una secuencia de esta película, La pianista, donde la podemos ver junto a Isabelle Huppert (madre e hija en la ficción), demostrando una vez más su talento. Es nuestro recuerdo a esta formidable actriz francesa.   

   

lunes, 14 de marzo de 2011

Incendies, de Denis Villeneuve


Película: Incendies. Dirección: Denis Villeneuve. Países: Canadá y Francia. Año: 2010. Duración: 125 min. Género: Drama. Guión: Denis Villeneuve; a partir de la obra teatral de Wajdi Mouawad. Producción: Luc Déry y Kim McCraw. Música: Grégoire Hetzel. Fotografía: André Turpin. Montaje: Monique Dartonne. Vestuario: Sophie Lefebvre. Estreno en España: 11 de Marzo 2011.
Intérpretes: Lubna Azabal (Nawal), Mélissa Désormeaux-Poulin (Jeanne), Maxim Gaudette (Simon), Rémy Girard (notario Jean Lebel).

Sinopsis:
Jeanne y Simon se quedan atónitos cuando, durante la lectura del testamento de su madre, el notario les hace entrega de dos sobres, uno destinado a un padre que ellos creían muerto y el otro a un hermano cuya existencia ignoraban. Jeanne ve en este enigmático legado la clave del silencio de su madre Nawal, y decide viajar al Próximo Oriente para exhumar el pasado de una familia de la que no sabe prácticamente nada… A Simon no le importan los caprichos póstumos de una madre que siempre se ha mostrado distante y poco afectuosa con ellos, pero el cariño que siente por su hermana lo impulsará a reunirse con Jeanne y recorrer el país de sus antepasados. Juntos se remontarán al comienzo de la historia de la mujer que les dio la vida y descubrirán un destino trágico marcado a fuego por la guerra y el odio, y el valor de una mujer muy especial.


Mélissa Désormeaux-Poulin y Maxim Gaudette
Calificación:  7, Buena.
Lo mejor de la película: Un guión trenzado con maestría y una puesta en escena impecable, con un dominio del fashback inmejorable.
Lo peor de la película: Que te desvelen antes de ver la película, parte de la historia y, sobre todo, el final de la misma, el resultado del viaje al infierno de los dos gemelos en busca de su identidad.  

domingo, 13 de marzo de 2011

Linterna Mágica, en Radiópolis

 
Dirigido y presentado por los cinéfilos Juan José Roldán Valdés y José Serrano Rodríguez, ‘Alfombra Roja’ es un programa radiofónico sobre información cinematográfica que se sintoniza en Radiópolis, en el dial 98.4 FM de Sevilla, y que también se puede escuchar en Internet, en www.radiopolis.org. 
Se trata de un programa divulgativo y de crítica cinematográfica, de emisión semanal (los martes, de 17:30 a 18:30), que hace un recorrido por la actualidad del séptimo arte. 
El eje central del programa lo constituye la información sobre los estrenos semanales, que se va alternando con la audición de temas musicales de dichos estrenos. En otras secciones se difunden actividades o eventos cinematográficos, con especial atención a la agenda cinematográfica sevillana.
El próximo martes, 15 de marzo, en este programa, estarán como invitados nuestros compañeros Javier Bernet y Joaquín Ritoré, para hablar de nuestra Asociación “Linterna Mágica”.  
No olvidéis la cita y escuchadlo.

sábado, 12 de marzo de 2011

Segundo de Chomón, en el Taller de Cine



Este año, en nuestro Taller de Cine, al hablar de la figura de Charles Pathé como uno de los pioneros en la industrialización del cine, era necesario hablar también de dos directores que estuvieron muy relacionados con la compañía de Pathé. Uno es el francés Ferdinand Zecca, el otro, el español Segundo de Chomón.  

Nació en Teruel el 17 de octubre de 1871y fue uno pioneros del Cine Español. Sin embargo, Segundo de Chomón es un auténtico desconocido. ¿Por qué? ¿Alguien puede explicarse como un cineasta con tanto talento es un desconocido en España? Puede ser debido a la tendencia fatalista, por parte de algunos, de considerar, en líneas generales, a todos los cineastas españoles como un conjunto de mediocres profesionales. Pero como no estoy de acuerdo con esa tendencia, sino más bien todo lo contrario, hoy quiero reivindicar a uno de los mejores cineastas de los primeros treinta años de existencia del séptimo arte. Y era español. Fue director, técnico de iluminación y de fotografía, especialista en trucajes y revelado, pionero del cine fantástico y del cine de animación, en definitiva una personalidad más que relevante y fascinante de los inicios del mundo del cine.

Fue contratado por Pathé para competir con Georges Méliès realizando numerosas películas fantásticas. Chomón encontrará en la Pathé todo lo necesario para investigar y poner en práctica sus innovaciones técnicas y su pasión por la experimentación, que irán desde la filmación fotograma a fotograma, los planos cenitales y los movimientos invertidos hasta los encadenados, las tomas de diferentes proporciones y las sobreimpresiones. De esta forma, de hace un especialista en realizar películas donde abunden las escenas de “transformaciones”, siendo su película más famosa “El hotel eléctrico” (1908). Sin embargo, hoy nos vamos a quedar con una auténtica joya, “Los huevos de Pascua” (1907), donde asistimos a un desborde de fantasía, a un cine lleno de magia. Espero que os guste mucho.    

Participó en más de un centenar de películas, algunas de las cuales no nos ha llegado a nuestros días. Trabajó al lado de los mejores directores europeos del período (Ferdinand Zecca, Abel Gance, Giovanni Pastrone, Benito Perojo, etc.). Murió en París el 2 de mayo de 1929,  cuando el cine acababa de empezar a hablar.

La comedia francesa: La vida es un largo río tranquilo

El otro día tuve el placer de ver la comedia francesa "La vida es un largo río tranquilo" (La vie est un long fleuve tranquille). No se si llegó a España en su época (es de finales de los 80) pero para mi fue una verdadera revelación, aunque por lo visto es tan conocida en Francia que hay gente que se sabe de memoria las réplicas. Se trata de una buenísima comedia que, como le pasa habitualmente a la comedia francesa, también es una dura crítica social. Se trata de la historia de dos familias, los Groseille (de extracción social baja) y los Quesnoy (burgueses, muy católicos), que descubren que, al nacer, uno de sus hijos fue intercambiado con el de la otra familia. Con este argumento tan rocambolesco de fondo, asistimos a una sucesión de personajes estupendos y de situaciones a cual más divertida. Entre todos estos personajes muy bien caracterizados destacan, a mi parecer, la Sra. Quesnoy, interpretada por Hélène Vincent (ganadora del César a la mejor actriz secundaria) y Momo, el niño "rico" que vive toda su vida en los barrios bajos, interpretado por Benoît Magimel, actor que se hizo muy conocido gracias a su papel de amante de Isabelle Huppert en “La pianista”. Os pongo una escena que me parece muy divertida en la que se pone de manifiesto la relación de la familia Quesnoy con la religión y que me recuerda a mis años escolares en el colegio de monjas.